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David Bowie / Dios salve al dios

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David Bowie
Ilustración de Triunfo Arciniegas

FICCIONES

David Bowie

(1947 - 2016)
(David Robert Jones; Londres, 1947 - 2016) Actor y cantante pop británico. Artista camaleónico, mutó varias veces de estilo y recogió múltiples influencias, sobre todo de la psicodelia y el punk, que le hicieron adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino, anticipándose a personajes como Boy George. Trabajó junto a artistas de la talla de Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno, y colaboró con jóvenes artistas, a cuya fama contribuiría notablemente, como es el caso de Lenny Krawitz. Ziggy Stardust (1972) o Let’s dance (1983) son algunos de los discos míticos de su carrera, jalonada siempre por el éxito y la polémica. También fueron frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico; su película más celebrada es Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), de Naghisa Oshima.




David Bowie comenzó su carrera cantando y tocando el saxofón en pequeños locales y también en institutos, con músicos aficionados como The Manish Boys, David Jones & The King Bees o Lower Third. A finales de la década de 1960 comenzó a grabar sus primeros sencillos, que luego se integrarían en su primer álbum, David Bowie (1967). Se interesó además por el teatro, llegando a formarse como mimo y actor con Lindsay Kemp, una influencia que se dejaría notar más tarde en sus actuaciones.
En 1969 grabó el álbum Man of Words/Man of Music, en el cual se incluía el single “Space Oddity”, que llegaría al puesto cinco de las listas en el Reino Unido. Después de realizar actuaciones en diversos países, entabló amistad con el que se convertiría en su nuevo mánager, Toni De Fries. En 1970 y 1971 publicó los álbumes The Man Who Sold The World y Hunky Dory, en los que ofreció una provocativa imagen andrógina, en consonancia con el glam, la tendencia que dominaba en aquel momento el rock británico.
A partir de 1972 empezó el gran ciclo de transformaciones que caracteriza su personalidad camaleónica: en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars encarna a una estrella bisexual del rock procedente de otro planeta. Esta tendencia a la ambigüedad continuaría en Aladdin Sane (1973), su siguiente trabajo. Ese mismo año Bowie posó junto a la modelo Twiggy en la portada de Pinups, una compilatorio de algunas de las mejores canciones del rock de los 60, y apareció desnudo en la carpeta de su álbum Diamond Dogs (1974).
Las canciones de Bowie generaban una atmósfera futurista, obsesiva, donde daba cabida a breves guiños dirigidos al rock estadounidense y desarrollaba profundas y densas secuencias por las que desfilaban personajes orwellianos (el Gran Hermano de la novela 1984, de George Orwell), arquetipos de una modernidad decadente o personajes que parecen surgidos del género gótico. En Gran Bretaña las críticas a este último álbum fueron duras, y Bowie decidió dar un giro a su carrera, adoptando una imagen personal más sobria e introduciendo la música disco y el soul como influencias estilísticas en sus composiciones. Se lanzó a la conquista del mercado estadounidense con el álbum Young Americans (1975), que ascendió al primer puesto de las listas de ventas. Con el respaldo de Andy Warhol, con el que trabó gran amistad, su popularidad creció rápidamente.

David Bowie

En esta segunda mitad de la década de 1970 Bowie continuó experimentando con nuevos sonidos. El elemento electrónico estaba cada vez más presente en su música, a través del uso recurrente de sintetizadores y de la manipulación de su voz en los temas. Esto queda patente en álbumes como Station to Station (1976) y Low(1977), en el que inició su asociación con el músico y productor Brian Eno. Bowie evolucionaba hacia un personaje de aspecto frío y distante, envuelto en largos abrigos de cuero, lo que le valdría el sobrenombre de El Duque Blanco.
Heroes (1977) ofrecería estructuras y sonidos aun más densos y complejos. En los años siguientes, y todavía con Eno, Bowie grabó Stage (1978), álbum en vivo resultado de su gira de aquel año, y Lodger (1979), que señalan su vuelta hacia un rock fresco, original y de sencilla comercialización, aunque enriquecido por todas las innovaciones de la etapa anterior. Con Scary Monsters (1980), que seguía esta misma tendencia, terminó otra etapa de su carrera.
Bowie emprendió en ese momento su periodo de mayor éxito comercial, pero también el de más críticas adversas por parte de los especialistas, que le achacaban un empobrecimiento musical. En Let's Dance (1983) y Tonight (1984) compaginó temas herméticos con baladas que le facilitarían la colaboración con otros artistas, como Iggy Pop, Queen, Tina Turner y Mick Jagger.
Su enorme éxito se vio favorecido por sus trabajos para el cine. En 1986 compuso la banda sonora de Dentro del Laberinto, filme dirigido por Jim Henson y producido por George Lucas, donde además interpretaba uno de los papeles protagonistas. Ya atesoraba una extensa trayectoria como actor en otros filmes anteriores, como The Man Who Fell To Earth (1976, de Nicolas Roeg), Gigoló (1979, de David Hemmings), El ansia (1983, de Tony Scott), Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983, de Nagisa Oshima) o Cuando llega la noche (1985, de John Landis).
Su siguiente trabajo fue Never Let Me Down (1987). Tras un periodo (1989-91) en el que trabajó con la banda Tin Machine, Bowie retomó su carrera en solitario con Black Tie White Nose (1993). Casado con la modelo Iman, comenzaba una nueva y fructífera etapa musical. Con Outline (1995), Bowie volvió a transformarse (esta vez adoptaría la identidad de un detective en una urbe futurista) y recobró, con sonoridades de su época con Eno, su preeminencia en la vanguardia del rock. 
Earthling (1997), Hours (1999), Heathen (2002), Reality y Club Bowie (2003) son algunos de sus trabajos posteriores. Una grave operación de corazón le obligó a cancelar su gira europea de 2004, y aunque consiguió recuperarse de la misma, no volvió a actuar en directo. Prosiguió sin embargo su labor musical en los estudios, editando nuevos discos como The Next Day (2013) y Black Star (2016), cuyo lanzamiento precedió en dos días a su muerte.




"He estado apagando el fuego con gasolina"
David Bowie


"A medida que envejezco, 
las preguntas se reducen a dos o tres. 
¿Por cuanto tiempo? 
¿Y qué hago con el tiempo que me queda?"
David Bowie

"Has tenido a tu madre en un torbellino, 
no está segura de si eres un chico o una chica"
David Bowie

David Bowie ya no está desaparecido

"El dios ha vuelto. Dios salve al dios."

El creador de ‘Ziggy Stardust’ y ‘Heroes’ lanza el single de lo que será, a partir de marzo, su primer disco en la última década, titulado ‘The next day’


BORJA HERMOSO Madrid 8 ENE 2013 - 09:57 CET


David Bowie en el primer concierto americano de su gira 'A Reality Tour'. de 2003, en Montreal (Canadá). / REUTERS
Los bowiófilos ya pronuncian con euforia su mantra: el dios ha vuelto, Dios salve al dios. Resulta que el dios no andaba moribundo como entonaron los agoreros y los tabloides: Bowie estaba encerrado en algún estudio de grabación, con la inquebrantable amistad del productor Tony Visconti sentada a su lado, pergeñando un nuevo disco para desmentir a casi todos, incondicionales incluidos, para acallar la especie de que, tras su mutis por el foro de hace ocho años por supuestos gravísimos problemas de salud que nunca fueron confirmados, estaba muerto, artísticamente muerto y físicamente acabado. El “no” de David Bowie a la rumorología se titula, de momento, Where are we now?, single de lo que será, a partir del 11 de marzo, The next day, el disco de larga duración número 30 de una de las carreras más fecundas, geniales, desiguales e influyentes de la música contemporánea.
La canción, catapultada ayer al universo por la gracia de YouTube y el vídeo dirigido por el artista Tony Oursler, corrió por las redes sociales como si fuera Gebrselassie reventando la pista en el 10.000. Normal. Tradicionalmente, cualquier cosa que haya hecho David Robert Jones desde que en 1969 presentó su tarjeta de visita planetaria con la subyugante Odisea espacial ha venido siendo devorado por el público. Más de 140 millones de álbumes ha vendido desde entonces el álter ego de Ziggy Stardust (¿o era al revés?). Ahora habrá que ver si The next day, primer disco de estudio parido por Bowie en la última década (el último, Reality, data de 2003), vuelve a convertirse en la noticia que fue cada una de sus creaciones.
De momento, y superando la condición o no de fan incondicional del autor de obras maestras como Hunky dory, Young americans o Scary monsters, todo ciudadano está en su perfecto derecho de hacerse la pregunta del millón: ¿ha vuelto Bowie a manejar de forma genial los hilos del márketing en el advenimiento de este su nuevo retoño discográfico? Desde luego, nada es descartable. Recuérdese que, como por casualidad, apenas dos semanas después de que The next day vea la luz, el Victoria & Albert Museum de Londres abrirá sus puertas a la mayor exposición dedicada nunca al Delgado Duque Blanco (yeah, el mismo que en 1976 llegó en un descapotable a la londinense estación Victoria con el brazo en alto y recomendando un régimen fascista para Europa: enésima barbaridad del viejo hacedor de boutades). Los responsables del museo llevan meses publicitando la retrospectiva, para la que aún faltan dos meses. Dijeron que Bowie había colaborado con ellos y que había hecho de comisario. Él lo desmintió y se desmarcó del asunto. Total: disco y exposición casi concidirán en el tiempo. Seguro que todo es fruto del azar.
Pero vamos a lo importante. El single Were are we now? y su correspondiente vídeo retrotraen al Bowie más sombrío, al de sus memorables sinfonías berlinesas (Low, Heroes, Lodger...) junto a Brian Eno. Sería mucho pedir que el nivel de calidad de The next day se acercara siquiera a aquellos años de decadencia, droga y genio artístico. Al parecer, el disco tendrá 14 cortes. Ziggy se ha esforzado. Ha salido del ultralujo de su ático de Manhattan, ha dicho “ahora vuelvo” a su esposa Imán y a su hija Lexi y se ha reintegrado al negocio. El dios ha vuelto. Dios salve al dios.


David Bowie no volverá a actuar nunca más, 

según su agente de giras

"Ha dedicido retirarse y, al igual que Phil Collins, no puedes pedir a esta gente que salga una y otra vez", señala John Giddings

 Madrid 15 OCT 2015 - 10:06 CEST

David Bowie se retira
David Bowie en concierto
El músico británico David Bowie no volverá a actuar nunca más, según ha contado su agente de directos, John Giddings, a News Week. "David Bowie es uno de los mejores artistas con los que he trabajado. Pero cada vez que lo veo ahora, incluso antes de que hable con él, me dice que no va a ofrecer conciertos", señaló Giddings, encargado de la gestión de conciertos de nombres como Madonna y U2, así como del Festival de la Isla de Wight, durante una entrevista en el marco del International Festival Forum. "Ha decidido retirarse y, al igual que Phil Collins, no puedes pedir a esta gente que salga una y otra vez. Estoy encantado y orgulloso de que la última vez que actuó en Reino Unido fue en 2004 la isla de Wight".
Bowie, conocido también por sobrenombres como Ziggy Stardust, nació en Londres en 1947 y debutó en el mundo musical con su álbum homónimo, en 1967. A lo largo de su carrera, en la que ha recibido influencia de grupos como Kraftwerk y a su vez ha servido de inspiración a músicos de generaciones posteriores como Lady Gaga, ha firmado éxitos como The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) y Young Americans (1975). Su hasta ahora último álbum de estudio, The Next Day, se publicó en marzo de 2013.

Berlín: el renacimiento expresionista de Bowie

El músico se distanció del rock y renovó su discurso musical en Alemania junto a Brian Eno

Desde la izquierda (sentados), Robert Fripp, Bowie y Brian Eno, durante la grabación de “Heroes” en Berlín. 1977
Desde la izquierda (sentados), Robert Fripp, Bowie y Brian Eno, durante la grabación de “Heroes” en Berlín. 1977. / CHRISTIAN SIMONPIETRI (CORBIS / CORDON PRESS)
Parecía un vampiro, la piel casi transparente, tan delgado que su imagen resultaba dolorosa. Si las alucinaciones provocadas por la cocaína no acababan con él, lo haría la propia sustancia, que consumía en cantidades masivas. Tenía que abandonar Los Ángeles antes de que la ciudad lo matara, así que David Bowie buscó refugio en Berlín, donde se instaló en otoño de 1976, acompañado de su amigo Iggy Pop, otro prófugo de sí mismo, y de Coco Schwab, su leal ayudante. Bowie e Iggy intentaron enmendar sus hábitos —solo consiguieron relajarlos—, visitando museos y clubes nocturnos, impregnándose del ambiente de una ciudad machacada por la historia.
Entre 1976 y 1978, Bowie fraguó la base de lo que se conoce como su trilogía berlinesa, definición que sirve para describir su distanciamiento del rock más canónico. La nueva música alemana, etiquetada por la prensa británica como krautrock, y representada por grupos tan dispares como Kraftwerk, Tangerine Dream o Neu!, se convertía en su nueva brújula artística. Y aunque Bowie nunca llegó a abandonar completamente el formato de la canción pop, trascendió dicho concepto con los dos discos que publicó en 1977. Buscando aislarse de sus problemas personales —a los que había que añadir problemas con su entonces mánager Tony DeFries y el irrefrenable divorcio con Angie Barnes—, Bowie renovó su discurso musical a través de la experimentación.
Elegir Berlín no fue un mero capricho, ni tampoco consecuencia de los delirios cocainómanos que, aderezados con indigestas lecturas de Nietzsche, le llevaron a elaborar fantasías filonazis. En la gira promocional de Station to station (1976) su imagen ya exhibía una sobriedad en blanco y negro inspirada por el cine de Fritz Lang, cuya obra le descubrió Amanda Lear dos años antes. El astro, que antes de probar suerte en la música había estudiado arte, hizo del expresionismo pictórico del colectivo Die Brücke una de sus referencias. La portada de “Heroes” tomaría como punto de partida uno de los autorretratos de Walter Gramatté y la de The idiot, el disco de Iggy Pop producido por Bowie durante esa etapa, se inspira en Roquairol de Erich Heckel. Otra pintura, Lovers between garden walls de Otto Mueller, fue una de las chispas de inspiración de la que nacería la canción “Heroes”.
Hubo estupor cuando, en enero de 1977, Low vio la luz. La mitad de sus cortes eran instrumentales —no olvidemos que Bowie era una estrella de rock— y los que no lo eran presentaban formas y estructuras inusuales para la idiosincrasia del pop de entonces.

Nuevas técnicas

Uno de los responsables de dicho giro era Brian Eno, fascinado también por la música experimental alemana, que se erige en una suerte de director musical durante la segunda fase de la grabación del álbum, aplicando sus técnicas creativas abiertas siempre a la intervención del azar. Pero no hay que olvidar que Low comenzó a registrarse en París y, sobre todo, que la producción tanto de esta obra como de las otras dos que configuran dicha trilogía, corre a cargo de Tony Visconti. Publicado antes de que concluyera el año,"Heroes", el único álbum completamente berlinés del tríptico —fue registrado en los estudios Hansa, junto al muro—, desarrolla las dos vertientes exploradas meses antes en Low, acercando las canciones a parámetros más familiares y llevando los instrumentales a terrenos más abstractos. Bowie afronta el apogeo del punk con un álbum por momentos alejado del rock’n’roll, cuyo romanticismo es la antítesis de la brutalidad de Sex Pistols y Ramones, sentimiento que plasma de manera majestuosa "Heroes", destinada a convertirse en la canción más popular de su autor.
Bowie abandonó Berlín en 1978 para embarcarse en su primera gira mundial desde 1973. Un año después grabaría Lodger, todavía con Eno a su lado ejerciendo como explorador sónico. Registrado entre Suiza y Nueva York, es un regreso a las composiciones más tradicionales, más conectado al afrofunk de Talking Heads que a la electrónica de Kraftwerk. El periplo berlinés hacía tiempo que había concluido pero una nueva generación de artistas —Joy Division, John Foxx, Siouxsie & The Banshees, Human League y varias decenas más— ya habían quedado atrapados por el futurismo que Bowie había insuflado al rock, convirtiendo a la vieja Europa en un preciado fetiche artístico.


Así fueron los últimos días de Bowie

El director del musical 'Lazarus' y la autora de una biografía del músico ofrecen los primeros detalles de su lucha contra el cáncer



Poco a poco, aunque con cuentagotas, como el propio personaje administraba todo lo que tenía que ver con su vida privada (y hasta artística), empiezan a conocerse algunos detalles sobre la recta final de David Bowie antes de sucumbir al cáncer que acabó con su vida el domingo (10 de enero de 2015) a los 69 años.
Un día durante la preparación del musical Lazarus, estrenado el pasado 7 de diciembre en Broadway, David Bowie apartó al director del montaje, Ivo van Hove, y le reveló un secreto que prácticamente nadie supo hasta el pasado domingo. “Me dijo que no siempre podría estar presente en el proyecto ya que estaba enfermo. Dijo que tenía cáncer de hígado”, ha relatado Van Hove, según la web especializada NME. De ahí que el director del musical entrara hace un año en el minúsculo club de cuantos conocían el drama de Bowie. “El reparto no lo sabía y sospecho que los músicos con los que grabó Blackstar[su último disco], tampoco”, añade Van Hove. Parece cada vez más evidente que el autor de Ashes to Ashes cubrió todo lo referente a su estado de salud con el mismo manto de misterio que puso en pie durante la génesis y elaboración de sus últimos discos, The Next Dayen 2013 y Blackstar, publicado el pasado 8 de enero, el día de su 69º cumpleaños. 


Solo su círculo más íntimo conocía el proceso cancerígeno de Bowie. Wendy Leigh, autora de una biografía sobre el artista publicada en 2014, ha contado a la BBC que antes de perder la batalla final contra el tumor Bowie fue capaz de superar hasta seis ataques al corazón que sufrió en los últimos años, según aprendió de una “fuente muy cercana” al creador. Como se recordará, el primer problema cardiaco del músico llegó en 2004, tras un concierto en Alemania dentro de la gira Reality, a la postre la última protagonizada por el astro de Brixton.
“Se podría decir que todavía seguía escribiendo en su lecho de muerte. Luchó y continuó trabajando como un león durante todo este periodo. Tengo un respeto tremendo por ello”, ha agregado Van Hove, según medios holandeses. El director asegura que Bowie hizo un esfuerzo extraordinario para lograr acabar a tiempo tanto Blackstar comoLazarus, que se representa en el New York Theatre Workshop hasta el próximo 20 de enero y cuyas entradas ya están agotadas, salvo las pocas que el teatro asigna a través de una lotería.
Van Hove estuvo con Bowie por última vez el pasado 7 de diciembre, en el estreno de Lazarus. “Los periódicos escribieron que se le veía muy bien de salud. Pero en cuando nos fuimos, se desplomó al suelo. Fue entonces cuando entendí que quizá era la última vez que le veía”, ha contado el director del musical.
También el músico Brian Eno, antiguo miembro de Roxy Music, tuvo una sensación de despedida, aunque a posteriori, a raíz de un correo electrónico que Bowie le envió días antes de morir. El email terminaba con las siguientes frases: "Gracias por nuestros buenos momentos, Brian. Nunca se pudrirán". El mensaje iba firmado con el pseudónimo Dawn (amanecer, en inglés). "Ahora me doy cuenta que estaba diciendo adiós", dice Eno.

EL PAÍS



Bowie, entre el vampiro y el padrino

El autor de ‘Ziggy Stardust’ tuvo trascendentales conexiones con figuras de la música popular como Lou Reed, Iggy Pop, Marc Bolan, Pixies o Arcade Fire


Los músicos David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed, en una imagen de 1972. / MICK ROCK (EL PAÍS)
Nadie se acuerda de Kenneth Pitt, el hombre que sin saberlo cambió el rumbo de la música pop. Representante tradicional de artistas de toda índole, fue el primer valedor del joven David Jones, que le abandonaría, dicen que azuzado por su esposa Angie, al lograr finalmente el éxito en 1969, gracias a Space Oddity, tras años de vanos esfuerzos.
A finales de 1966, aquel profesional de traje y corbata viaja a Nueva York y conoce a Andy Warhol. A su regreso en Londres, ofrenda a su representado un ejemplar del álbum, todavía inédito, The Velvet Underground & Nico. Hasta el momento, Bowie ha tocado todos los palos, de mod de manual a folkie de pelo ensortijado, para medrar en el mundo del espectáculo. Pero, emulando a su admirado Anthony Newley, parece destinado a los teatros del West End. Lo atestiguan sus primeras grabaciones, tan convencionales en arreglos como heterodoxo sería su futuro artístico.
Pitt recuerda que David quedó absorto, fascinado, escuchando toda la noche, una y otra vez, las primeras canciones de Lou Reed. Ensayaba el método que informaría su carrera: explorar el subsuelo para localizar las avanzadillas creativas y regurgitar los hallazgos impregnándolos de su poliédrica personalidad. Así, canciones melosas como When I Live My Dream dan paso a la recalcitrante I’m Waiting for the Man, que a los pocos días ensaya con su banda.
Pronto el inquieto mimo, que ha participado en el colectivo artístico del Beckenham Arts Lab, se topa con otra figura esencial en su biografía. Un joven de Brooklyn llamado Tony Visconti, que ha trabajado como bajista en las orquestas de Xavier Cugat y Liza Minnelli, recala en Londres con la intención de asentarse en el negocio. Visconti descubre a Marc Bolan en su fase folk, produce un álbum del dúo Tyrannosaurus Rex que este lidera, y le asistirá en su tránsito hacia el rock gomoso, y sexy, que le convierte en fugaz ídolo de adolescentes.
Cuando Visconti encuentra a Bolan y Bowie, ambos son unos desconocidos a los que invita a su apartamento para que ensayen con instrumentos que no pueden permitirse. Es una relación inviable que los celos empañará. Tras producir The Man Who Sold the World (1970) de Bowie, Visconti se decide por Bolan, cuya carrera parece más prometedora. Este despunta con su nueva banda T.Rex y el álbum Electric Warrior (1971), producido por Visconti, pero Bowie le rebasará en potencia icónica con el universal Ziggy Stardust (1972). En su autobiografía, el productor de Blackstar recuerda que, en presencia de Bolan, no se podía pronunciar el nombre del otro. No volverá a trabajar con Bowie hasta Young Americans (1975).
En 1971, la mirada de Bowie, plausible inventor de la década, busca afanosamente las fuentes del rock abrasivo: Detroit, donde subsisten los desnortados Stooges, y Nueva York. Ávido de autenticidad, tras haber publicado el espléndido Hunky Dory, decide que su cantante favorito es Iggy Pop y busca al desterrado líder de Velvet Underground. A este último le salva, tras un debut en solitario insustancial, al producirle el exitoso Transformer (1972), decantando el monóxido urbano de Reed en oro líquido, como atestiguan Walk on the Wild Side y Perfect Day.
El neoyorquino se deja camelar, sumándose a la bisexualidad glam que Bowie ha destapado, pero se resiste a formar parte de Mainman, la agencia del tiburón Tony DeFries, segundo representante de Bowie y responsable de su éxito. La relación entre ambos será tortuosa: en 1979, durante una cena en Londres, Reed le pide a Bowie que produzca su nuevo álbum, y este responde que antes debe hacer limpieza y dejar la bebida. La trifulca resultante, durante la cual Lou vapulea y abofetea a David, llena páginas en la prensa. Sin embargo, cuando en 1997 Bowie celebra su cincuenta aniversario en el Madison Square Garden, Reed es el principal invitado.
Se habían conocido durante una cena auspiciada por RCA. Bowie menciona a Iggy, pero Reed le advierte que no pierda el tiempo con un yonqui. El encuentro con Pop se produce de todas formas, en el club Max’s Kansas, y semanas después DeFries acomoda a los Stooges en Londres, donde Bowie supervisa su problemático tercer álbum, Raw Power (1973). La verdadera conjunción creativa de Iggy y Bowie llegará, no obstante, cuando ambos se recluyan en el Berlín del muro para desintoxicarse y replantear sus carreras. Producto de aquella amistad serán los penetrantes The Idiot y Lust for Life(1977); Iggy Pop reformulado por Bowie, quien no duda en acompañarle en una gira como anónimo teclista.
Entre sus incontables hitos debemos agradecer a Bowie que, en su asimilación de talentos ajenos, expusiera al gran público a dos figuras tan significativas —sin ellas no se entiende el punk-rock que remata los setenta— como en las siguientes décadas lo haría con sus amados Pixies, uno de cuyos temas graba en Heathen (2002). Otra fuente de inspiración será Trent Reznor, a cuya banda Nine Inch Nails se lleva de gira en su Outside Tour de 1995. En los últimos años, su patrocinio se concentró en Arcade Fire. Siempre a la última.

NSSNS



DISCOGRAFÍA

1967: David Bowie
1969: Space Oddity
1970: The Man Who Sold the World
1971: Hunky Dory
1972: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
1973: Aladdin Sane
1973: Pin Ups
1974: Diamond Dogs
1975: Young Americans
1976: Station to Station
1977: Low
1977: "Heroes"
1979: Lodger
1980: Scary Monsters (and Super Creeps)
1983: Let's Dance
1984: Tonight
1987: Never Let Me Down
1993: Black Tie White Noise
1995: Outside
1997: Earthling
1999: Hours...
2002: Heathen
2003: Reality
2013: The Next Day
2016: Blackstar


Sean Penn

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Sean Penn
Ilustración de Triunfo Arciniegas
Sean Penn
(1960)
(Burbank, California, 1960) Actor de cine estadounidense, uno de los intérpretes más dotados de su generación y a la vez un personaje polémico e incómodo para Hollywood, que ha tardado en recompensar sus méritos. Sean Justin Penn procede de una familia de actores y artistas: es el segundo hijo del matrimonio formado por el actor y director Leo Penn (1921-1998), de extensa y prolífica trayectoria eminentemente televisiva, y la actriz Eileen Ryan, una secundaria todoterreno de igualmente dilatada labor.
Su hermano mayor, Michael (1958), es cantante y compositor, autor de varias bandas sonoras y también actor ocasional, mientras que Christopher, Chris (1962), el menor, es actor. Unos y otros han coincidido más de una vez ante las cámaras, como en la película Hombres frente a frente (1986), de James Foley, que reunió a Sean, Chris y Eileen, su abuela en la ficción.




En 1970 la familia fijó su residencia en Malibú, donde Sean se convirtió en un apasionado del surf. Por lo demás, parecía interesado en seguir los pasos de su hermano mayor, si es que antes no formaba algún grupo de rock. Pero cuando acabó sus estudios secundarios en la Santa Monica High School, disgustó a los suyos con su deseo de no ir a la universidad y en cambio especializarse en mecánica del automóvil. No obstante, pronto desistió de tal propósito y tomó la decisión de dedicarse a la actuación.
Estudió interpretación dos años en el Group Repertory Theater de Los Ángeles y con la legendaria profesora de arte dramático Peggy Feury. Con veinte años se mudó a Nueva York y pronto consiguió debutar en el off-Broadway con Heartland (1981), de Kevin Heeland, que sólo se mantuvo un mes en cartel. No volvería a subir a un escenario hasta la primavera de 1983, con The slab boys, de John Byrne.
Pero por entonces ya había pasado por Hollywood y estaba convencido de que su carrera estaba en el cine. Sus primeros filmes fueron Taps. Más allá del honor(1981), de Harold Becker, Aquel excitante curso (1982), de Amy Heckerling, y ya como protagonista, Bad boys (1983), un drama carcelario de Rick Rosenthal en el que ya se intuía el gran actor que había en él, y aunque poco recuerde el Penn de hoy a aquel joven de larga melena y brazos tatuados, una publicación de la época lo incluía entre los doce jóvenes con más futuro de Hollywood.


Actor rebelde
No se equivocaban, desde luego, pero el rebelde Sean Penn de aquellos años daría varios tropiezos antes de hacerse acreedor de la favorable consideración general que hoy posee, aun con su rebeldía intacta. En esa línea ascendente que seguía en sus comienzos, hay que apuntar Adiós a la inocencia (1984), de Richard Benjamin;Crackers (1984), de Louis Malle, y El juego del halcón (1985), de John Schlesinger, aunque el simultáneo discurrir de su vida privada dejó trazos más gruesos.
Así lo recogía la prensa de la época, que atribuía el fin de su relación sentimental con su compañera en la primera de estas películas, Elizabeth McGovern, a su efímera aventura con la mujer del director de la segunda, una estupenda señora muchos años mayor que él llamada Susan Sarandon, que dio así fin a su unión con el realizador francés. En cuanto a Penn, ya en el siguiente rodaje puso el broche de oro a estas historias con su sonado matrimonio, el 16 de agosto de 1985, con Madonna, la cantante más famosa que dio la música pop de las últimas décadas.
Fue el punto de inflexión en la trayectoria del actor, quien se vio metido en un despropósito como Shanghai surprise (1986), de Jim Goddard, que le supuso el premio Razzie al peor actor del año, única mancha en su currículo profesional. Pero fue sobre todo la extraordinaria fama de su mujer, unida a la vehemencia de su carácter, lo que le acarreó mayores contratiempos por sus enfrentamientos con fans, periodistas y paparazzi, e incluso sufrió una condena por agredir a un grupo de ellos, en 1987, por la que tuvo que pasar más de un mes entre rejas y otros seis de servicios comunitarios.
Todo ello, como es lógico, ejercía un influjo negativo en su carrera, algo evidente si se tiene en cuenta que los trabajos de ese período surgieron de su entorno más cercano. Es el caso de Colors (1988), de su íntimo amigo Dennis Hopper, o de Juicio en Berlín (1988), de su padre Leo Penn, e incluso de Corazones de hierro (1989), de su colega Brian De Palma.



Méritos recompensados
Los vientos empezaron a cambiar definitivamente de rumbo tras el divorcio del matrimonio, en enero de 1989. Luego de fugaces romances con Pam Springsteen y la entonces casi adolescente cantante Jewel Kilcher, en el rodaje de El clan de los irlandeses (1990), de Phil Janou, conoció a la actriz Robin Wright e inició con ella una relación más madura. Acababa de cumplir los treinta, y su intención de comenzar una vida distinta quedó patente con el anuncio de su definitiva retirada de la actuación.
Como es sabido, no ocurrió tal cosa, pero sí estuvo ausente tres años de las pantallas. Mientras tanto, escribió el guión y luego produjo y realizó su primer filme como director, Extraño vínculo de sangre (1991), que reveló su pulso en el oficio. Durante ese período, además, nació su hija Dylan Frances (1991), mientras que su compañera añadió el apellido del actor a su nombre artístico y pasó a llamarse desde entonces Robin Wright Penn.
El nacimiento de su segundo hijo, Hopper Jack (así bautizado en honor a los dos grandes amigos del actor, Dennis Hopper y Jack Nicholson), en agosto de 1993, precedió a los incendios propagados por amplias zonas de California y que devastaron su casa de Malibú. La familia se mudó entonces a Marin County, al norte de San Francisco, donde el actor tiene su propia productora, Clyde Is Hungry Films. Allí los Penn formalizaron su unión matrimonial en 1996.
Penn dirigió otras películas. Cruzando la oscuridad (1994) y El juramento (2001) hicieron palpable su crecimiento en el dominio del oficio, pero fue sobre todo su episodio de 11’09’’01. Once de septiembre (2002), que se alzó con el máximo galardón en el Festival de Venecia y el premio de la Unesco, el que lo reveló en su espléndida madurez creativa. El mismo proceso y con parejos resultados se operó en su trabajo como actor, en el que logró prodigios de expresividad, tensión y contención dramática poco comunes.
Esa riquísima siembra, en títulos como Pena de muerte (1995), de Tim Robbins; Atrapada entre dos hombres (1997), de Nick Cassavetes; Descontrol (1998), de Anthony Drazan; La delgada línea roja (1998), de Terrence Malick; Acordes y desacuerdos (1999), de Woody Allen; Yo soy Sam (2001), de Jessie Nelson; Mystic River (2003), de Clint Eastwood, o 21 gramos (2003), de Alejandro González Iñárritu, cosechó sus primeros grandes frutos en Europa, como lo atestiguan varios premios al mejor actor entre Osos de Plata en el Festival de Berlín, Palmas de Oro en el de Cannes, Copas Volpi en Venecia y el premio Donosti del Festival de San Sebastián 2003 por el conjunto de su carrera, una distinción tan prematura que el actor agradeció con humor: «Es bueno que te lo den al principio de tu carrera. ¡Lo que habría dado de sí George W. Bush si hubiese ganado el Premio Nobel de la Paz a los diez años!».
Paralelamente, en la ceremonia de los Oscars de 2004 la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos decidió hacer justicia a este actor controvertido, que ya había sido nominado a la estatuilla al mejor protagonista en tres ocasiones con anterioridad, y le otorgó el citado galardón por su papel en Mystic River. Siempre fiel a su carácter indómito, en julio de ese mismo año inició el rodaje de The last face, una cinta independiente, dirigida por Erin Digam, en la que compartía cartel con su esposa y con el actor español Javier Bardem.



Una estrella comprometida
Al igual que ha desarrollado su carrera a espaldas de las grandes productoras y se ha inclinado por un cine independiente, en muchos casos realizado preferiblemente entre amigos (claro que son amigos del calibre de Tim Robbins, Susan Sarandon o Jack Nicholson) y a partir de guiones que planteen un debate social, con trabajos sabiamente escogidos, el rasgo más destacable de la persona de Sean Penn es su compromiso, un respeto por los derechos humanos y una exigencia de justicia que lo distinguen de la mayoría de sus compañeros de profesión.
A fines de los años cuarenta, su padre, un actor judío de gran futuro, condecorado por sus servicios en la Segunda Guerra Mundial, se vio de pronto en la lista negra y acosado por la Caza de Brujas del senador McCarthy, hasta que un buen día, cansado de trabajos clandestinos y de figurar con otros nombres -Clifford Penn, Leonard Penn-, decidió claudicar. Desde entonces trabajó en la sombra, detrás de la cámara, y con el tiempo se resignó a ser el reconocido guionista, productor y director de televisión que fue.
Su hijo Sean es el testigo vivo de esa frustración, y habla en voz alta. En diciembre de 2002, cuando el presidente de su país buscaba apoyos para invadir Iraq, viajó a Bagdad para comprobar con sus propios ojos cuánto había de verdad en la historia oficial que contaban los medios, y a su regreso gastó 56.000 dólares de su bolsillo para publicar una extensa carta abierta a George W. Bush en The Washington Post en la que lo acusaba de violar la Constitución y de disfrazar las verdaderas causas de esa guerra «con su política simplista y temeraria».
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Sean Penn, enviado especial 

para entrevistar a Castro

El actor llega a Cuba como informador de 'Vanity Fair'

MAURICIO VICENT La Habana 27 OCT 2009


Después de entrevistar a Raúl Castro el año pasado, el actor estadounidense Sean Penn ha regresado a Cuba en busca de otra primicia periodística: una entrevista con su hermano convaleciente, el veterano líder comunista Fidel Castro, de 83 años, quien lleva más de tres años apartado del ejercicio formal del poder.
Penn llegó el domingo a La Habana y se trasladó enseguida a la Isla de la Juventud en compañía del pintor cubano Alexis Leyva (KCHO), quien encabeza un proyecto social y artístico en el lugar, arrasado en agosto de 2008 por el huracán Gustav.
El actor había viajado a la isla en anteriores ocasiones y siempre había combinado cine y activismo político. Pero fue el año pasado cuando entró de veras en la cúpula del poder revolucionario. Fue gracias a las gestiones del mandatario venezolano Hugo Chávez, quien intercedió por él ante Raúl Castro.
Sean Penn
según André

Penn, ganador de dos oscars de Hollywood, se desplazó a La Habana y realizó la única entrevista que hasta ahora ha hecho un extranjero al presidente cubano desde que sustituyó a su hermano. El texto fue publicado en varias tomas por la revista estadounidense The Nation y tuvo gran repercusión internacional.
Ahora, según TMZ, una web norteamericana de noticias sobre famosos, el actor se encuentra de nuevo en "la tierra de Fidel" para escribir una historia para la revista Vanity Fair sobre cómo ha afectado a Cuba la llegada de Barack Obama a la presidencia de EE UU.
La misión no es tan fácil. Aunque Fidel recibe habitualmente a dignatarios extranjeros y amigos en el lugar donde convalece, hasta ahora nadie le ha entrevistado formalmente.
Sí han relatado sus encuentros con él los intelectuales argentinos Atilio Borón y Miguel Bonasso, y más recientemente el cineasta norteamericano Saúl Landau. Pero lo que pretende Penn ahora es que Castro le cuente toda la película.

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Sean Penn y Madonna

Madonna a Sean Penn: “Todavía te quiero”

Mientras se conocía que el actor había entrevistado a El Chapo Guzmán, este presidía una gala por Haití y escuchaba la declaración de su exesposa

Madonna, hablando sobre Sean Penn durante una gala por Haití.
Madonna ha avivado los rumores de reconciliación con Sean Penn, quien fue su esposo. Fue en la quinta gala benéfica Sean Penn y amigos, que busca recaudar fondos para ayudar a Haití cuando la cantante lanzó toda una declaración al actor. "La forma en que (Sean) ha cambiado Haití en los últimos seis años y medio es increíble. Estoy muy orgullosa de ti, muy orgullosa de saber de ti. Así que quiero decir: Sean, te quiero desde el momento en que puse los ojos en ti y todavía te quiero igual", dijo. Estas palabras llegaban poco después de que se supiera que Penn había entrevistado a El Chapo Guzmán cuando este se hallaba huido de la justicia.
La reina del pop asistió a la gala acompañada por sus dos hijos menores, David Banda y Mercy James. “No podía pensar en un lugar mejor en el que estar que aquí, apoyando a una maravillosa organización. Tuve el privilegio de ir a Haití con Sean hace dos años, con mi hijo Rocco y tuvimos la aventura más increíble", dijo. Madonna se encuentra en estos días en plena batalla por la custodia de Rocco quien ha expresado su deseo de quedarse a vivir con su padre Guy Ritchie en el Reino Unido.

Madonna, con sus hijos menores y Sean Penn.
Madonna, con sus hijos menores y Sean Penn. / MICHAEL TRAN (FILMMAGIC)
Madonna y Sean Penn mantuvieron una tormentosa relación en los ochenta que culminó en boda en el año 1985. El matrimonio se rompió cuatro años después. Hoy 30 años más tarde, la reina del pop, que se encuentra de gira, desveló las palabras que su exmarido le dijo después de haber visto uno de sus  conciertos. “Hice un showen el Madison Square Garden la otra noche. Mi exmarido estaba allí. ¿Lo pueden creer?”, comenzó diciendo. El actor fue a verla junto a su hija Dylan Penn, fruto de su relación con la actriz Robin Wright. Y añadió: “Hace 30 años estuvo en un espectáculo mío, también en el Madison Square Garden. Aquella vez estaba muy molesto conmigo porque usé un traje que mostraba mucho. Y no estoy mintiendo”, agregó. “En fin, luego del show me escribió una carta en la que me dijo que finalmente apreciaba mi arte. Y eso es lo que tengo que decir acerca de nuestro matrimonio. 30 años tarde”, concluyó.
Durante la fiesta, celebrada en el Hotel Montage Beverly Hills, la cantante se subió al escenario donde cantó, entre otras canciones, Like a Virgin, y cautivó tocando el ukelele y cantado en francés.

‘Desdivorcio’

La nostalgia ochentera y noventera nos persigue hasta hacernos creer que Sean Penn y Madonna han vuelto


Madonna y Sean Penn en Los Ángeles en 1986. / CORDON PRESS

El ansia por la nostalgia y el "cualquier tiempo pasado fue mejor" nos corroe de tal manera que a algunos todavía les gustaría encontrarse por la calle con Jesulín de Ubrique y Belén Esteban de la mano, como en sus tiempos mozos. Pero ha llovido tanto, tanto desde aquello, que sería más fácil en estos días (¿no nos estamos excediendo?) encontrarse con Marty McFly bajándose del DeLorean en la plaza del pueblo.
La nostalgia ochentera y noventera nos persigue hasta hacernos creer —y desear un poquito— que Sean Penn y Madonna han vuelto. Apenas es un rumor en unos cuantos tabloides del que algunos se han hecho eco, pero ¡qué ganas! Nos da igual cómo acabaran hace 25 años: si tirándose (metafóricamente, por favor) los platos a la cabeza, si con el corazón partío o si hartos del zumbador enjambre mediático que les rodeaba. Y eso que entonces no había Twitter.

El actor ha estado estos días en dos conciertos de su exmujer. Y algunos ya hablan de amor, brillo en los ojos y claros retornos, aunque es posible que el único retorno sea el de la hombrera y el exceso de colorete, con suerte. Pero el drama y el revival gustan tanto con un bol de palomitas en el regazo…

Si Penn no hubiera estado casado durante casi 15 años con otra mujer y Madonna durante ocho con otro hombre (minucias…) podrían seguir el ejemplo de Khloé Kardashian y Lamar Odom. Ahora, la pequeña de las tres hermanísimas ha decidido no divorciarse, pese a que su separación llevaba en el juzgado casi dos años. Quieren desdivorciarse, o lo que sea eso, y darse otra oportunidad. A veces la lentitud de la justicia puede darte una alegría.

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El pedo de Sean Penn

Lo que huele mal es que la intermediaria de la entrevista fue una actriz que tuvo papeles en obras sobre el crimen organizado


El actor Sean Penn
El actor Sean Penn. / HECTOR RETAMAL (AFP)
En uno de los párrafos de su ya famosa entrevista con el Chapo Guzmán, Sean Penn desliza una confidencia: se le escapó un pedo en las propias narices de su anfitrión, al despedirse en la entrada de la habitación donde dormiría el actor. Penn lo califica de “flatulencia del viajero” e incluso mete entre paréntesis un sorry, pero en realidad el pedo de Penn es otro y no el que fingió no oler el Chapo “con la misma caballerosidad con la que se ofreció a acompañar a Kate hasta sus aposentos”. Incluso, Penn narra cómo ambos escapan de su “bruma sutil” y se despiden al tiempo en que él se mete al bungalow que comparte con los colegas semi-anónimos que lo acompañaron en la aventura, al lado de la cama donde ya duerme Kate tras el biombo de su intacta privacía.
Lo que huele mal desde el principio de todo el desmadre es que un actor de intensa actividad pública y comprometida militancia progre logra entrevistarse con el capo de tutti capi del narco mundial a través de una actriz que protagonizó entro otros destacados papeles fílmicos La reina del sur y otras series televisivas o largometrajes que se proponen –con las muy limitadas posibilidades de diálogos y tiempos— denunciar el hedor del crimen organizado y los apestosos recovecos de la corrupción en México… y todo esto empieza a diluirse en la confundida proyección de las pantallas, en la red infinita de las redes y en el enmarañado escenario de lo que llamábamos realidad.
México es un país en donde casi 100 periodistas han muerto durante los pasados ocho años precisamente por cubrir, revelar o investigar algunos de los hilos de la inmensa telaraña del crimen organizado y del narco en particular y ahora resulta que por la incontenible vanidad del Mero-mero en persona, un actor que de vez en cuando escribe tiene la oportunidad insólita de convivir con él durante unas horas, fijar una fecha posterior para una entrevista más formal y de paso, tirarse un pedo en su cara sin que lo note o para que finja que no lo nota.
Las tías abuelas en Guanajuato llamaban pluma a los peditos que se les escapaban a cualquiera –a contrapelo de los torpedazos en Fu menor—y durante la entrevista publicada por Sean Penn aparece su queja de no contar precisamente ni con pluma ni con papel para poder anotar sus impresiones. Se concentra en memorizar el escenario, el camino de ocho horas de paisajes y circunstancias variables, pero sobre todo en resguardar como recuerdo indeleble las respuestas a preguntas puntuales. El pedo, que no pluma, es que se le sale mencionar que rumbo a la entrevista, en esos caminos perdidos de la Sierra de Quién Sabe Qué, el convoy dónde viajan con el hijo del Chapo pasa sin ningún pedo por un retén del ejercito mexicano y lo que huele mal es que quizá no nos hemos detenido a preguntar abiertamente por qué es asunto exclusivo de la Marina todo éxito, avance y logro en la llamada Guerra contra el Narcotráfico, mientras que el Ejército vestido de verde ya ni sale en los tradicionales videos donde quemaban toneladas de mostaza haciéndonos creer que era valiosa mariguana. Huele mal recordar que durante la caída de uno de los inefables hermanos Beltrán Leyva en Cuernavaca cundió la nota y creció el rumor de que había sido un operativo de la Marina precisamente porque el narco se hallaba reunido con militares del Ejército al tiempo de su derribo.
Huele mal que al instante se le quiera acusar de complicidad inexistente al actor Sean Penn y que haya voces que clamen por interrogar a Kate del Castillo, pues la verdadera bruma – no tan sutil—es en realidad un apestosa neblina que obviamos todos desde siempre: los narcos también tienen su corazoncito y se casan por la iglesia, bautizan a sus críos y van a fiestas de quince años, luego entonces: ¿no son informantes infalibles los curas que los casan, los sacerdotes que les bautizan hasta las armas con las que matan y de paso, los meseros y meretrices que acuden a sus fiestas?; los narcos tienen su corazoncito y por lo visto quieren también su película a la Vito Corleone o sus series en Netflix a la Pablo Escobar, donde precisamente se repite hasta el hartazgo la pedestre filosofía del otrora capo de Medellín: siempre dice que él sólo es un empresario colombiano y en muchas escenas queda claro que él no se embarra las narices con pedos ajenos y si acaso, se echa algún tequila para brindar; Pablo Escobar el benefactor de los pobres llega a decir en un capítulo memorable de una de sus series que –a su parecer—ni el gobierno de Colombia ni la DEA de los United States of America consideran ilegales a sus mercancías por un tema de salud pública, sino que a su parecer, es un tema de envidia y asombro económico, pues “No hay nadie que esté arrebatándoles más dólares en el mundo que Yo” y en un alarde similiar, el Chapo le farda en la entrevista al Penn que él sólo ha construido un imperio aséptico donde “Yo proveo más heroína, metanfetamina, cocaína y mariguana que cualquier otro en el mundo. Tengo una flota de submarinos, aviones, camiones y barcos”. En el mismo ánimo, con la sedosa camisa azul que se puso para su encuentro con Kate y Sean (lo cual adelanta el divertido trabajo que tendrás entre manos el Jefe de Vestuario en cuanto se apruebe el guión final), el Chapo levanta su copa y dice que no acostumbra beber, pero que tiene ganas de brindar con ellos y pues, ¿cómo no?, si está a sus anchas, rodeados de 100 soldados infalibles de su organización y una vez más en su querencia, intocable.
Lo que huela mal es que, en realidad, todo huele mal. La Marina de México no tiene submarinos y a duras penas dizque custodia las 200 millas marítimas de mar patrimonial que constantemente son vejadas por barcos camaroneros y atuneros norteamericanos; el nivel robinhoodini de la entrevista autorizada por el propio Chapo (en pluma de Penn o de quien sea) embona lamentablemente con la estulticia generalizada de una gran parte de la población que –harta de la corrupción, abusos, mentiras y tartamudeos del gobierno de México—opta por olerle lo podrido a los delincuentes de verdad como si fueran flores de mejor aroma. Huele mal que la versión oficial del anuncio en Twitter viniera en la cuenta del presidente de la república después de horas y muchas horas después de que la propia Marina había informado a través de un comunicado oficial del mismo operativo (sin mencionar al Chapo, pero sí a los cinco sicarios muertos, los seis cómplices capturados y el soldado herido) y huele mal que los narcos llegan a un motel, que si las fotos, que si el guión...
En la entrevista con Penn el Chapo habló de empresas a través de las cuales ha lavado dinero, habló de las bondades en invertir en el sector petrolero (reconociendo que por sus giros él mismo no podría invertir en pozos ni destilados) y hay más de un fleco suelto que no debemos pasar por alto como si fingiéramos no percibir el sutil aroma de un cebadito de guayaba. Ni el gobierno de México en su apresurado afán por darle fast-track a la extradición de Joaquín Guzmán Loera, ni el gobierno de los Estados Unidos, ni el sinfín de argonautas del Twitter y apóstoles del Feis han recalado en el verdadero horno de lo hediondo: durante sus meses en captura (de todas las veces que ha pasado por las rejas) el propio Chapo farda que jamás han decaído el mercado, alterado el nivel de precios o mermado los puntos de equilibrio entre Oferta y Demanda de mariguana, cocaína y metanfetaminas, también está claro que jamás han congelado sus cuentas ni de ahorro ni de inversión, jamás se ha movido a su mamacita de rancho ni a sus hijos de jugueterías de prestigio donde compran los teléfonos negros que ahora nos enteramos los de abajo que son indetectables, los botones galácticos que te permiten volar aviones sin que te detecten radares, los entramados amplios de complicidades diversas que les permite operar en 50 países del mundo entero, aunque sólo sea México el que aparece como el escenario surrealista e indescifrable, mucho más de novela de Jorge Ibargüengoitia que de Arturo Pérez Reverte, y huele tan mal que el guión que quería encargar el narco en realidad ya se volvió aún más impredecible: déjenlo hablar y que hable mucho y en una de ésas el Chapo termina comprometiendo a toda la civilización occidental en una inmensa nube de estercolero o búsquenle productor galáctico que logre filmar su ilegal fusilamiento o lobotomía en un búnker de Arizona o el azaroso infarto al volver a subirlo en un avión o el infinito silencio de los inocentes que en realidad son culpables de haberse tirado el pedo del siglo.


Sean Penn y Charlize Theron

 VIDA PRIVADA

Sean Penn estuvo comprometido con la que fue su compañera de reparto en la película Racing with the MoonElizabeth McGovern.De 1985 a 1989 estuvo casado con la cantante pop Madonna. Esta fue una mediática y tormentosa relación que le hizo ganar una reputación de hombre violento y que pagó con cárcel tras ser acusado por maltrato (llegaba incluso a dejar a la cantante atada a una silla durante horas para que no saliera de casa). En 1996 contrajo matrimonio con Robin Wright Penn, con quien tuvo dos hijos, Dylan Frances (1991) y Hopper Jack (1993). Anunció su divorcio el 28 de diciembre de 2007 y lo anuló el 8 de abril de 2008. Sin embargo, en agosto de 2010 dejó a su esposa y desde 2013 tuvo una relación con la actriz Charlize Theron, terminada en julio de 2015.














FILMOGRAFÍA


Actor
Don't Mess with Texas (2015)
The Gunman (2015)
La vida secreta de Walter Mitty (2013)
Gangster Squad (2013)
This Must Be The Place (2011)
El árbol de la vida (2011)
Fair Game (2010)
Milk (2008)
What Just Happened (2008)
Todos los hombres del rey (2006)
La intérprete (2005)
Two and a half men (2004)
The Assassination of Richard Nixon (2004)
21 gramos (2003)
Mystic River (2003)
It`s all about love (2003)
I am Sam (2001)
El peso del agua (2001)
Antes que anochezca (2000)
friends (1999)
Sweet and lowdown (1999)
Hurlyburly (1998)
La delgada línea roja (1998)
Hugo Pool (1997)
"She´s So Lovely (1997)
The Game (1997)
Giro al infierno (1997)
Pena de muerte (1995)
Carlito's Way (1993)
State of Grace (1990)
Casualties of War (1989)
We're No Angels (1989)
Colores de guerra (1988)
Shanghai Surprise (1986)
At Close Range (1986)
El juego del halcón (1985)
Racing with the Moon (1984)
Bad Boys (1983)
Fast Times at Ridgemont High (1982)
Taps, más allá del honor (1981)

Director
Into the Wild (2007)
11'09"01 - September 11 (2002) (documental)
The Pledge (2001)
The Crossing Guard (1995)
The Indian Runner (1991) 


Guionista
Into the Wild (2007)
11'09"01 - September 11 (2002) (documental)
The Crossing Guard (1995)
The Indian Runner (1991)





    Ettore Scola / El último gran maestro del cine italiano

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    Ettore Scola

    DRAGON

    RIMBAUD

    DANTE


    Ettore Scola
    (1931 - 2016)



    Nació el 10 de mayo de 1931 en Trevico, provincia de Avellino, Italia, y falleció en Roma el 19 de enero de 2016.

    Poco después de su nacimiento, su familia se trasladó a Roma, ubicándose en el distrito de Esquilino.

    Con solo quince años comenzó a dibujar caricaturas que le llevaron a trabajar el periodismo humorístico en el diario Marc'Aurelio, mientras estudiaba Derecho en la Universidad de Roma y también en la radio.

    Desde los años cincuenta comenzó a escribir guiones de comedias italianas, a menudo con Ruggero Maccari y llegó a convertirse en uno de los guionistas más famosos en comedias.

    Colaboró con Dino Risi (El estafador, 1960; La marcha sobre Roma, 1962, La escapada, id.; Erotika, exotika psicopatika, 1971), y Antonio Pietrangeli (Adua y sus amigas, 1960; La chica de Parma, 1963; La entrevista, 1964; Yo la conocía bien, 1965).

    En 1964, realizó su primera película: Se permettete parliamo di donne y posteriormente es director de las comedias, (El millón de dólares, 1965, el sketch Il vittimista en Thrilling, id.; El diablo enamorado, 1966; Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l'amico misteriosamente scomparso in Africa?, 1968). Una mujer y tres hombres (1974), con Gassman, Nino Manfredi y Stefania Sandrelli, fue la película que le consagró definitivamente entre los grandes del cine italiano, adquiriendo también fama internacional.




    Su obra se enmarca en una crítica social no exenta de humor negro, como sucede con Brutos, feos y malos, premiada en Cannes, en 1976, en la categoría de mejor director y en Mario, María y Mariotrató la crisis de los militantes cuando el Partido Comunista Italiano (PCI) se dividió y cambió de nombre después de la caída del muro de Berlín en 1989. Historia de un pobre hombre (1995) narra la amistad entre dos generaciones marginadas, la juventud y la vejez. En La cena (1998) relata lo que sucede en las dos horas en que esta gente está sentada en la mesa del restaurante, toca muchos otros temas como los celos y la envida.




    Ha dirigido a Marcello Mastroianni (Qué hora es, 1989), La noche de Varennes; Sofía Loren (Un día especial), Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi (El comisario Pepe, 1969); y Gerard Depardieu, entre otros.

    Durante su carrera, ha ganado seis David di Donatello y recibió cuatro nominaciones al Oscar a la mejor película extranjera: en 1977 por Una giornata particolare, en 1978 por I nuovi mostri, en 1983 por Le Bal, y en 1987 por La famiglia.

    Nunca ocultó sus simpatías políticas a la izquierda y formó parte del Partido Comunista Italiano. En 1989 asumió la responsabilidad del Patrimonio Cultural.

    Casado con la guionista y directora Gigliola Scola. Junto a sus dos hijas, Paola y Silvia, presentó en noviembre de 2015, en la Fiesta del Cine de Roma, un documental sobre su vida y su carrera:Ridendo e scherzando.

    Ettore Scola falleció el 19 de enero de 2015 en el Policlínico de Roma a los 84 años.

    Títulos

    Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana
    Medaglia d'oro ai benemeriti della cultura dell'arte




    Tantas veces, en casos como éste, se suele apelar a la figura del "último". Lo que se ha convertido en un lugar común esta vez -es triste reconocerlo- es estrictamente así: se fue Ettore Scola, el último de los grandes realizadores del también grande cinema italiano del siglo XX, uno de los artífices de un período acaso irrepetible en la historia de cine. Su producción y su firma revistaron junto a la de coetáneos que han dejado, como él, marcas imprescindibles: Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, Michelangelo Antonioni, Dino Risi, Mario Monicelli, por citar unos pocos.

    Néstor Tirri
    20 de enero de 2015



    "El cine es un espejo pintado"
    Ettore Scola







    "El baile es la soledad de la gente 
    que no tiene necesidad de palabras."
    Ettore Scola

    Ettore Scola

    "Ahora no hay más divisiones esquemáticas. Se tiende a una clase media generalizada dentro de la cual la principal distinción es aquella entre personas honestas y deshonestas" 

    Ettore Scola 


    Filmografía

    2013 Che strano chiamarsi Federico! - documental
    2003 Gente di Roma 
    2002 Lettere dalla Palestina /documental
    2001 Un altro mondo è possibile /documental
    2001 Concorrenza Sleale Director / Guionista
    1998 La Cena Director / Guionista
    1995 Romanzo di Un Giovane Povero Director / Guionista
    1994 Mario, Maria e Mario Director / Guionista
    1990 Il Viaggio Di Capitan Fracassa Director / Guionista
    1989 Che Ora E? Director / Guionista
    1988 Splendor Director 
    1987 La Famiglia Director / Guionista
    1985 Maccheroni Guionista/ Director 
    1982 Le Bal Guionista/ Director 
    1982 La Nuit De Varennes Director /
    1981 Passione D'Amore Guionista/ Director 
    1979 La Terrazza Director / Guionista
    1978 Viva Italia Director 
    1978 I Nuovi Mostri Director 
    1977 Una Giornata Particolare Guionista/ Director 
    1976 Brutti, Sporchi E Cattivi Director / Guionista
    1976 Signore e Signori Buonanotte Guionista/ Director 
    1975 C'Eravamo Tanto Amati Guionista/ Director 
    1972 La Piu Bella Serata Della Mia Vita Director / Guionista
    1971 Permette? Rocco Papaleo Director / Guionista
    1970 Dramma della Gelosia Guionista/ Director 
    1969 Riusciranno I Nostri... Director 
    1969 Il Commisario Pepe Director / Guionista
    1968 Anyone Can Play Guionista
    1968 L'Arcidiavolo Director / Guionista
    1967 Opiate '67 Guionista
    1967 Le Dolci Signore Guionista
    1967 Made in Italy Guionista
    1966 La Visita Guionista
    1966 Io la Conoscevo Bene Guionista
    1965 Alta Infedeltà Guionista
    1965 Il Magnifico Cornuto Guionista
    1965 Thrilling Director 
    1964 La Congiuntura Guionista/ Director 
    1964 Se Permettete ... Parliamo Di Donne Guionista/ Director 
    1963 Il Successo Guionista
    1963 La Parmigiana Guionista
    1962 Il Sorpasso Guionista
    1962 L'Amore Difficile Guionista
    1960 Adua e le Compagne Guionista
    1960 Le Pillole di Ercole Guionista
    1960 Il Mattatore Guionista
    1956 I Pappagalli Guionista
    1956 Mi Permette, Babbo! Guionista
    1956 Lo Scapolo Guionista
    1956 Guardia, Guardia Scelta, Brigadiere E Maresciallo Guionista
    1955 Accadde Al Penitenziario Guionista
    1955 Buonanotte...Avvocato! Guionista
    1954 Un Americano a Roma Guionista
    1954 Accadde Al Commissariato Guionista
    1954 Due Notti Con Cleopatra Guionista




    José Agustín Goytisolo

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    DE OTROS MUNDOS
    (1928 - 1929)

    José Agustín Goytisolo nació el 13 de abril de 1928 en Barcelo y allí mismo murió el 19 de marzo de 1999. Pertenció a la Generación del 50 cuya obra fundió la experiencia individual y el compromiso social. Integrante de la llamada Escuela de Barcelona, junto con Carlos Barral y Jaime Gil de Biedma, cursó estudios en las universidades de Barcelona y Madrid, licenciándose en derecho. Hermano mayor de los novelistas Luis Goytisolo y Juan Goytisolo, destacó especialmente como poeta, aunque también llevó a cabo una importante labor como traductor, además de escribir artículos sobre literatura y unos pocos cuentos. Su obra ha sido profusamente estudiada por ensayistas y críticos literarios.
    José Agustín Goytisolo es uno de los poetas de los años cincuenta (entre los cuales destacan Jaime Gil de Biedma, Carlos Barral, José Ángel Valente y Claudio Rodríguez) en los que aparece con mayor claridad una nítida conciencia generacional, que se caracteriza por el rechazo estético de la primera posguerra y la afirmación ética de entronque machadiano, como puede apreciarse en el poema Homenaje en Colliure, perteneciente a Claridad.
    José Agustín Goytisolo

    Su obra poética, extensa, variada y con una gran carga autobiográfica, se encuentra en la línea del realismo social, de acuerdo con las ideas políticas del autor, y resulta ser una exposición permanente de sus compromisos éticos, sin dejar por ello de estar imbuida de una intensa nota intimista. No obstante, su poesía no es en absoluto panfletaria: ya en 1965, Goytisolo dejó claro que "la función de la literatura es, a la vez, estética y social (...). En la medida en que me ha sido posible, yo he procurado siempre sustraerme de los peligros de una postura excesivamente simplista a fin de no caer en la tentación de confundir los nobles sentimientos con la buena poesía".
    Característica de su obra es la recreación del propio entorno (personal, familiar, social) expresada a través de registros que van desde la denuncia seca hasta la ironía y la sátira: el autor contempla el mundo que le rodea desde una perspectiva extremadamente crítica, presentada con frecuencia a través de registros del humor, lo cual es una de las constantes de su producción. Esta denuncia se llena de energía y sarcasmo cuando se refiere a las realidades sociales más próximas al propio escritor, en especial cuando trata de los usos y costumbres de la burguesía.
    Otra faceta importante de su obra es el interés prestado a la propia poesía y al oficio de poeta; sus ideas al respecto sufren una evolución: en un principio, el autor, en consonancia con la poética del realismo social, aboga por el compromiso político; a partir de Bajo tolerancia, considera que el poeta es un ser distinto al resto de los hombres, cuestión que antes había negado de forma manifiesta en el poema Un hombre, incluido en Claridad.
    La actividad literaria del autor se inicia con El retorno (1955), libro que mereció un accésit al Premio Adonais de 1954 y en el que aparece por vez primera el tono elegíaco presente en una parte importante de su creación. Se trata de un largo poema a la muerte de una mujer, identificada con su madre, que había fallecido en uno de los bombardeos de Barcelona durante la guerra civil, en el que suma componentes nuevos a los ya propios del género de la elegía.
    En los dos libros siguientes, Salmos al viento (1958, Premio Boscán) y Claridad(1960, Premio Ausiàs March), se pone de manifiesto el carácter crítico del poeta al rebelarse por medio de la denuncia contra un entorno exterior mediocre y una sociedad asfixiante. Salmos al viento es una obra en la que la amargura de la experiencia anterior y la producida por la situación sociopolítica quedan reflejadas por medio de una ironía y un sarcasmo que transforman la realidad, deformándola monstruosamente y ridiculizándola. Claridad, por su parte, se caracteriza por su marcada impronta autobiográfica, por el continuo recuerdo de Antonio Machado y por su tono coloquial, pues Goytisolo en esta época "intenta escribir para todos". Estas tres primeras colecciones de versos del autor quedarían reunidas poco después en Años decisivos (1961).


    Denuncia del escritor Goytisolo por malos tratos

    El escritor José Agustín Goytisolo ha presentado denuncia contra tres Policías armados por supuesta agresión durante una manifestación que tuvo lugar el pasado domingo en Elche, con motivo de uno (le los actos suspendidos del homenaje a Miguel Hernández.El denunciante presentó, además, un certificado médico, en el que se califican sus lesiones de «hematerio debido a una probable nefritis traumática, así como equimosis en el brazo derecho y contusión craneal».
    Según la denuncia, el escritor fue golpeado por tres agentes cuando éstos, por creer que tomaba parte en una manifestación, le conminaron a correr y desobedeció la orden.

    Multa de 200.000 pesetas 
    al poeta José Agustín Goytisolo

    EP Barcelona 21 AGO 1976


    El Gobierno Civil de Granada ha notificado con fecha 10 de agosto la imposición de una multa de 200.000 pesetas al poeta José Agustín Goytisolo, la cual deberá ser efectiva en el plazo de diez días, procediéndose, en caso de impago, al ingreso en prisión. El motivo que se alega es el de haber leído un poema, que se considera que atenta contra el orden público, en el homenaje tributado a Federico García Lorca el día 5 de junio en Fuentevaqueros (Granda).

    No obstante el carácter conminatorio del texto de la sanción gubernativa, José Agustín Goytisolo se ha negado a pagar la multa y ha encomendado la defensa de sus derechos al letrado Jiménez de Parga, bajo cuyo asesoramiento ha presentado recurso ante el Gobierno Civil de Granada y ante el Ministerio de la Gobernación, cargos que están ocupados por personas distintas a los que los regentaban el cinco de junio. El poeta catalán acudirá al Supremo, caso de no prosperar su recurso.


    EL PAÍS


    José Agustín Goytisolo
    "Las memorias mienten, los versos no"

    PAU VIDAL
    Barcelona 
    28 FEB 1997

    José Agustín Goytisolo está exultante por tres motivos: le han fichado como asesor en la Institució de les Lletres Catalanes, el martes fue la estrella de un acto en Castellón contra la venta de armas y acaba de sacar el volumen 19 de su obra poética. En Las horas quemadas (Lumen), el poeta barcelonés traza un recorrido autobiográfico de una descarnada, y a menudo doliente, sinceridad. "Mis poemas son imágenes, porque es lo que retiene la memoria. Por eso no podría escribir unas memorias: tendría que mentir, y no sé hacerlo".El libro se divide en cuatro capítulos, correspondientes a otras tantas etapas vitales. La infancia y los tiempos de universitario en Madrid -"terminé allí la carrera de Derecho porque la Universidad de Barcelona me represalió por atentar contra el busto de Franco", aclara- son épocas de iniciación, pero en el tercero, episodios de depresión y represalias políticas trazan un retrato mucho más amargo. "A partir de los 30 caí en un profundo estado depresivo por culpa de la lucha antifranquista, los amigos muertos por el camino, la represión... Pensaba constantemente en el suicidio, probé muchos tratamientos y me atiborraron de pastillas, por lo que terminé convirtiéndome en un bipolar, es decir, saltaba de la euforia a la pesadumbre continuamente. Bebía mucho y me gastaba lo que tenía y lo que no. ¡Cuánto dinero llegué a pedirle a Paco Ibáñez!".
    El poema Setenta y dos horas transmite la angustia del detenido ante los interrogadores-torturadores. "Fui a parar varias veces a los calabozos, y se trataba de resistir esos tres días sin abrir la boca. Pero es que me metí tanto en la lucha contra el régimen que hacía de todo: en las manifestaciones, en los actos subversivos... siempre iba más allá que nadie. Llevé mensajes aquí y allá de la frontera. Y llegué a boicotear, al principio de la televisión, un repetidor que instalaron en un monte".
    Algo debió de suceder en aquellos años para que la furia de este izquierdista irredento se calmase. ¿Tal vez el fin de la dictadura? "No sólo eso. También el litio, un medicamento eficaz que en los setenta iba a buscar a Perpiñán y al que le he dedicado un poema". Sea como sea, el cuarto capítulo, El rostro que conjura, está dedicado íntegramente a su esposa. Goytisolo dice de él: "Es un homenaje a la única mujer que he amado desde que nos casamos". Pero su militancia progresista no ha decaído. Ahora se dedica a recopilar información y a denunciar la venta de armamento español a países en guerra, "un negocio más lucrativo que el tráfico de cocaína".

    Gabriel Celaya, Blas de Otero, Asunción Carandell, Carlos Barral y José Agustín Goytisolo,
    en 1959 (de izquierda a derecha). 


    Fallece a los 70 años José Agustín Goytisolo al desplomarse desde la ventana de su casa

    El autor de 'Palabras para Julia' era uno de los poetas más populares de España



    José Agustín Goytisolo, nacido en Barcelona en 1928, falleció a las cuatro de la tarde de ayer, al precipitarse desde la ventana de su domicilio, en Barcelona. Goytisolo estaba solo en su casa, por lo que no se conocen con detalle las circunstancias de su muerte. Según algunos allegados, últimamente estaba muy deprimido. Era uno de los poetas más conocidos de España. Palabras para Julia, al que puso música Paco Ibáñez, es uno de sus poemas más conocidos.
    Un vecino del escritor oyó ayer por la tarde un ruido y cuando fue a ver qué pasaba encontró el cuerpo de Goytisolo tendido en medio de la calle. El poeta estaba solo en su domicilio, un tercer piso, de Barcelona, desde el que se desplomó. Avisada la policía, el cadáver permaneció media hora cubierto con una manta, hasta que la juez ordenó el levantamiento.Se autodefinía como "francotirador de izquierdas", pero era sin duda mucho más. Escritor y hermano de escritores, era el poeta de una familia, la de los Goytisolo, muy bien dotada literariamente. Mientras que sus hermanos menores, Juan y Luis, se han dedicado sobre todo a la novela, José Agustín optó por la poesía. Deja una obra compuesta de más de veinte títulos en los que, con un lenguaje llano, alternó versos urbanos y casi de combate con poemas de un sentimiento muy cercano a la gente de la calle. Era muy popular -su libro menos vendido va por la tercera edición- y su poema Palabras para Julia, dedicado a su hija, se ha convertido en un clásico gracias, en parte, a la versión cantada por Paco Ibáñez. También Amancio Prada y Rosa León han puesto música a sus poemas y la cultura catalana lo reconoce su labor de "hombre puente" por las excelentes traducciones que hizo de varios poetas catalanes.

    Licenciado en Derecho, Goytisolo fue amigo y compañero de generación de Carlos Barral y Jaime Gil de Biedma. "Carlos, éramos pocos, pero hacíamos ruido", escribió en Cuadernos de El Escorial. Y en un ejemplo de su dominio de la sátira, lanzó este dardo envenenado contra algún poeta con ínfulas: "Crees que porque enculas a cualquier muchachito/ alcanzarás el arte de Jaime Gil de Biedma./ Él era homosexual y altísimo poeta. / Tú escritorzuelo y un triste maricón".

    Poesía política
    Antifranquista de corazón -fue detenido varias veces-, no llegó a militar, aunque sí fue un activo compañero de viaje. Le gustaba decir que iba por libre y que se hizo antifranquista a raíz de la muerte de su madre, fallecida en Barcelona durante un bombardeo en la guerra civil. Su lucha, en cualquier caso, fue ejemplar y se traduce en una poesía que, en sus palabras, "no es poesía social, sino política".
    "En poesía, lo peor es seguir la moda", decía. Él iba a lo suyo, con un público fiel que se sabía de memoria varios de sus poemas. "Me ilusiona saber que hay varias guarderías llamadas Lobito Bueno gracias a una de mis poesías", comentaba.
    En su primer libro, El retorno (1955), ya había muestras de la rebeldía del autor. Su crítica se hizo más visible en Salmos al viento (1958) yClaridad (1960), reeditados en 1961 como Los años decisivos. El compromiso se acentuó en Algo sucede (1968) y Bajo tolerancia (1977). Siguieron Taller de arquitectura (1977) -colaboró con el taller de Ricardo Bofill-y su libro más popular, Palabras para Julia (1981).
    Cuando en 1966 publicó en Lumen su Antología bilingüe de poetas catalanes, con excelentes versiones de Vinyoli, Riba, Espriu, Brossa, Foix y otros, los escritores catalanes alabaron su labor de puente en el diálogo entre las culturas en catalán y en castellano. En 1985 recibió la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat y en 1997 reincidió como traductor con Veintiún poetas catalanes para el siglo XX. También tradujo del italiano.
    Barcelona mestiza
    En Novísima Oda a Barcelona, publicada en 1992, Goytisolo canta a su ciudad de siempre, una Barcelona mestiza: "Nadie distingue entre nosotros hoy/ a ciudadanos viejos de inmigrantes/ porque somos un todo: la gente habla/ no sólo catalán y castellano/ sino muchos también francés e inglés". En junio del pasado año -en la fiesta organizada por su esposa, Asunción Carandell, y su editora, Esther Tusquets, para celebrar sus 70 años-, en el Casal de Sarrià hubo llenazo de gente que quería expresar a José Agustín su amistad y su gratitud. Juan Marsé, Manuel Vázquez Montalbán, Ana María Moix, Josep Maria Castellet, Carme Riera y muchos otros acudieron para dar fe de su militanciagoytisoliana. Vázquez Montalbán declaró: "No sólo es uno de los poetas españoles más importantes de la segunda mitad de este siglo, sino una de las mejores personas que he tenido la oportunidad de conocer en esta vida".
    Paco Ibáñez expresó ayer en Lyón su dolor por la muerte del poeta, al igual que Juan Marsé y otros amigos del autor de Salmos al viento. "La gente se muere igual que un geranio", declaró en una ocasión. "A mí me gustaría morir con la cabeza clara y sin dolor".

    EL PAÍS


    Un escritor anónimo


    Poemas como 'Palabras para Julia' o 'El lobito bueno', convertidos en canciones, transformaron al autor de Salmos al viento en uno de los poetas españoles más populares
    José Agustín Goytisolo, que se definía como "catalán cubano en lengua de Castilla" y al que le gustaba recordar que, en vasco, su apellido significa "campo de arriba", en el fondo era un poeta anónimo. Como indica la novelista y profesora Carme Riera, directora de la Cátedra José Agustín Goytisolo de la Universidad Autónoma de Barcelona, los lectores tienden a convertirse en "okupas de sus versos" y él mismo estaba de acuerdo en que "la poesía no es de quien la trabaja sino de quien la necesita". En uno de los epigramas de Cuadernos de El Escorial (1995), lo dijo así: "Hay quien lee y quien canta poemas que yo hice / y quien piensa que soy un escritor notable. / Prefiero que recuerden algunos de mis versos / y que olviden mi nombre. Los poemas son mi orgullo".

    "Prefiero que recuerden algunos de mis versos / y que olviden mi nombre. Los poemas son mi orgullo", escribe en 'Cuadernos de El Escorial'
    Un notable escritor anónimo, pues. Elegiaco y satírico. Muy urbanita y contemporáneo y muy medieval. De hecho, esa sensación -la de algo "nuevo, sorprendente, pero también con sabor añejo, entre medieval y renacentista"- es la que, según recordaba él, tuvo Goytisolo la primera vez que escuchó sus textos en la voz de Paco Ibáñez. Fue alrededor de 1968. El poeta había publicado ya 5 de sus 21 libros de poemas -de El retorno (1955) a Las horas quemadas (1996)- cuando el músico se presentó en su casa con una guitarra para cantarle algunos de sus versos: "No tuve tiempo para sentirme halagado, porque me asusté. Me parecían poemas de otra persona, escritos como para ser cantados o hechos cantando".
    "A veces la verdadera intención de un poema aparece cuando sólo cuando lo cantas", cuenta Paco Ibáñez. "Lo que hay que hacer es encontrarle la música".
    Que los poemas de José Agustín Goytisolo hayan pasado por la voz de Joan Manuel Serrat, Rosa León, Kiko Veneno, Los Suaves, Muchachito o Peret demuestra la naturalidad de sus versos y el acierto primero de Paco Ibáñez, que empezó con 'Me lo decía mi abuelito' y 'El lobito bueno' y cuya versión de 'Palabras para Julia' se ha convertido en un icono de la cultura española reciente. De hecho, en 1994, el poeta y el cantante iniciaron juntos la gira La voz y la palabra, que se convertiría en disco tres años después. "Improvisábamos mucho", recuerda Ibáñez. "José Agustín tenía mucha chispa y mucho sentido del ritmo del espectáculo. Sabía interpretar el humor del público. En el fondo funcionábamos como músicos callejeros".
    'Palabra para Julia', apareció originalmente en el libro Bajo tolerancia (1973), un título que incluía también textos hoy emblemáticos como 'Así son', dedicado a los poetas, "las viejas prostitutas de la Historia". Era una muestra del escritor culto y "notable" que, además de popular, fue siempre José Agustín Goytisolo, miembro destacado de la Escuela de Barcelona. Así bautizó al grupo catalán de la generación de los cincuenta -Jaime Gil de Biedma, Carlos Barral y el mismo Goytisolo- Carme Riera, responsable ahora de las ediciones de Más cerca. Artículos periodísticos (Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores) y, junto a Ramón García Mateos, de Poesía completa (Lumen). Ambos volúmenes se presentarán en Barcelona el próximo jueves, día en que se clausura un congreso internacional dedicado a José Agustín Goytisolo -en el que Luis Goytisolo hablará de su hermano por primera vez en público desde su muerte- al tiempo que se inaugura una exposición dedicada a su figura en el Círculo de Lectores.
    Para Riera, la popularidad del autor de Claridad convive hoy con su condición de "patito feo" dentro de su círculo literario. Para ella, sin embargo, "ni era el menos sabio ni el menos cosmopolita. Además, Gil de Biedma y Ángel González se decidieron a usar la ironía leyendo a José Agustín. Tal vez, eso sí, le perjudicó el hecho de publicar tanto y de recolocar poemas antiguos en libros nuevos".
    Nacido en 1928, Goytisolo fue un niño de la guerra al que marcó la muerte de su madre en marzo de 1938 durante un bombardeo sobre Barcelona de la aviación italiana a las órdenes de Franco. Esa muerte protagoniza, además, su primer poemario, El retorno. Con aquel libro marcadamente elegiaco se daba a conocer uno de los poetas fundamentales de una generación entre cuyos miembros figuran, además de sus amigos barceloneses, poetas como José Manuel Caballero Bonald, José Ángel Valente, Claudio Rodríguez, Ángel González o Francisco Brines. Con el tiempo, a las antologías canónicas del grupo se añadirían nombres como Antonio Gamoneda y María Victoria Atencia.
    En realidad, Goytisolo ejerció siempre de puente entre poetas de diferentes procedencias merced a su paso por Madrid, entre 1946 y 1951, para estudiar Derecho. Además, en un colegio mayor de la capital coincidirá con autores como Ernesto Cardenal, José Coronel Urtecho y Carlos Martínez Rivas. Así nació su interés por la literatura de América Latina. Con todo, la gran labor divulgadora la realizó José Agustín Goytisolo con los escritores en lengua catalana, a los que tradujo sin descanso. Suya fue la iniciativa de lanzar la colección bilingüe Marca Hispánica y suya fue, en 1968, la antología Poetas catalanes contemporáneos. A los maestros de aquella selección (Foix, Espriu, Vinyoli, Riba) se unieron los nuevos autores (Pere Gimferrer, Marta Pessarrodona, Pere Rovira) en 1996, dentro de Veintiún poetas catalanes para el siglo XXI (Lumen), un libro en el que el autor de A veces gran amor lo hizo todo: la selección, la traducción, el prólogo y hasta las peculiares notas que presentan a cada seleccionado.
    Joan Margarit, uno de los incluidos en aquel volumen, recuerda la generosidad de autores como Enrique Badosa y Goytisolo: "José Agustín usaba su nombre de poeta conocido para llamar la atención sobre escritores que sin él ni sonarían a los lectores de fuera de Cataluña. Lo importante que fue lo vemos ahora que no está y que casi te tienen que traducir los amigos".
    En el último libro de Margarit, Misteriosamente feliz (Proa en catalán/Visor en castellano) se incluye un poema dedicado a Goytisolo, 'Una ventana a la calle Marià Cubí'. Es la ventana desde la que cayó el poeta el 19 de marzo de 1999. Como si la suma de poesía y caída sólo pudiera dar suicidio, las conjeturas se dispararon. El juez que levantó el cadáver afirmó que no pueden determinarse las causas del fallecimiento. En un verso del último libro de José Agustín Goytisolo se lee: "La eternidad no existe". Puede que sea cierto para los poetas. Tal vez no lo sea para los poemas. Sobre todo para los anónimos.

    Cincuenta años, más de medio siglo

    1959 fue el año fundacional de la generación literaria del medio siglo. Algo así como el 27 para la generación del mismo nombre. Si Alberti, Lorca y compañía viajaron a Sevilla para homenajear a Góngora, Goytisolo y los suyos viajaron a Collioure para visitar la tumba de Antonio Machado. A aquel 22 de febrero (y sus alrededores) acaba de dedicar la revista Ínsula un número monográfico. Coordinado por la profesora Araceli Iravedra, colaboran en él, entre otros, José Manuel Caballero Bonald, Luis García Montero, Ángel L. Prieto de Paula, Carme Riera y Josep Maria Castellet. "Aquellos niños flacos; / tiznados; que jugaban / también a guerras: cuando / -grave y lúcido- ibas / viejo poeta al encuentro / de esta tierra en que yaces", dicen unos versos del propio José Agustín Goytisolo dedicados a aquel viaje del que salieron un puñado de fotos, la idea de publicar una colección de poesía con el nombre del pueblo francés y el propósito de promocionarse como grupo por parte de escritores a los que hoy leemos como clásicos. Poeta por poeta, más allá de grupos y de fotos generacionales. A veces medio siglo dura más de cincuenta años.
    EL PAÍS




    El poeta que regalaba palabras


    José Agustín Goytisolo, el poeta de lo cotidiano, murió hace ahora diez años. La publicación de su poesía completa y una exposición recuerdan la figura y la obra "milagrosamente inspirada" del escritor.
    Fue Jorge Luis Borges quien inició, al menos en el Río de la Plata, el desprecio de las letras españolas modernas. Su estadía en España a fines de la Primera Guerra Mundial, antes de volver a la Argentina en 1921, lo decepcionó. Los intelectuales españoles no compartían sus lecturas y entusiasmos, y le parecieron al joven Borges, por lo general, engreídos y banales: "Se habían propuesto renovar la literatura", contará en su Autobiografía, "una rama de las artes de la cual poco sabían". De los poetas españoles, casi sin excepción, se burlará más tarde con variable ingenio: de Federico García Lorca dirá que era "un andaluz profesional"; de Antonio Machado, "¡ah, no sabía que Manuel tuviese un hermano!"; de Gerardo Diego, "en qué quedamos ¿Gerardo o Diego?"; de Juan Ramón Jiménez y su asno Platero, "eran almas gemelas". Mi generación aceptó su veredicto. Sólo cuando empezaron a aparecer en Buenos Aires los nuevos poetas en Losada y los nuevos novelistas en Seix Barral, nos atrevimos, tímidamente, a contradecir al maestro.
    Mis compañeros de clase y yo descubrimos a José Agustín Goytisolo en una antología de poesía española contemporánea que uno de nuestros profesores nos incitó a leer. Creo que los poemas elegidos pertenecían al libro Claridad que Goytisolo publicó en 1961, poemas que recobraban la infancia del niño-poeta y su temprano descubrimiento del "amor / de lo perecedero": la madre tan amada de cuya muerte no se consolaría nunca, el padre que lo hacía sentir como un intruso, la escuela en la que los maestros "predicaban miedo" convirtiéndolo así en "un niño / solo; mentido / y solo; amordazado / y frío buceando / en el pozo". (Décadas más tarde, en uno de sus mejores libros, Como los trenes de la noche, de 1994, repetirá la confesión: "Viste que nada era durable / desde muy niño... Pero tú / aprendiste de la flor única / el amor de lo que perece / y la herida de lo que ha muerto").
    Para nosotros, adolescentes, los versos de Goytisolo definían un estado de ánimo bien conocido, esa entrada al mundo adulto que simultáneamente anhelábamos y temíamos. Nuestro también era su imposible deseo:
    ¡Ah, si todo pudiera
    comenzar otra vez
    de un solo golpe; de una sola
    pura y simple palabra!
    Pero fue con la aparición de Algo sucede en una descolorida edición de Ciencia Nueva que el poeta intimista que nos gustaba púdicamente se nos reveló (o más bien, imaginamos que se nos revelaba) camarada de aquellos otros que recitábamos en torno a las fogatas de campamento: Miguel Hernández, Rafael Alberti, Blas de Otero. Goytisolo no se convirtió nunca, para nosotros, en un clásico como Luis Cernuda o Jaime Gil de Biedma, pero fue, a lo largo de nuestras vidas lectoras, una voz amiga, un poeta que nos daba palabras para nombrar ocasionales desazones y epifanías. "Devolvamos / las palabras reunidas / a sus dueños auténticos", era una versión militante del "renovar las palabras de la tribu" que sin duda hubiese sorprendido a Mallarmé. Aun los versos más leves nos llamaban la atención, ya que leíamos en ellos un anunciado llamado a las armas:
    Por mi mala cabeza
    yo me puse a escribir.
    Otro por mucho menos
    se hace Guarda Civil.
    Como en sus libros futuros, ya en éste Goytisolo demostraba un cierto gusto por la palabra pedestre y al mismo tiempo, milagrosamente inspirada. Decir: "Se amaban en silencio / como cumpliendo un gran ritual. / Sus vidas eran diferentes. Pero / algo muy fuerte los unía: algo / que quedaba cumplido en sus abrazos" es de una simplicidad casi inútil. Y sin embargo, la noción del amor ritualizado, del abrazo como ceremonia, es una revelación que un cierto pudor poético parece impedir cuajar en palabras más enérgicas. Esta disputa entre expresión e iluminación (constatamos luego) es frecuente en toda la obra de Goytisolo.
    Es quizás en el célebre Palabras para Julia de 1980 que Goytisolo alcanzó la mayor maestría de su voz. El poema que da su título a este volumen elegiaco trata, como se sabe, de la trágica muerte de su madre. "Tu destino está en los demás", le dice, ofreciéndole la consolación que siempre damos a quien amamos y perdemos. A la elegía por su madre siguen poemas que tildábamos hace dos décadas de "comprometidos" y que sin embargo nos conmovían. "La libertad hay que inventarla siempre", leíamos del otro lado del Atlántico, sabiendo perfectamente cuáles son las consecuencias de no seguir esta advertencia. Y un poema escrito casi veinte años más tarde, en 1996,Las horas quemadas (que es también su último libro), insiste con implacable lucidez: "Lamentar el pasado nada cambia: / ni el olvido ni el daño ni el rencor".
    En 1978, un año después de publicar Taller de arquitectura, Goytisolo cumplió cincuenta años y de hacedor de versos familiares y políticos pasó a ser poeta de la naturaleza, del mundo que llamó, con adjetivo exacto, "permanente". Montes y carreteras, palomas y codornices, lechuzas y gavilanes, la hierba y el agua, el otoño, poblarán su geografía poética. Y siempre, por encima de todo, siguió escribiendo poesía amorosa de una extraordinaria y original delicadeza. El lector del Goytisolo maduro sospecha que el poeta propone y puebla el paisaje para luego perseguir en él su propia persecución amorosa. "En lugares perdidos / contra toda esperanza / te buscaba... / Y cuando el desaliento / me pedía volver / te encontré". Más tarde, el terreno de caza será también su ciudad, Barcelona, a la que dedicará en 1993 una Novíssima oda a Barcelona.
    La edición de la poesía completa de Goytisolo que ahora, con la gratitud de sus lectores, propone la editorial Lumen, es ejemplar. Carme Riera y Ramón García Mateos han cumplido no sólo una labor crítica impecable, corrigiendo errores ortográficos y erratas de impresión de los que pecaban las ediciones anteriores, y cotejando minuciosamente las diversas versiones de los poemas (Goytisolo fue hasta el fin un revisador irredimible), sino que también han sabido presentar al poeta de forma cabal, iluminadora y convincente. No hay en su prólogo ni el más tímido dejo de teoría académica: la lectura que hacen ambos eruditos es la de historiadores que no condescienden al chismorreo, y de inteligentes amantes de poesía cuya intuición crítica les permite aclarar pasajes difíciles y sugerir interpretaciones de útil originalidad. También han decidido sabiamente cerrar este inmenso volumen de casi mil páginas con dos textos escritos por Goytisolo para el cantante Paco Ibáñez. El primer verso de La voz y la palabra resume, a pesar de la desilusión y la tristeza que destilan casi todos los poemas precedentes, lo que sospechamos fue la íntima, última, verdadera convicción del poeta: "Tienes tu parte en la felicidad". Sin duda alguna, los lectores de José Agustín Goytisolo así lo creen.

    EL PAÍS 

    XXX



    BIBLIOGRAFÍA
    El retorno 1955
    Salmos al viento 1956
    Claridad 1959
    Años decisivos 1961
    Algo sucede 1968
    Bajo tolerancia 1973
    Taller de Arquitectura 1976
    Del tiempo y del olvido 1977
    Palabras para Julia 1979
    Los pasos del cazador 1980
    A veces gran amor 1981
    Sobre las circunstancias 1983
    Final de un adiós 1984
    La noche le es propicia 1992
    El ángel verde y otros poemas encontrados 1993
    Elegías a Julia Gay 1993
    Como los trenes de la noche 1994
    Cuadernos de El Escorial 1995




    Umberto Eco / Uno de los grandes

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    Umberto Eco

    (1932 - 2016)

    (Alessandria, Piamonte, 1932 - Milán, 2016) Semiólogo y escritor italiano. Se doctoró en filosofía en la Universidad de Turín, con L. Pareyson. Su tesis versó sobreEl problema estético en Santo Tomás (1956), y su interés por la filosofía tomista y la cultura medieval se haría más o menos presente en toda su obra, hasta emerger de manera explícita en su novela El nombre de la rosa (1980). Desde 1971 ejerció su labor docente en la Universidad de Bolonia, donde ostentó la cátedra de Semiótica.
    Se pueden definir dos presupuestos clave en la amplia producción del autor: en primer lugar, el convencimiento de que todo concepto filosófico, toda expresión artística y toda manifestación cultural, de cualquier tipo que sean, deben situarse en su ámbito histórico; y en segundo lugar, la necesidad de un método de análisis único, basado en la teoría semiótica, que permita interpretar cualquier fenómeno cultural como un acto de comunicación regido por códigos y, por lo tanto, al margen de cualquier interpretación idealista o metafísica.



    Teniendo en cuenta este planteamiento, se puede comprender el porqué de la variedad de los aspectos analizados por Umberto Eco, que abarcan desde la producción artística de vanguardia, como en Obra abierta (1962), hasta la cultura de masas, como en Apocalípticos e integrados (1964) o en El superhombre de masas (1976).
    A la sistematización de la teoría semiótica dedicó, sobre todo, el Tratado de semiótica general (1975), publicado casi al mismo tiempo en Estados Unidos con el título de A Theory of Semiotics, obra en la que el autor elaboró una teoría de los códigos y una tipología de los modos de producción sígnica.
    Durante los años del auge del estructuralismo, Eco escribió, enfrentándose a una concepción ontológica de la estructura de los fenómenos naturales y culturales, La estructura ausente (1968), que alcanzaría su óptima continuación en Lector in fabula (1979). En esta última obra, efectivamente, se afirma que la comprensión y el análisis de un texto dependen de la cooperación interpretativa entre el autor y el lector, y no de la preparación y de la determinación de unas estructuras subyacentes, fijadas de una vez por todas.
    Algunos conceptos básicos del Tratado, en cambio, fueron estudiados nuevamente, discutidos y, en ocasiones, modificados por el propio autor en una serie de artículos escritos para la Enciclopedia Einaudi y recogidos después en Semiótica y filosofía del lenguaje (1984). El concepto de signo, especialmente, abandonando el modelo propio "de diccionario" por un modelo "de enciclopedia", ya no aparece como el resultado de una equivalencia fija, establecida por el código, entre expresión y contenido, sino fruto de la inferencia, es decir, de la dinámica de las semiosis.
    A estas obras teóricas se añaden los volúmenes en los que Umberto Eco reunió escritos de circunstancia y artículos de actualidad, tales como Diario mínimo(1963), que contiene los conocidos Elogio di Franti y Fenomenologia di Mike BongiornoIl costume di casa (1973); Dalla periferia dell'impero (1976) y Sette anni di desiderio (1983).
    En 1980 dio a conocer la novela El nombre de la rosa, antes citada, de ambientación medieval e inspirada en el subgénero policiaco, en cuyas páginas se combinan a la perfección todos los temas teóricos de la obra de Eco, con una adecuada reconstrucción histórica como escenario de una imaginativa trama y de un sólido arte narrativo.
    Se trata de un denso relato que transcurre en una abadía medieval italiana y donde, con una estructura similar a la de las novelas policiacas, el protagonista, un fraile inglés llamado Guillermo de Baskerville, indaga en una serie de asesinatos y llega a descubrir al autor y a los inductores de todos ellos.
    Sean Connery y Christian Slater
    El nombre de la rosa
    Este largo relato, escrito bajo la advocación de J. L. Borges (convertido en el bibliotecario ciego de la narración), es un genial pastiche de diversas formas literarias: la novela negra, el género histórico, la imitación de estilos medievales o humorísticos de la historieta contemporánea. Gran parte del éxito de la obra, que se convirtió en un best-seller europeo, reside en la perfección de la escritura, que mezcla con habilidad las citas con los materiales originales, dando forma a un paradójico catálogo de la posmodernidad, en la que cualquier creación nace del sentimiento, según Eco, de que "todo ya ha sido dicho y escrito".
    El péndulo de Foucault (1988), el segundo relato del autor, intentó recrear la tradición hermética, ocultista y masónica como metáfora de la irracionalidad superviviente en los contemporáneos movimientos terroristas y en las mafias económicas. Aunque también traducido y vendido en todo el mundo, no gozó del favor de los críticos y los lectores, como tampoco despertaron juicios tan favorables La isla del día antes (1994) ni sus siguientes novelas. En mayo de 2000 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias.


    SSS


    Si Dios existiera, sería una biblioteca.
    Umberto Eco


    Umberto Eco en 1978



    Umberto Eco, profesor italiano especialista en semiología, y uno de los principales analistas de la cultura popular, llega hoy a Madrid para participar en un coloquio con Valeriano Bozal, Rafael Conte, Juan Cueto, Simón Marchán y Javier Martín Domínguez. El coloquio, que se celebrará el próximo lunes en el Instituto Italiano de Cultura, de Madrid, se ha organizado con motivo de la presentación de la última obra de Umberto Eel mismo día, a las 11.30, en la facultad de Ciencias de la Información.co en España: Tratado de semiótica general. También intervendrá, 


    EL PAÍS




    Umberto Eco en Times Square
    Nueva York, 2008

    "Escribí El nombre de la rosa porque tenía ganas 
    de envenenar un monje"
    Umberto Eco
    Dibujos de Umberto Eco

    "Para sobrevivir tengo que contar historias."
    Umberto Eco



    Umberto Eco

    "Desgraciadamente, el futuro de Europa 

    será Italia"

    • Después de la experiencia profesional, ¿qué hemos aprendido de la vida? Sobre esta premisa conversarán con Vicente Verdú destacadas personalidades de distintos ámbitos en esta serie de entrevistas que se publicarán mensualmente.



    Se debate entre el odio visceral hacia los deportistas y el amor a sus nietos. A sus 78 años, el profesor sigue en plena forma. Con él arranca esta serie de entrevistas sobre las lecciones de la experiencia.
    La figura de Umberto Eco es tanto mayor cuanto más tiempo pasa. Y no sólo en sentido intelectual, sino que su cuerpo se ha multiplicado casi por dos, y hasta su peso, su apostura y su firmeza.
    Posee casi todos los atributos de las personas amables que nunca se olvidan y una conversación que mueve a la alegría y la risa con frecuencia. Con 38 honoris causa en su haber, confiesa que a menudo debe renunciar a la aceptación de otro más, en parte porque ya conoce de sobra la ceremonia, el laudatio y todos esos inconvenientes de la reverencia universitaria, pero también porque ¿para qué realizar fatigosos viajes que ni le ponen ni le quitan nada?
    Pero hay excepciones. Y una fue Sevilla hace un par de meses. De siempre, dice, quiso conocer esta importante ciudad, y la cita que tenía concertada con la Universidad para el pasado noviembre coincidió, dice, "con que cogí una bronquitis tremenda, con mucha fiebre, y no pude viajar".

    "Mi generación está condenada a quedarse en el poder"

    "Los políticos medios entienden ahora el sexo como lugar de trabajo"

    Dejé de ser sólo un profesor y empecé a ser novelista, mi vida cambió"
    "Mi mujer también quedó muy frustrada con aquella circunstancia y ahora, que retrasaron amablemente el acto, es ella la que no ha podido acudir. Pero volveremos. Sevilla es una ciudad maravillosa que siempre deseamos conocer".
    ¿Cuántos libros ha publicado Umberto Eco? Casi un sinfín entre ensayos y novelas. Desde su primer trabajo sobre santo Tomás de Aquino (El problema estético en santo Tomás de Aquino en 1956) hasta su última narración: La misteriosa llama de la reina Loana (2004).
    Nació en Alessandria, una ciudad italiana del Piamonte, el 5 de enero de 1932, y con sus 78 años impresiona el vigor mental y la arrolladora fuerza vital que imprime a sus respuestas, a sus críticas, sus reflexiones y sus ademanes. Lleva un sombrero que le otorga un carácter entre antiguo e intrigante inspector y se apoya en un bastón que, ateniéndonos a su brío, bien podría partir en la cabeza de un enemigo o de un tonto.
    La diversidad de sus trabajos, en la televisión, en las editoriales o en la universidad, y la capacidad mental para obtener oportunamente los puestos académicos a que aspiraba han contribuido a enriquecer su sabiduría, pero acaso fue, al revés, su extraordinaria condición de sabio la que ha inspirado una obra tan universal, conocida en medio centenar de idiomas y multiplicada por millones de ejemplares.
    Empezando por el principio… 
    ¿Que cómo empecé la experiencia intelectual de mi vida? Pues mire, entré enseguida a trabajar, tras terminar en la universidad, en la televisión cuando la televisión estaba empezando, allá por 1954.
    ¿Y qué hacía en la televisión? Era un funcionario en las oficinas, no salía en la pantalla, pero fue una experiencia enorme. Entonces se hacía todo en directo, así que podía ocurrir que también nosotros, los funcionarios, tuviéramos que ayudar si algo no funcionaba. Yo tenía entonces 22 años. Me acababa de licenciar en la Universidad de Turín y por un milagro me presenté a una oposición de televisión y la gané junto a otras personas.
    ¿En Turín? No, en Milán. Lo gané junto a otras personas también bastante conocidas: una fue Gianni Vattimo, el filósofo, y la otra, Giulio Colombo, que ha sido director de L'Unità, etcétera. Y esto determinó, sin duda, mi interés por los problemas de la comunicación.
    ¿Su licenciatura en qué había sido?
    Sobre la estética medieval, algo completamente distinto. La televisión fue una experiencia muy importante para mí. No hice nada interesante, pero vi montones de cosas, porque la televisión en aquella época era un lugar en el que uno, al pasar por un pasillo, se podía encontrar a Ígor Stravinski o a Bertolt Brecht. A mí me ocurrió. Todo pasaba por allí... Después lo tuve que dejar, porque sólo observaba lo que pasaba, pero no hacía nada interesante y me fui a trabajar a la editorial Bompiani, que sigue siendo mi editor. Entre tanto, continuaba mis estudios y mis investigaciones, obtuve varios títulos universitarios, empecé a trabajar en editoriales y comencé a dar clases en la universidad, así que en 1975, cuando conseguí la plaza definitiva en Bolonia, dejé lo que estaba haciendo.
    ¿Y entonces se casó usted?
    Usted quiere saberlo todo. Verá: lo primero que hice antes en la editorial, donde luego dirigí las colecciones de filosofía, fue un gran libro ilustrado, La historia de las invenciones,que había que paginar… No sé si usted ha visto mis dos últimas diversiones, la Historia de la belleza y la Historia de la fealdad. Pues bien, resulta que al final de mi vida me he puesto a hacer lo mismo, libros ilustrados.
    Había allí un gran diseñador gráfico, Bruno Munari, que era uno de los más importantes diseñadores italianos del siglo. Un día llevó a un ayudante que vino a ser una diseñadora alemana que estudiaba historia del arte y, así, accidentalmente nos casamos. Lleva cincuenta años en Italia, pero continúa siendo alemana.
    ¿Y tuvo hijos?
    El año 1962 fue muy importante en mi vida, porque me casé, engendré a mi primer hijo, que nació al año siguiente, publiqué el libro que me dio más fama en esa época, Obra abierta, y murió mi padre. Así que de pronto me convertí en adulto, era yo el padre.
    ¿Estaba usted muy unido a su padre?
    Sí.
    ¿Su padre, qué era?
    Un empleado en una empresa privada. Sí, teníamos una buena relación.
    ¿Y cuántos hermanos eran ustedes?
    Yo tengo una hermana. Y luego tuve dos hijos: un hijo y una hija. Mi hijo ha trabajado durante 12 años en Nueva York, en el mundo editorial. Ahora trabaja en la oficina de prensa de RBS en Roma y mi hija es arquitecta. Eso es todo. Ah, y tengo dos nietecitos, de nueve años y medio y de uno y medio.
    ¿Que le gustan mucho?
    Ser abuelo es un trabajo maravilloso. Porque se tienen todos los placeres y las ventajas y ninguna responsabilidad.
    Claro que sí. Publica, pues, 'Obra abierta', triunfa internacionalmente y después llega su otra gran obra de referencia, 'Apocalípticos e integrados', en la sociedad de masas.
    Apocalípticos e integrados quizá sea mi libro de ensayos más conocido en el mundo español, España e Hispanoamérica, no sé por qué. En realidad no era un proyecto. Como le he dicho, me interesaban los problemas de la comunicación de masas, la televisión, etcétera, y escribía ensayos en alguna revista. De repente convocaron la primera oposición para una cátedra de comunicación, oposición que no la ganó nadie porque en esa época no había una definición de lo que fuera comunicación de masas. Se presentó la gente más diversa: un sociólogo, un psicólogo, un historiador… Así que el tribunal ya no sabía bien lo que era un comunicador. Pero como para toda oposición hay que tener publicaciones, reuní todos esos ensayos de revista, que por casualidad se convirtieron en Apocalípticos e integrados. Y hay que decir que me ayudó mi editor, Valentino Bompiani, uno de los más célebres editores italianos junto con Mondadori. Como aquí Carlos Barral, personajes ya históricos.
    Bompiani era más viejo y tenía una excepcional dote para inventar títulos. Por ejemplo, en el caso de Obra abierta, yo tenía entonces que hacer un libro para Einaudi, que me había pedido Calvino. Pero Bompiani me dijo: "¿Por qué no reúnes estos ensayos que ya tienes publicados?". "Yo tengo que escribir un libro para Einaudi", le dije. "¿Y cuándo lo harás?". "Necesito todavía cinco o seis años". Y atajó: "Mientras tanto, ¿por qué no reúnes estos ensayos desperdigados y los publicamos aquí?". No me gustaba publicar en la editorial en la que trabajaba, porque me parecía algo como de familia, pero ya que me lo pedía él… "¿Cómo lo titulo? ¿Forma e indeterminación de las poéticas contemporáneas?". "Está usted loco".
    Cuando ya reuní la colección de ensayos para Apocalípticos e integrados, me volvió a preguntar: "¿Cómo lo titula?". "Problemáticas de la comunicación de masas". "Está usted loco". Se fue a mirar el último ensayo, cortísimo, de tres páginas, que se titulaba Apocalípticos e integrados, y declaró: "El libro se titula así". Le dije: "Tenga en cuenta que no tiene que ver con los otros ensayos, habría que explicarlo". "Pues escribes una nueva introducción y lo explicas". Y escribí una introducción de 40 páginas que cambió todo el libro y lo convirtió enApocalípticos e integrados.
    ¿Y no le parece que ahora estamos en una fase igual, de 'Apocalípticos e integrados'? Un corte entre quienes defienden los valores perdidos y deploran el presente como una degeneración cultural y moral.
    Sí, eso mismo era un debate típico de aquella época en la que los filósofos, los intelectuales, todavía no conseguían comprender el mundo tecnológico de la comunicación, así que existía esta división entre los que hacían comunicación de masas y, digamos, los aristócratas intelectuales, que no la entendían. Pero hoy es distinto, porque los más aristócratas de los intelectuales entienden perfectamente estos problemas, usan Internet… Es, en todo caso, no una crítica desde fuera, sino desde dentro, de intelectuales que usan medios de masas, ven la televisión, usan el ordenador y pueden a la vez criticarlo. Así que me resultaría muy difícil decir hoy: "Usted es apocalíptico o usted es integrado".
    Pero esa queja de que ya la gente no se relaciona personalmente debido a la omnipresencia de Internet…
    Esa es la crítica que hacemos todos. Pero antes los apocalípticos eran los que criticaban y rechazaban. Hoy son los que critican, pero a la vez usan estas cosas, así que es un discurso interno: yo soy muy crítico con Wikipedia, porque contiene noticias falsas. Las hay también sobre mí, falsas y no falsas, pero utilizo Wikipedia, porque si no, no podría trabajar. Mientras escribo, por ejemplo, Tirso de Molina y no me acuerdo de cuándo nació, voy a Wikipedia y lo miro, en cambio antes tenía que coger la enciclopedia y tardaba media hora. Antes los apocalípticos no usaban estas cosas: escribían a mano con la pluma de ganso.
    ¿Y usted cree sobre sí mismo que ha tenido una percepción especialmente acertada de la sucesivas situaciones culturales?Mire, el profesor Vázquez da mañana un discurso sobre mí, y dice que he sido de los que han intentado comprender y criticar el momento en que vivimos. Formo parte de una generación para la que el presente era el ambiente natural: viajábamos en avión, en coche, veíamos televisión, mientras que toda una generación anterior veía la cultura como rechazo del presente. Se encerraban en su torre de marfil y no querían saber nada de lo que ocurría. Yo pertenezco a una generación que ha pensado que el intelectual tiene que hallarse comprometido con el presente y, por tanto, con todos sus aspectos. Tenemos respecto al presente, nosotros los jóvenes que no tenemos más que ochenta años, una actitud diferente de la de nuestros padres o de la de nuestros maestros.
    ¿Ha echado de menos algo en su trayectoria profesional? ¿Habría querido hacer otra cosa en algún momento?
    Yo creo que mi generación ha sido muy afortunada, porque llegamos con 13 o 14 años al final de la guerra, nuestros hermanos mayores murieron o no pudieron acabar los estudios. Nosotros llegamos mientras había una expansión económica. Hemos tenido todo. Mi hijo y también los estudiantes más jóvenes no han tenido todas estas posibilidades. Nosotros hemos sido una generación que debería avergonzarse de lo afortunada que ha sido: nos han dado todas las posibilidades. Yo no puedo quejarme de nada; si acaso, de haber aprovechado mal todas estas posibilidades. Los que tenían diez años más que nosotros, o murieron o tuvieron una vida muy difícil. Esto explica también la tremenda paradoja por la que mi generación sigue estando en el poder: tendríamos que estar en el hospicio de los pobres ancianos, deberían estar en el poder los que tienen 30 o como mucho 40 años. Y no es que queramos estar en el poder, es que nos lo piden y estamos obligados… Estar en el poder no quiere decir ser jefe del Gobierno, sino director de la colección, director de la revista, de la editorial… Estamos condenados a quedarnos en el poder porque las generaciones siguientes no han tenido las oportunidades que nosotros hemos tenido.
    Ahora ya serían casi dos generaciones las que han pasado en blanco.
    Unos son los estudiantes del 68. Un momento muy difícil. Y los de después, peor todavía. Naturalmente, tengo estudiantes de 30 años que son buenísimos, son unos genios, pero el porcentaje es bajo. Nosotros, en un 80% hemos ocupado todos los espacios; estos los ocupan en un 30%. Produce una gran melancolía.
    La sensación un poco de mala conciencia, también.
    Nosotros deberíamos estar tumbados en una hamaca leyendo y dando buenos consejos.
    ¿Y cómo encuentra Italia actualmente con Berlusconi en el centro de todo?
    Antes se decía que el futuro de Europa sería Estados Unidos. Hoy, desgraciadamente, el futuro de Europa será Italia. La Italia de Berlusconi anuncia situaciones análogas en muchos otros países europeos: donde la democracia entra en crisis, el poder acaba en las manos de quien controla los medios de comunicación. Así es que no se preocupen por nosotros, preocúpense por ustedes mismos.
    ¿Y tiene usted alguna esperanza de que Internet sea una contribución democrática a la crisis democrática actual?
    Siempre digo que la televisión es buena para los pobres y mala para los ricos. Es decir, la televisión ha enseñado a todos los italianos a hablar italiano, los que no tenían escuelas aprendieron por televisión dónde estaba India… En cambio, los que tenían escuelas, al ver la televisión se vuelven más estúpidos, así que la televisión es buena para los pobres y mala para los ricos. Pero no ricos en sentido económico, nosotros somos los ricos. Y lo mismo ocurre con Internet: en ciertos países, como China, es un instrumento fundamental para poder pasar informaciones y noticias que de otro modo no llegarían. En otros países donde estas noticias pueden llegar, puede ser una forma de encerrar a los jóvenes en una soledad totalmente virtual, fuera de la realidad. Pero Internet no es una sola cosa, es muchas cosas. Es como un libro: ¿un libro es bueno o malo? Si pone Mein Kampf es malo, si pone La Biblia es bueno. Y lo mismo Internet: es un instrumento que en muchos casos ha cambiado nuestra vida, nuestra capacidad de documentación, de comunicación, etcétera. Y en otros casos se presta a difundir noticias falsas. Uno nunca sabe si lo que le llega a través de Internet es verdadero o falso. Esto no ocurre con los periódicos o con los libros, porque más o menos uno sabe que El País es algo distinto a Abc, que Le Figaro es algo distinto aLibération. Y según el periódico que compra, sabe cuál es la posición del periódico, y se fía o no se fía. Y lo mismo los libros: si uno ve que un libro es de Mondadori o de Columbia University, se piensa que alguien quizá ha elegido este libro y ha impedido que se publicaran otras cosas, pero si ve un editor extraño, no puede saberse nada de antemano. Con Internet no se sabe nunca quién habla.
    ¿Y no pasará eso en Internet también, que habrá marcas, o editoriales, lugares de confianza?
    No, porque cualquiera puede conectarse: yo, usted o un señor X que está loco, mientras que este señor X no puede montar una editorial o un periódico, necesita gentes que le apoyen. Hay filtros sociales: antes de que alguien haga un periódico están los que le dan dinero, los periodistas… Hay filtros: a través del que le da el dinero, de los periodistas, sabemos que es fascista, o comunista… En cambio, con Internet, el señor Fulano no se sabe quién es. Usted y yo, que somos personas de cierta cultura, podemos darnos cuenta muchas veces de si el que hace el sitio de Internet está loco o no, pero si es un sitio sobre física nuclear, usted no se da cuenta, y yo tampoco. Así que imagine a los jóvenes que utilizan Internet en la escuela y pueden encontrar un sitio racista, un sitio negacionista… Y no saben hasta qué punto creerlo o no.
    ¿Y qué piensa de esta oleada que proclama la bondad del saber de las muchedumbres, las fuentes abiertas, el pensamiento compuesto por los muchos que acuden a la Red?
    Ya se lo he dicho: Internet es como los libros, puede haber libros buenos y malos. Por ejemplo: en política, hoy, en Italia, con una crisis de los partidos, se están creando zonas que en italiano se llaman de sociedad civil, que se manifiestan, pero que no son de un partido. Todos estos se comunican a través de Internet, y pueden reunir a 300.000 personas. En este sentido, Internet se convierte en un instrumento muy importante de libertad. De igual modo, un joven, desde su casa, va a dar con un sitio en el que le dicen que el Holocausto nunca tuvo lugar, o con un sitio pornográfico. El último artículo que he escrito dice: "Busquemos en Internet a Padre Pío"; reflejaba los 1.400.000 sitios en que aparecía este nombre. Busquemos a Jesús: 3.500.000. Busquemos porno: 130.000.000. Porno gana por 100 veces a Jesucristo. ¿Qué hacemos frente a esta inmensidad de mensajes? Por un lado, Internet puede ser un instrumento de liberación para los jóvenes chinos que consiguen decir cosas que el régimen impide que se digan, pero del mismo modo puede estar corrompiendo por la abundancia de mensajes sexuales que les llegan. Antes, el político medio entendía el sexo como un momento de descanso: cuando había ganado la batalla de Austerlitz… ¿Pero con quién practicaba el sexo? Con la condesa Castiglione, con Sarah Bernhardt, con mujeres que valían la pena. Ahora estos políticos no lo entienden como un descanso después del trabajo, sino como lugar del trabajo, y se conforman con putillas.
    Piense en la historia de los sacerdotes: antes el sacerdote vivía en la rectoría y sólo veía al ama de llaves, fea y con bigote, y leíaL'Osservatore Romano. Ahora ve la televisión todas las tardes y ve senos, culos, y luego decimos que se convierte en pedófilo. El pobre diablo tiene ante sí una serie de provocaciones. El pobrecillo tiene que ver todas las noches en la televisión pública cosas que antes… Y lo mismo ocurre en el mundo político: es toda una degeneración. Y lo mismo Internet: son los que ven los 130.000.000 de sitios pornográficos en lugar de los 3.000.000 de sitios sobre Jesús.
    Quizá en este ascenso de los movimientos sociales que hemos dicho se esté fraguando el germen de una democracia distinta, porque ¿cómo seguir soportando la idea de que un Gobierno sea elegido para cuatro años y que durante esos cuatro años no se les pueda despedir, tal como si hubieran sacado una plaza de funcionarios? Desde luego no hemos reflexionado lo suficiente sobre el hecho de que hemos llegado al final de la democracia representativa. Cuando en Estados Unidos vota sólo el 50% de los ciudadanos, y uno debe elegir entre dos candidatos, es elegido con el 25%. Candidatos que no son elegidos por el pueblo, sino por la organización interna. ¿A quién representa este candidato? ¿A cuántos ciudadanos representa? ¿Cuál es la diferencia con el sistema soviético, en el que el Sóviet Supremo elegía tres candidatos, luego discutían y elegían a uno? Que en Estados Unidos existe el control de la sociedad civil, los lobbies, las organizaciones culturales y religiosas, industriales, hay una serie de poderes que controla el poder central, y que en la Rusia estalinista no existía. Pero no es una democracia representativa. Estamos llegando a una crisis trágica de la democracia: seguimos simulando que existe la democracia representativa y que soy yo, el ciudadano, el que elige a mis representantes, pero no es cierto. El nacimiento de estos movimientos sociales fuera de los partidos, que en Italia se llaman los Violetas y se reúnen vía Internet, pueden ser el futuro, o la corrección de una democracia representativa en crisis. Así que yo no soy de los que dicen que se cierre Internet. Habrá que ver qué pasa. Igual que Italia fue el laboratorio del fascismo, que luego copió España, en este momento es el laboratorio del berlusconismo, y habrá que ver qué pasa.
    ¿Y cómo definiría el berlusconismo, que según usted será el destino de Europa?
    Es un peronismo europeo, aunque no ha llevado al Gobierno a una actriz.
    ¿Prepara ahora un ensayo o una novela?
    Una novela, pero yo no hablo nunca de mis novelas. Como El péndulo de Foucault me llevó ocho años, la última novela me llevará otros tantos contando desde la aparición de La misteriosa llama de la reina Loana, en 2004.
    ¿Y cómo es que escogió la novela? Le iba bien con el ensayo, ¿cuál fue la razón que le llevó a escribir 'El nombre de la rosa'?
    Es una pregunta que muchos me han hecho, y no tengo una respuesta, así que he dado diez respuestas distintas y todas verdaderas. Uno: porque me apetecía. ¿Por qué haces el amor con esa mujer? Porque te apetece. Sin más explicaciones. Dos: porque siempre me ha gustado narrar, solo que le contaba historias a mis hijos, y cuando crecieron se las conté a algún otro. Porque siempre he contado historias. También mis ensayos son narrativos. Porque en 1975 conseguí la cátedra y no podía desear nada más en la vida. Tenía la cátedra, mis libros se traducían a varias lenguas, y ¿qué hago ahora? Entonces se me ocurrió responder a un nuevo desafío, hacer algo nuevo. Porque un día vino a verme una amiga y me dijo que estaba preparando una colección de novelas policiacas escritas por no narradores: se lo estaba pidiendo a políticos, sociólogos… Todos libros de cien páginas. Yo le dije que no, que no podía escribir un libro policiaco; en primer lugar porque no sé escribir los diálogos; además, si tuviera que escribir un libro sería una locura medieval y tendría 500 páginas. Llegué a casa y empecé a redactar una lista de nombres.
    La otra respuesta es que tenía casi 50 años. A los 50, los señores dejan plantada a la mujer y se fugan con una bailarina. Yo, en cambio, escribí una novela: menos dispendioso y menos pecaminoso. Las razones son infinitas y ninguna. La única es esta: mire la línea de mi vida, llega hasta aquí, se para y vuelve a empezar. ¿Qué quiere decir esto? Que aquí tuve un accidente, perdí la memoria y empecé una nueva existencia; o que aquí dejé de ser sólo un profesor y empecé a ser un novelista, a ganar más dinero, y mi vida cambió.
    ¿Y con qué ha recibido más satisfacciones, con las novelas o con los ensayos?
    No lo sé. Obviamente, mis ensayos vendían 10.000 copias, y las novelas, 1.000.000. Pago más impuestos escribiendo novelas que escribiendo ensayos, pero la satisfacción… No lo sé, ahora se publican muchos libros sobre mí. Algunos, sobre mi actividad narrativa, y otros, sobre mí. Algunos me hacen enfadar, porque parece que no han entendido nada; pero no sé si me producen más placer los unos o los otros.
    ¿Y en Italia se encuentra bien como intelectual? ¿Se considera altamente respetado?
    Bueno, no me lanzan huevos cuando hablo… pero me aprecian mucho más en Francia, Alemania, Estados Unidos o España que en Italia. Esto es obvio, normal. Los franceses, por ejemplo, se creen que culturalmente son los mejores del mundo y en cuanto alguien les gusta deciden que es francés. Han decidido que Leonardo es francés, Modigliani es francés, Picasso es francés, y a mí me consideran francés. Y debo decir que en Francia gozo de una popularidad conmovedora, también porque el primer país extranjero al que fui, con 20 años, fue Francia. Me enamoré de París y me ocurre un fenómeno extraño: si estoy en Milán, en el tren, y alguien me dice: "Mira, Umberto Eco", me fastidia un poco, porque preferiría estar tranquilo, solo. Cuando esto me pasa en la plaza de la Sorbona, soy feliz.
    ¿Ha vivido en Francia?
    Tengo una casa en París y voy de vez en cuando. No he vivido nunca más de un mes o dos. Yo creo que por lo menos la mitad de los franceses creen que soy francés.
    ¿Y cómo se encuentra de salud?
    ¿También le interesa esto? Me duele la rodilla y tengo hiperglucemia.
    ¿Se cuida?
    Sí, bebo sólo whisky, que no tiene azúcar. El doctor dice que es peor que beba, pero no tiene azúcar.
    ¿Y desde cuándo lleva bastón?
    Desde hace un año, para la rodilla. Tengo un dolor en el menisco por la pérdida del cartílago. Yo digo:Delenda cartilago, ¿Comprende? Como Delenda Cartago. Pero toda mi vida, mi sueño fue andar con un bastón. Así que ahora tengo cuatro bastones: uno del XIX, este napolitano y dos más. Estoy encantado de llevar bastón: los coches se paran; si se te cae algo al suelo, te lo recogen. Yo pensaba siempre, cuando era joven, que me gustaría salir de casa e ir hasta el bar con un bastón y que en la puerta de todas las tiendas la gente me saludara y me dijera: "¿Cómo está, profesor?". Es maravilloso.
    ¿No ha hecho deporte?
    Sólo natación.
    ¿Pero le ha gustado el fútbol? No, no. Caminar, siempre. En Nueva York me hacía 60 manzanas. Ahora no. Ahora paso tres meses al año nadando. De los demás deportes, nada. Odio a los deportistas, espero que se maten todos entre sí.
    ¿Pero el fútbol, hablando de asuntos de masas, nunca le ha interesado? No, no. En mi juventud fui campeón de auto-gol. Tengo los pies planos. Mis compañeros de clases jugaban el partido y yo preparaba los carteles, pero no participaba. Y muchos que han hecho deporte se han muerto diez años antes que yo.
    ¿Y pintaba?
    Dibujos. Por diversión. Y toqué también la flauta, pero ahora me duelen los pulgares. Por lo demás, nada.
    Bueno, tiene muchas satisfacciones más.
    Los nietos.

    La lección del profesor

    "Dejé de ser sólo un profesor, empecé a ser un novelista, a ganar más dinero, y mi vida cambió". Umberto Eco (Alessandria, Piamonte, 1932) recuerda así su tránsito hasta convertirse en autor de 'best sellers' como 'El nombre de la rosa'. El prestigioso semiótico, ensayista y crítico literario mantiene todo su vigor mental a los 78 años. "El intelectual tiene que hallarse comprometido con el presente. Nosotros los jóvenes, que no tenemos más que ochenta años, tenemos respecto al presente una actitud diferente a la de nuestros padres o a la de nuestros maestros". Ha publicado numerosas obras entre ensayos y novelas. Atesora una colección de 38 doctorados honoris causa que recientemente ha vuelto a crecer en la Universidad de Sevilla. "Me aprecian más en Francia, Alemania, Estados Unidos o España que en Italia".


    sss

    Umberto Eco

    TWITTER

    “El fenómeno de Twitter es por una parte positivo, pensemos en China o en Erdogan. Hay quien llega a sostener que Auschwitz no habría sido posible con Internet, porque la noticia se habría difundido viralmente. Pero por otra parte da derecho de palabra a legiones de imbéciles”.

    Umberto Eco

    Umberto Eco
    Fotografía de Jacopo Raule

    Wikipedia


    ... antes los apocalípticos eran los que criticaban y rechazaban. Hoy son los que critican, pero a la vez usan estas cosas, así que es un discurso interno: yo soy muy crítico con Wikipedia, porque contiene noticias falsas. Las hay también sobre mí, falsas y no falsas, pero utilizo Wikipedia, porque si no, no podría trabajar. Mientras escribo, por ejemplo,Tirso de Molina y no me acuerdo de cuándo nació, voy a Wikipedia y lo miro, en cambio antes tenía que coger la enciclopedia y tardaba media hora. Antes los apocalípticos no usaban estas cosas: escribían a mano con la pluma de ganso.


    Umberto Eco

    El País Semanal, 25 de abril de 2010



    BIBLIOGRAFÍA
    Novelas
    • El problema estético en Tomás de Aquino, 1956.
    • Arte y belleza en la estética medieval, 1959.
    • Opera aperta, 1962.
    • Diario mínimo, 1963.
    • Apocalittici e integrati, 1964 — Apocalípticos e integrados, estudio sobre la cultura popular y los medios de comunicación; Lumen, Barcelona, 1965.
    • Las poéticas de Joyce, 1965.
    • Apuntes para una semiología de las comunicaciones visuales (1967), incluido en La estructura ausente.
    • La definición del arte, 1968.
    • La estructura ausente, análisis de semiótica en edificaciones orientado al diseño arquitectónico; 1968.
    • Socialismo y consolación, Tusquets, Barcelona, 1970.
    • Las formas del contenido, 1971.
    • Il segno, 1973.
    • Las costumbres de casa (1973), incluido en La estrategia de la ilusión.
    • El beato de Liébana, 1973.
    • El espanto hecho muro, 1974.
    • Sociología contra psicoanálisis, Martínez Roca, Madrid, 1974.
    • Trattato di semiotica generale, 1975 — Tratado de semiótica general, Lumen, Barcelona, 1977 (Quinta edición: 2000).

    Umberto Eco, escritor y filósofo italiano.
    • Introducción al estructuralismo, Alianza, Madrid, 1976.
    • El superhombre de masas, 1976.
    • Desde la periferia del imperio (1977) Incluido en La estrategia de la ilusión.
    • Cómo se hace una tesis, técnicas y procedimientos de investigación, estudio y escritura, 1977.
    • A semiotic Landscape. Panorama sémiotique. Proceedings of the Ist Congress of the International Association for Semiotic Studies, Den Haag, Paris, New York: Mouton (= Approaches to Semiotics, 29) (con Seymour Chatman y Jean-Marie Klinkenberg).
    • Lector in fabula. La cooperazione interpretativa nei testi narrativi, 1979 — Lector in fabula. La cooperación interpretativa en el texto narrativo, trd.: Ricardo Pochtar; Lumen, Barcelona, 1981.
    • Función y signo: la semiótica de la arquitectura, 1980.
    • De Bibliotheca, 1981.
    • Siete años de deseo (1983), incluido en La estrategia de la ilusión.
    • Semiótica y filosofía del lenguaje, 1984.
    • De los espejos y otros ensayos, 1985.
    • Ensayos sobre 'El nombre de la rosa, Lumen, Barcelona, 1987.
    • El signo de los tres, Lumen, Barcelona, 1989.
    • El extraño caso de la Hanau 1609, 1990.
    • Los límites de la interpretación, 1990.
    • Il secondo diario minimo, 1992 — Segundo diario mínimo, recopilación de escritos breves; Lumen, Barcelona.
    • La búsqueda de la lengua perfecta, 1993.
    • Seis paseos por los bosques narrativos, 1994.
    • ¿En qué creen los que no creen?, diálogo epistolar sobre la ética con el cardenal Carlo Maria Martini, 1996.
    • Interpretación y sobreinterpretación, CUP, 1997.
    • Kant y el ornitorrinco, 1997.
    • Cinco escritos morales, 1997.
    • La estrategia de la ilusión, Lumen, Barcelona, 1999.
    • La bustina de Minerva, 2000.
    • Apostillas a 'El nombre de la rosa' y traducción de los textos latinos, Círculo de Lectores, Barcelona, 2000.
    • El redescubrimiento de América, Península, Barcelona, 2002.
    • Sobre literatura, Nuevas Ediciones de Bolsillo, Barcelona, 2005.
    • La historia de la belleza, Lumen, Barcelona, 2005 ISBN 84-264-1468-0
    • La historia de la fealdad, Lumen, Barcelona, 2007.
    • A passo di gambero. Guerre calde e populismo mediático, 2006 — A paso de cangrejo: artículos, reflexiones y decepciones, 2000-2006, Debate, 2007 ISBN 978-84-8306-698-0
    • Dire quasi la stessa cosa — Decir casi lo mismo. Experiencias de traducción, trd.: Helena Lozano Miralles; Lumen, Barcelona, 2008 ISBN 978-970-810-337-4
    • El vértigo de las listas, Lumen, Barcelona, 2009.
    • Cultura y semiótica, Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2009.
    • La nueva Edad Media, Alianza, Madrid, 2010.
    • Nadie acabará con los libros, con Jean Claude Carrière; Lumen, Barcelona, 2010.
    • Confesiones de un joven novelista, Lumen, Barcelona, 2011.
    • Construir al enemigo, selección de ensayos; Lumen, Barcelona, 2013.
    • Historia de las tierras y los lugares legendarios; Lumen, Barcelona, 2013.




    Marilynne Robinson / Una de las grandes

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    Marilynne Robinson
    Ilustración de Triunfo Arciniegas
    (1943)

    Marilynne Robinson, premiada escritora estadounidense, nació el 26 de noviembre de 1943 en Sandpoint, Idaho.
    Hija de Ellen Harris Summers y John J. Summers, Robinson vivió en su infancia en pequeñas ciudades del Medio Oeste de los Estados Unidos; estudió en Pembroke College, el colegio femenino de la Universidad de Brown y recibió su licenciatura en Filosofía y Letras en 1966; más tarde, obtuvo un PhD en inglés en la Universidad de Washington (1977).
    Debutó en la ficción en 1980 con su novela Vida hogareña (Housekeeping), que tuvo inmediatamente un éxito de crítica: fue nominada al premio Pulitzer y dos años después ganó el Hemingway que otorga el Pen Club de Nueva Inglaterra. Hubo que esperar casi un cuarto de siglo para su segunda novela, Gilead, que, publicada en 2004, fue incluso más exitosa que la anterior: se hizo con el premio del Círculo de Críticos de ese año y, al siguiente, con el Pulitzer y el Ambassador Book Award. En casa (Home, 2008) fue finalista del Premio Nacional del Libro y obtuvo el Orange 2009. En 2014 publicó su cuarta novela, Lila, que recibió asimismo muy buena crítica.
    Robinson ha publicado, a partir de 1989, también una serie de ensayos, algunos de los cuales han sido distinguidos con importantes galardones. Mother Country: Britain, the Welfare State, and Nuclear Pollution, su primer libro de no ficción, fue finalista del Premio Nacional del Libro; Absence of Mind: The Dispelling of Inwardness from the Modern Myth of the Self ganó en 2009 el de las Conferencias Terry de la Universidad de Yale y The Death of Adam: Essays on Modern Thought (1998), el PEN/Diamonstein-Spielvogel Award for the Art of the Essay.
    Ha escrito artículos y críticas literarias para revistas como Harper'sThe Paris Review y The New York Times Book Review. Ha obtenido residencias en diversas universidades, da clases en Iowa Writers' Workshop y vive en Iowa City.
    Criada como presbiteriana, Robinson se hizo más tarde congregasionalista y a veces predica la Iglesia Congregacional Unida de Cristo en Iowa.
    WIKIPEDIA



    "Hacemos todo lo posible para distraernos de la soledad, 
    pero somos esencialmente criaturas solitarias."
    Marilynne Robinson


    "Un escritor sabe el cuidado y las horas que ha pasado para crear un determinado texto, por lo que algunas críticas deberían ser más humanas."
    Marilynne Robinson



    "Ya tenemos suficiente riqueza. Deberíamos ser capaces de pensar en cosas que no fueran cómo generar aún más."
    Marilynne Robinson



    Marilynne Robinson
    Ilustración de Triunfo Arciniegas

    Marilynne Robinson: 

    "Las historias que escribo 

    son como si las soñara"


    Irene Dalmases
    EFE
    Barcelona22 nov 2015


    Hay quien dice que no falta mucho para que la escritora norteamericana Marilynne Robinson gane el Nobel de Literatura. Esta semana ha estado en Barcelona, en el marco de su gira europea, y ha hablado con Efe de "Lila", una historia de amor protagonizada por una joven sin hogar y un anciano reverendo.
    Lacónica en sus respuestas, la autora señala que sus relatos, los últimos ambientados en la ficticia población de Gilead, en el estado de Iowa, surgen un poco "como si los soñara", con personajes que quedan muy dentro de su mente y que acaban pidiendo salir.
    En el caso de "Lila" (Galaxia Gutenberg/Edicions de 1984), rememora que puede considerarse como la tercera parte de una saga que inició con "Gilead", premio Pulitzer 2005 y National Book Critics 2004, y que continuó con "En casa", distinguida con el Orange Prize a la mejor novela de ficción.
    Sentada en una mesa de una de las salas de la sede barcelonesa de Galaxia Gutenberg, destaca de ella su larga cabellera blanca y su hablar pausado, mientras asegura que el personaje de "Lila" lo tenía muy presente en su interior desde que acabara las otras dos novelas, pero "me resistía a la idea de una secuela".
    Sin embargo, "los personajes tenían suficiente fuerza como para hacer otra y aquí está la tercera", explica Robinson.
    El lector que se enfrente a este texto esperanzador podrá conocer la peripecia de una joven, a partir de sus cuatro o cinco años, en la década de 1920, en el medio oeste estadounidense, donde vive con un grupo de personas sin que nadie se preocupe mucho por ella, lo que posibilita que una noche una mujer conocida como Doll se la lleve de allí e inicie una vida recorriendo polvorientos caminos.
    Un día de tormenta, Lila acabará en la iglesia de Gilead, donde ejerce el reverendo John Ames -un viejo conocido de otras obras de Robinson- con quien acabará estableciendo una particular relación, con hijo incluido.
    Sobre el hecho de que el argumento vaya hacia adelante y hacia atrás en el tiempo, la escritora indica que "es así como funciona mi mente".
    Marilynne Robinson, nacida en Sandpoint, Idaho, en 1943, quita importancia a que se la haya comparado con Sherwood Anderson o incluso con William Faulkner, especialmente, por la construcción de un imaginario muy de la América profunda, impregnado de religión, aunque otras cuestiones estén igualmente presentes, desde la soledad, al miedo o la redención.
    No esconde que desde hace más de tres décadas pertenece a una iglesia de Iowa City, población universitaria en la que vive desde hace años, y donde también da clases de Antiguo y Nuevo Testamento.
    Asimismo, dice estar fascinada por el paisaje americano, que "configura la manera de ser de las personas".
    "Una de las cosas más sorprendentes de los primeros asentamientos en el norte de los Estados Unidos es que son iguales a los pueblos escandinavos de donde provienen muchos de sus habitantes", reflexiona.
    Preguntada sobre si le pesa tener éxito con sus obras, confiesa que cada vez que publica un libro se vuelve "muy vulnerable" y, entre otras cuestiones, le preocupan las críticas crueles.
    "Un escritor sabe el cuidado y las horas que ha pasado para crear un determinado texto, por lo que algunas críticas deberían ser más humanas", considera Marilynne Robinson.
    Tampoco sigue los informes que su editorial prepara sobre cuántos libros vende en los diferentes países del mundo a los que ha sido traducida ni las críticas que se escriben sobre ellos.
    La escritora se sincera al afirmar que ha aprendido, con el tiempo, que "podría haber veinte críticas buenas a una novela mía, pero, si apareciera una mala, yo sólo recordaría ésta".
    Considerando la lectura como uno de los grandes placeres de la vida, dice tener en mente nuevos proyectos literarios, algunos de ellos ensayos sobre la vida pública americana.
    Tanto Galaxia Gutenberg como Edicions de 1984 tienen previsto publicar el próximo año su primera novela, que data de 1980, "Housekeeping", que fue nominada al premio Pulitzer y con la que ganó el Hemingway que otorga el Pen Club de Nueva Inglaterra.



    UNA GRANDE DE LAS LETRAS DE EEUU

    Marilynne Robinson: 

    "Soy un bicho raro y me lo puedo permitir"

    La escritora era una autora semisecreta hasta que fue entrevistada por el presidente Barack Obama

    ELENA HEVIA / BARCELONA
    DOMINGO, 22 DE NOVIEMBRE DEL 2015 - 15:54 CET
    Es toda una hazaña que un autor se convierta en un clásico vivo desde el minuto cero. Le ha pasado a Marilynne Robinson, un nombre a situar de inmediato en el altar del bien poblado universo de los escritores norteamericanos. Robinson vive un poco al margen de los fastos mediáticos. A sus 68 años tan solo ha escrito cuatro novelas. Las tres últimas ‘Gilead’, ‘En la casa’ y ‘Lila’ (las tres publicadas por Galaxia Gutenberg y la última también en catalán por Edicions de 1984) componen distintas miradas a una misma historia marcada por el sentimiento religioso y un lenguaje poético que bebe directamente de los padres fundadores de las letras americanas, Melville y Hawthorne. Su condición de autora secreta estalló en mil pedazos cuando el pasado septiembre Barak Obama, uno de sus más atentos lectores, le propuso que se prestara a una conversación que se publicó en ‘The New York Times’. A Robinson la distinción no se le ha subido a la cabeza.
    Sus novelas se sitúan en el pueblo imaginario de Gilead entre los años 20 y los 50. ¿Cómo llegó a este mundo?
    Durante muchos años viví en las montañas de Massachusetts hasta que un día me invitaron a formar parte de la legendaria escuela de escritores de Iowa. Les dije que solo me quedaría dos años pero desde entonces no me he movido de allí. Me interesó la historia de esa zona del Medio Oeste, de sus primeros asentamientos en el siglo XIX. Eran abolicionistas que crearon una cultura muy vinculada a la religión y a la educación. Quise que el protagonista de mi primera novela, el reverendo Ames, un anciano de 70 años que escribe una larga carta a su hijo de siete años, descendiera de esa tradición.

    "La realidad existe de una forma bastante compleja y cada uno tiene su propia forma de abordarla"

    ¿Por qué quiso darle voz a Lila, la joven esposa del predicador?
    Aparecía en las otras novelas y aunque tenía una realidad muy concreta para mí, quedaba un tanto desdibujada para los lectores. Es una forma de darle espacio y tiempo.
    La visión de la realidad de Lila es muy distinta de la de Ames. ¿Al no coincidir las distintas versiones de los personajes está queriendo decir algo sobre la verdad?
    Creo que la realidad existe de una forma bastante compleja y que cada uno tiene su propia forma de abordarla. Ames es un hombre muy leído y Lila es bastante vulgar, su lenguaje es como el de nuestras viejas canciones country.
    También tiene que ver con el estilo de la Biblia, de la que es usted una gran lectora.
    Los escritores que más admiro, como Faulkner, eran grandes lectores de la Biblia. Es un lenguaje literario que ha calado de forma muy significativa en la tradición americana.
    ¿Escribir así en el siglo XXI no hace que se sienta un poco sola?
    Bien (ríe), soy un bicho raro y me lo puedo permitir. Cuando enseño a los jóvenes escritores intento hacerles entender que cuantas más posibilidades tengan frente a ellos, mejor. No deben sonar igual que el último 'best-seller'.
    Sus personajes persiguen la gracia. ¿Qué persigue usted como escritora?
    Pues lo mismo. Sí, persigo la gracia, entendiendo que es algo superior a la sabiduría.

    "Los terroristas están intentando abocarnos a una respuesta irracional, su objetivo es que nos armemos"

    ¿En estos tiempos más bien laicos, se siente bien leída?
    Tengo lectores que no son en absoluto religiosos y que no comparten mi elección personal. Nunca he sentido eso como un obstáculo. Creo que casi todo el mundo tiene una base religiosa. Mis libros han sido traducidos al persa y al árabe y en todos los sitios, excepto en Irán, han sido bien recibidos.
    La cara oscura de la religiosidad nos ha mostrado recientemente a unos terroristas gritando ‘¡Alá es grande!’ en París.
    Eso ha pasado una y otra vez a lo largo de la historia. La gente utiliza la religión de forma lamentable, pero no es un reflejo de la propia religión porque todas las confesiones prohíben la violencia.
    Usted escribió un ensayo sobre el miedo en nuestra vida cotidiana. Ahora tiene mucho más material para sus argumentos.
    El miedo bloquea el juicio de la gente y le impide dar la respuesta adecuada. Lo que los terroristas están intentando hacer con nosotros es abocarnos a una respuesta irracional, su objetivo es que nos armemos. Y eso, claro está, será inevitable, pero no legítimo. Hay otras salidas.
    ¿Cómo se siente una cuando es entrevistada por el presidente de los Estados Unidos?
    Muy nerviosa. Se me trabucaban las frases y me faltaba vocabulario. Pero él fue muy agradable. Es un hombre muy atento a los pensamientos y las ideas de las otras personas. Se aseguró de que aquello fuera una buena experiencia.
    La entrevista estaba bien. No sé si nuestros políticos serían capaces de hacer algo así.
    (Ríe). Bueno, él es un hombre brillante, no hay duda.

    EL PERIÓDICO



    Marilynne Robinson: «Durante años he practicado eso de no ser famosa»

    Fue el presidente norteamericano, Barack Obama, quien sacó a esta escritora de su anonimato. «La Biblia está en mi mente y en mi literatura», reconoce la autora de «Gilead y «Lila»






    Marilynne Robinson - Inés Baucells

    Marilynne Robinson alterna la mirada fija a los ojos del entrevistador con la expresión ausente cuando algo de lo que escucha no es de su agrado (por ejemplo, hablar mal de Calvino). No es persona proclive a las medias tintas. Doctora en Literatura Inglesa y profesora en la Universidad de Iowa en el mismo taller de escritura donde Salter y Cheever impartieron clases, nunca publicaría una línea de la que no estuviera convencida. Esa actitud meticulosa explica los veinticuatro años transcurridos entre su primera novela, «Vida hogareña» (1980), que Galaxia Gutenberg editará en febrero, y la «Trilogía del Medio Oeste» -«Gilead» (2004), «En casa» (2008) y «Lila (2014)-, que ha visto la luz en español en el mismo sello. Premiada con el Nacional de la Crítica norteamericana y el Pulitzer por «Gilead», Robinson no ha dejado de cosechar reconocimientos: «En casa» fue galardonada con el Orange a la mejor obra de ficción y en 2010 su autora ingresó en la American Academy of Arts and Sciences.
    Ojos azules, melena cana, Robinson entrelaza las manos que apoya sobre la mesa. Para conseguir una de sus dosificadas sonrisas, nada mejor que recordarle a su interlocutor más famoso: Barack Obama, 14 de septiembre de 2015. Después de ser invitada a cenar con él y su familia en la Casa Blanca, Obama entrevistó en público a su escritora favorita: «Fue iniciativa suya y debo reconocer que me hizo preguntas muy interesantes. Es toda una experiencia que el presidente de tu país te pregunte acerca de la literatura de ficción», recuerda Robinson.
    En aquella conversación, que publicó «The New York Times», Obama y ella hablaron de los reverendos John Ames y Robert Boughton; de la difícil existencia de Lila, la niña que padeció el abandono y el nomadismo en la Gran Depresión hasta hallar el sosiego con Ames; o de Jack, hijo de Boughton, siempre al filo de la marginalidad. El presidente y Marilynne Robinson se situaron en Gilead, ese pequeño pueblo de Iowa: una breve retahíla de casas en unas pocas calles, el elevador de grano, la torre de agua, la estación de tren y la iglesia que da sentido a una comunidad cohesionada por la religión. Es en Gilead donde un John Ames enfermo terminal escribe una carta dirigida a su hijo de siete años. Es a Gilead donde la hija de Robert Boughton acude para cuidar a su padre moribundo e intenta que su hermano -el díscolo Jack- encuentre, por fin, el buen camino. Contemplándolo todo, la sencilla bondad de Lila, que consiguió que el reverendo Ames recuperara el amor cuarenta años después de la muerte de su primera mujer… Personajes enlazados en tres novelas de aliento mítico. Ecos de la Biblia. América profunda. Robinson es, tal vez, la seguidora más cualificada de William Faulkner.
    Viajemos a Gilead, un topónimo que viene del hebreo Galaad, citado en el Génesis…
    El nombre hace referencia al pacto, la paz y la curación en tiempos convulsos. Una ciudad del Medio Oeste habitada en el siglo XIX por gente de Nueva Inglaterra y comunidades utópicas alemanas. En estas pequeñas poblaciones nació una nueva cultura de resistencia a la esclavitud vinculada a la religión y la educación. Antes de la guerra civil, el esclavismo funcionaba en Norteamérica con el apoyo de ingleses y franceses: la respuesta era oponerse a la explotación del hombre por el hombre.
    Sus novelas están repletas de citas bíblicas. ¿Se pueden leer como variaciones sobre las Sagradas Escrituras?
    En la conversación que Robinson mantuvo con Obama, hablaron de los reverendos John Ames y robert Boughton
    Las alusiones bíblicas no me sorprenden: desde niña estaba interesada en la «Biblia». La «Biblia» está en mi mente y en mi literatura.
    Usted pasó de la Iglesia presbiteriana a la congregacionista. En España se sabe poco de esas corrientes cristianas…
    Por encima de todo, me considero cristiana. Presbiterianos y congregacionistas son muy similares, aunque se hayan desarrollado de forma diferente. Los primeros provenían de Escocia y los segundos de Inglaterra. Los presbiterianos son más jerárquicos y los congregacionistas más democráticos: una comunidad que vota. Unos y otros se complementan: donde hay una iglesia presbiteriana no se abre una congregacionista, aunque no siempre se llevan tan bien: en Iowa, donde yo vivo, había una sola iglesia presbiteriana y sólo duró tres años… ¡Los congregacionistas acabaron construyendo su propia iglesia! («Sonríe»).
    Hablemos de los predicadores, John Ames y Robert Boughton. ¿Qué los diferencia?
    ¡Boughton es presbiteriano y Ames congregacionista! Es broma. La verdad es que tienen temperamentos muy distintos. Boughton se pasa la vida perdonando a Jack, un hijo imperdonable, y Ames lo mira de reojo y también intenta perdonarlo. La teología de ambos es la del hijo pródigo, aunque Jack abusa de la parábola porque vuelve siempre a las andadas.
    ¿Hasta qué punto influye la religión en la política norteamericana?
    «Los yihadistas buscan que nos venguemos. La sociedad democrática no debe caer en esa provocación»
    No olvidemos que el preámbulo de la declaración de independencia es una paráfrasis del Salmo 8. Esa primera frase tiene una base teológica y eso influye en la cultura de un país. Lo que sí me molesta es esa manía de proclamar que todo irá a peor.
    ¿Cuáles son autores de cabecera?
    Emerson es el más importante para mí junto a Emily Dickinson, Melville y Faulkner. De Emerson destacaría su estética de la percepción, una cualidad que también posee Whitman: siempre me conmueve.
    ¿El éxito de sus novelas le ha alejado de su faceta como ensayista?
    ¡En absoluto! En octubre publiqué un libro de ensayos en Gran Bretaña, «The Givenness of Things», una crítica a las sociedades contemporáneas.
    Y ya que estamos en el territorio de la no ficción, ¿cómo podemos afrontar el terrorismo yihadista?
    Estos actos superan los límites del horror imaginable. Los terroristas pretenden provocar para que se les responda con una venganza, pero la sociedad democrática no debe caer en esa provocación.
    Nuestros políticos fallan, pero ¿son ellos los únicos culpables del deterioro de las instituciones democráticas?
    «A veces olvidamos hasta qué punto vale la pena preservar nuestra civilización. Hay que proteger y conservar la democracia»
    A veces olvidamos hasta qué punto vale la pena preservar nuestra civilización. Hemos dado por hecha la democracia y nos hemos olvidado de protegerla y conservarla. Me refiero, por ejemplo, a las observaciones de Tocqueville cuando describía la América en formación: valoraba la alfabetización y la cultura como la fuerza de la democracia. A principios del siglo XIX asistimos al momento más creativo de nuestras universidades, el campus como un pequeño paraíso del saber. Ahora se nos convence para que olvidemos aquellos ideales y el optimismo en el progreso humano. Es frecuente escuchar que debemos dejar de lado las humanidades a favor de la mal llamada y utilitarista economía del futuro.
    Y lo llaman innovación…
    Se habla constantemente de innovación, pero no sabemos en qué consiste reducir las personas a la competencia económica. La jerga presuntamente científica enmascara la rebaja de las expectativas personales: un darwinismo social que en lugar de mostrar compasión por los más débiles pretende deshacerse de ellos. En mi país se destinan millones de dólares a la investigación al mismo tiempo que se prefieren los ordenadores a los filósofos. La cultura es la emancipación de la imaginación y a eso nos ayuda la literatura.
    En su caso, una literatura cristiana… ¿Cree que eso le distancia de determinado tipo de lectores, digamos, laicos?
    Si es así se debe a que el conocimiento de los autores cristianos es muy superficial y tópico. ¡Es muy novedoso ser una autora cristiana en mi generación! En mis novelas pretendo recuperar los tesoros más preciosos de nuestra civilización. El ser humano es sagrado porque está creado a imagen de Dios.
    ¿Podrá volver a la soledad austera de Iowa para cerrar la serie sobre Gilead?
    No se preocupe. Durante muchos años he practicado eso de no ser famosa y el hábito hace al monje.


    BIBLIOGRAFÍA
    Novelas
    • Housekeeping (1980) — Vida hogareña, trad.: Vicente Campos González; Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2014
    • Gilead (2004) — Gilead, trad.: Montserrat Gurguí y Hernán Sabaté; Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2010
    • Home (2008) — En casa, trad.: Montserrat Gurguí y Hernán Sabaté; Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2012
    • Lila (2014) — Lila, trad.: Vicente Campos González; Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2015
    Ensayo
    • Mother Country: Britain, the Welfare State, and Nuclear Pollution (1989)
    • The Death of Adam: Essays on Modern Thought (1998)
    • Absence of Mind: The Dispelling of Inwardness from the Modern Myth of the Self (2010)
    • When I Was a Child I Read Books: Essays (2012)
    • The Givenness of Things (2015)

    Premios

    • Hemingway Foundation/PEN Award 1982 por Vida hogareña
    • PEN/Diamonstein-Spielvogel Award for the Art of the Essay por The Death of Adam
    • Premio de Círculo de Críticos 2004 por Gilead
    • Premio Pulitzer 2005 por Gilead
    • Premio Grawemeyer de Religión 2006 (Universidad de Louisville)
    • Finalista del Premio Nacional del Libro 2008 por En casa
    • Premio del Libro 2008 de Los Angeles Times por En casa
    • Premio Orange 2009 por En casa
    • Premio de Círculo de Críticos 2014 por Lila
    • Premio Park Kyung-ni 2013




    William Shakespeare

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    William Shakespeare
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    William Shakespeare

    (1564 - 1616)



    (Stratford on Avon, Reino Unido, 1564 - id., 1616) Dramaturgo y poeta inglés. Solamente con sus versos hubiera ya pasado a la historia de la literatura; por su genio teatral, y especialmente por el impresionante retrato de la condición humana en sus grandes tragedias, Shakespeare es considerado el mejor dramaturgo de todos los tiempos.


    William Shakespeare

    Tercero de los ocho hijos de John Shakespeare, un acaudalado comerciante y político local, y Mary Arden, cuya familia había sufrido persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica, poco o nada se sabe de la niñez y adolescencia de William Shakespeare. Parece probable que estudiara en la Grammar School de su localidad natal, si bien se desconoce cuántos años y en qué circunstancias. Según un coetáneo suyo, William Shakespeare aprendió «poco latín y menos griego», y en todo caso parece también probable que abandonara la escuela a temprana edad debido a las dificultades por las que atravesaba su padre, ya fueran éstas económicas o derivadas de su carrera política.
    Sea como fuere, siempre se ha considerado a Shakespeare como una persona culta, pero no en exceso, y ello ha posibilitado el nacimiento de teorías según las cuales habría sido tan sólo el hombre de paja de alguien deseoso de permanecer en el anonimato literario. A ello ha contribuido también el hecho de que no se disponga en absoluto de escritos o cartas personales del autor, quien parece que sólo escribió, aparte de su producción poética, obras para la escena.
    La andadura de Shakespeare como dramaturgo empezó tras su traslado a Londres, donde rápidamente adquirió fama y popularidad en su trabajo para la compañía Chaberlain's Men, más tarde conocida como King's Men, propietaria de dos teatros, The Globe y Blackfriars. También representó, con éxito, en la corte. Sus inicios fueron, sin embargo, humildes, y según las fuentes trabajó en los más variados oficios, si bien parece razonable suponer que estuvo desde el principio relacionado con el teatro, puesto que antes de consagrarse como autor se le conocía ya como actor.
    Su estancia en la capital británica se fecha, aproximadamente, entre 1590 y 1613, año este último en que dejó de escribir y se retiró a su localidad natal, donde adquirió una casa conocida como New Place, mientras invertía en bienes inmuebles de Londres la fortuna que había conseguido amasar.


    La obra de Shakespeare
    La publicación, en 1593, de su poema Venus y Adonis, muy bien acogido en los ambientes literarios londinenses, fue uno de sus primeros éxitos. De su producción poética posterior cabe destacar La violación de Lucrecia (1594) y los Sonetos(1609), de temática amorosa y que por sí solos lo situarían entre los grandes de la poesía anglosajona.
    Con todo, fue su actividad como dramaturgo lo que dio fama a Shakespeare en la época. Su obra, en total catorce comedias, diez tragedias y diez dramas históricos, es un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma humana. Tras unas primeras tentativas, en las que se transparenta la influencia de Marlowe, antes de 1600 aparecieron la mayoría de sus «comedias alegres» y algunos de sus dramas basados en la historia de Inglaterra. Destaca sobre todo la fantasía y el sentido poético de las comedias de este período, como en Sueño de una noche de verano; el prodigioso dominio del autor en la versificación le permitía distinguir a los personajes por el modo de hablar, amén de dotar a su lenguaje de una naturalidad casi coloquial.
    A partir de 1600, Shakespeare publica las grandes tragedias y las llamadas «comedias oscuras». Los grandes temas son tratados en las obras de este período con los acentos más ambiciosos, y sin embargo lo trágico surge siempre del detalle realista o del penetrante tratamiento psicológico del personaje, que induce al espectador a identificarse con él: así, Hamlet refleja la incapacidad de actuar ante el dilema moral entre venganza y perdón; Otelo, la crueldad gratuita de los celos; yMacbeth, la cruel tentación del poder.
    En sus últimas obras, a partir de 1608, cambia de registro y entra en el género de la tragicomedia, a menudo con un final feliz en el que se entrevé la posibilidad de la reconciliación, como sucede en Pericles; esta nueva orientación culmina en su última pieza, La tempestad, con cuyo estreno en 1611 puso fin a su trayectoria. Quizá cansado y enfermo, dos años después se retiró a su casa de Stratford, donde fallecería 23 de abril de 1616 del antiguo calendario juliano, usado en aquel tiempo en Inglaterra. Otro gran genio de la historia de la literatura universal, Miguel de Cervantes, falleció en la misma fecha del actual calendario gregoriano, ya adoptado por entonces en España.
    Shakespeare publicó en vida tan sólo dieciséis de las obras que se le atribuyen; por ello, algunas de ellas posiblemente se hubieran perdido de no publicarse (pocos años después de la muerte del poeta) el Folio, volumen recopilatorio que serviría de base para todas las ediciones posteriores.


    Michael Fassbender como Macbeth
    SHAKESPEARE EN EL CINE

    Entre las versiones cinematográficas de la biografía shakesperiana destaca Shakespeare in Love (1998) dirigida por John MaddenMiguel y William2007, de la directora y guionista Inés París sobre Miguel de Cervantes y Shakespeare y Anonymous (2011) dirigida por Roland Emmerich que plantea una posible respuesta sobre la autoría de sus obras en el seno de un complot político.
    Se han producido unas 250 películas basadas en textos de Shakespeare, lo cual demuestra la enorme influencia de la obra de este escritor. La obra más veces llevada a la pantalla es Hamlet, con 61 adaptaciones al cine y 21 series de televisión entre 1907 y 2000. Algunas películas basadas en obras de Shakespeare son las siguientes:
    • La fierecilla domada (The Taming of the Shrew1929). Protagonizada por Douglas Fairbanks y Mary Pickford.
    • El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream, 1935). Dirigida por Max Reinhardt y William Dieterle.
    • Romeo y Julieta (Romeo and Juliet1936). Dirigida por George Cukor.
    • Como gustéis (As You Like It1936). Dirigida por Paul Czinner.
    • Enrique V (The Chronicle History of King Henry the Fifth with His Battle Fought at Agincourt in France1945). Dirigida por Laurence Olivier.
    • Macbeth (1948). Dirigida por Orson Welles.
    • Hamlet (1948). Dirigida por Laurence Olivier.
    • Otelo (The Tragedy of Othello: The Moor of Venice1952). Dirigida por Orson Welles.
    • Julio César (Julius Caesar1953). Dirigida por Joseph L. Mankiewicz.
    • Romeo y Julieta (Romeo and Juliet1954). Dirigida por Renato Castellani.
    • Ricardo III (Richard III1955). Dirigida por Laurence Olivier.
    • Otelo (Otello1956). Dirigida por Sergei Jutkevitsh.
    • Planeta prohibido (Forbidden Planet, 1956). Película de ciencia ficción libremente basada en La Tempestad). Dirigida por Fred M. Wilcox.
    • Trono de sangre (Kumonosu jô1957). Libremente basada en Macbeth. Dirigida por Akira Kurosawa.
    • La Tempestad (The Tempest1960). Película para televisión protagonizada por Richard Burton. Dirigida por George Schaefer.
    • Amor sin barreras (West Side Story1961). Película musical basada en Romeo y Julieta. Dirigida por Jerome Robbins y Robert Wise.
    • Hamlet (Gamlet, 1963). Dirigida por Grigori Kózintsev.
    • Hamlet (1964). Protagonizada por Richard Burton. Dirigida por Bill Colleran y John Gielgud.
    • Campanadas a medianoche (1965). Basada en varias obras, especialmente Enrique IV. Dirigida por Orson Welles.
    • La fierecilla domada (The Taming of the Shrew1967). Protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton. Dirigida por Franco Zeffirelli
    • Romeo y Julieta (Romeo and Juliet1968). Dirigida por Franco Zeffirelli.
    • El rey Lear (Korol Lir1969). Dirigida por Grigori Kozintsev.
    • Rey Lear (King Lear1971). Dirigida por Peter Brook.
    • Macbeth (1971). Dirigida por Roman Polański.
    • La Tempestad (Tempest, 1982), dirigida por Paul Mazursky.
    • Ran (1985), dirigida por Akira Kurosawa. Adaptación de "El Rey Lear"
    • Rey Lear (King Lear1987), dirigida por Jean-Luc Godard.
    • Enrique V (Henry V1989). Dirigida por Kenneth Branagh.
    • Romeo y Julieta (Romeo-Juliet1990), con Francesca Annis, Vanessa Redgrave y Ben Kingsley. Dirigida por Armando Acosta.35
    • Hamlet (1990), con Mel Gibson y Glenn Close. Dirigida por Franco Zeffirelli.
    • Los libros de Próspero (Prospero's Books, 1991). Basada en La Tempestad). Dirigida por Peter Greenaway.
    • Mi Idaho privado (My Own Private Idaho, 1991). Protagonizada po River Phoenix y Keanu Reeves y dirigida por Gus Van Sant. Libremente basada en Enrique IV.
    • Como gustéis/Como gusten (As You Like It1992), dirigida por Christine Edzard.
    • Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing1993), dirigida por Kenneth Branagh.
    • El Rey León (The Lion King1994), dirigida por Rob Minkoff y Roger Allers. Película de animación realizada por los estudios Disney libremente basada en Hamlet.
    • Otelo (Othello1995), dirigida por Oliver Parker.
    • Richard III (Richard III1995), dirigida por Richard Loncraine.
    • Romeo y Julieta de William Shakespeare (Romeo + Juliet1996), con Leonardo Di Caprio y Claire Danes. Dirigida por Baz Luhrman.
    • Hamlet (1996), con Kenneth Branagh, Richard Attenborough, Judi Dench, Billy Crystal y Kate Winslet. Dirigida por Kenneth Branagh.
    • En busca de Ricardo III (Looking for Richard, 1996), dirigida por Al Pacino.
    • Shakespeare enamorado (Shakespeare in love, 1998), dirigida por John Madden.
    • 10 razones para odiarte (10 Things I Hate About You1999) (basada en La fierecilla domada), con Julia Stiles y Heath Ledger. Dirigida por Gil Junger.
    • El sueño de una noche de verano de William Shakespeare (A Midsummer Night's Dream, 1999), con Calista Flockhart y Michelle Pfeiffer. Dirigida por Michael Hoffman.
    • Titus (1999) (basada en Tito Andrónico), con Anthony Hopkins y Jessica Lange. Dirigida por Julie Taymor.
    • Trabajos de amor perdidos (Love's Labour's Lost2000), dirigida por Kenneth Branagh.
    • Hamlet (2000), con Ethan Hawke, Julia Stiles, Kyle MacLachlan. Dirigida por Michael Almereyda.
    • El Mercader de Venecia (The Merchant of Venice, 2004), dirigida por Michael Radford.
    • Coriolanus (2011) , dirigida por Ralph Fiennes.
    • Hamlet (2009), de la Royal Shakespeare Company dirigida por Gregory Doran con David Tennant en el papel de Hamlet, Patrick Steward como Claudius. Adaptación para la BBC de la obra representada en el teatro.
    • Much Ado About Nothing (2011) David Tennant en el papel de Benedick y Catherine Tate en el papel de Beatrice y disponible en Digital Theatre.
    • Richard II Royal Shakespeare Company con David Tennant en el papel de Richard II. Disponible en mayo en DVD y Blu-Ray en la página web de la RSC.

    William Shakespeare

    CRONOLOGÍA

    1564Nace en Stratford-upon-Avon. Es el tercer hijo de
    John Shakespeare y Mary Arden.
    1582Se casa con Anne Hathaway. Al año siguiente nace
    su hija Susan y, dos años después, los gemelos
    Judith y Hamnet.
    1588-89Se instala en Londres, abandonando a esposa e hijos,
    y escribe sus primeras obras.
    1592La peste obliga a cerrar los teatros y Shakespeare
    se retira a Stratford. Posible estancia en el norte de Italia.
    1593-94Publica los poemas Venus y Adonis y La violación
    de Lucrecia
    , dedicados
    al conde Henry Wriothesley de Southampton,
    su protector.
    1594Reapertura de los teatros. Shakespeare es ya
    miembro de la mejor compañía de la época,
    la Compañía de Actores de Lord Chamberlain.
    1597Fallece su hijo Hamnet. Su buena situación
    económica como empresario de la compañía
    le permite adquirir New-Place, una casa en Stratford.
    1598Su compañía se instala en el nuevo teatro
    The Globe, del que Shakespeare es copropietario.
    1600-01Escribe y estrena Hamlet.
    1603El nuevo rey de Inglaterra, Jacobo I, se convierte
    en el protector de la compañía de Shakespeare,
    que pasa a llamarse King's Men (Hombres
    del Rey).
    1605-06Escribe Macbeth y El rey Lear.
    1609Su compañía inaugura una nueva sala, el teatro
    Blackfriars, del que Shakespeare es también
    copropietario. Se publican sin su autorización
    sus Sonetos.
    1611Escribe La tempestad, su última obra. Deja
    el teatro y se retira a New-Place, su casa
    de Stratford.
    1616Muere en su ciudad natal.

    The Globe. En 1599 la compañía del ya famoso dramaturgo había inaugurado el teatro The Globe (nombre debido a su muestra, en la cual figuraba Hércules con el globo terráqueo a sus espaldas y la divisa "Totus mundus agit histrioneni"). En otoño de 1609 empezó a utilizar el teatro cubierto de Blackfriars, que acabó siendo su sede principal. Shakespeare era copropietario de uno o ambos locales; figuraba, pues, entre los "housekeepers" (según el lenguaje corriente) de la compañía. A partir de 1603 su nombre desaparece de la lista de actores; posiblemente, la composición y la presentación de las obras dramáticas debieron de ser consideradas aportaciones suficientes a la buena marcha de la empresa. En la imagen, un antiguo grabado reproduce el aspecto exterior de The Globe, que fue destruido por el fuego en 1613, reconstruido en 1614 y cerrado definitivamente en 1642.

    Atracción turística. Cuando Shakespeare llegó a Londres, el teatro, apoyado por una fértil tradición de raíz medieval, contaba con autores tan excelentes como Green, Peele, J. Lyly, T. Kyd (a quien se debe uno de los antecedentes de Hamlet) y Christopher Marlowe. Como género, era de asombrosa ductilidad; no se hacía literatura en el sentido moderno, sino que se respondía a las preferencias de la audiencia isabelina, mezcla de aristócratas, ingenios galantes, ladronzuelos, marineros y soldados esperando un nuevo destino, aprendices, colegiales y estudiantes de las universidades. Al revés que en el teatro moderno, el isabelino no simulaba que el público no estuviese allí, ya que a plena luz del día la gente rodeaba el escenario, comía, reía, entraba y salía. Eso explica en parte la variedad de registros y el cruce de tonos en las obras de la época: para los analfabetos, acciones y muertes; para los cortesanos, frases brillantes y juegos de artificio verbal; para las inteligencias más reposadas, meditación y reflexión; para marinos y vagabundos de Londres, doble sentido grueso y burlesco; amor para las damas y petimetres; canciones para el conjunto. En la imagen, interior del New Globe Theatre, una reconstrucción moderna del antiguo Globe. Emplazado a unos doscientos metros de la ubicación original, abrió sus puertas en 1997 y se ha convertido en una de las atracciones turísticas más visitadas de Londres.

    First Folio. Shakespeare nunca se preocupó de editar sus obras; no eran más que papeles que circulaban en copias para que los actores preparasen la representación y eran propiedad de la compañía de teatro. En 1623 los intérpretes John Heminge y Henry Condell, escandalizados ante la abundancia de copias piratas y los plagios, publicaron la edición que hoy se conoce como "First Folio": Mr. William Shakespeares [sic] Comedies, Histories, & Tragedies. Published According to the True Original Copies. Es la primera y legendaria reunión de sus obras en el corpus que hemos heredado. Recogidos en este Primer Folio y contrastados con versiones individuales de muchas piezas llamadas quartos, se cuentan treinta y cuatro títulos de Shakespeare, aunque sean treinta y siete obras, ya que Enrique IV se divide en dos partes y Enrique VI en tres.
    Aunque suele clasificarse esta producción en varias etapas, la difícil datación de sus obras y su heterogeneidad hace difícil seguir su evolución. A un primer momento de su producción corresponden diez dramas que reproducen episodios de la historia inglesa, alternándose con comedias. Entre los primeros sobresalen los dedicados a la Guerra de las dos Rosas (1377-1485) que acabó con Ricardo III. Respecto de las comedias, cuya estima ha crecido durante el siglo XX, revelan un cambio de tono muy notorio, desde el entramado convencional y la festiva pirotecnia verbal deTrabajos de amor perdidos o la singularísima El sueño de una noche de verano hasta las más tardías, como El mercader de Venecia, en la que por primera vez chocan proyectos humanos y religiones de modo insalvable, y Medida por medida, donde los cambios de sexo están al servicio de una inquisición severa de las flaquezas ligadas a la ambición. Un segundo momento de mayor madurez se iniciaría con Romeo y Julieta (c.1594) y Julio César (c.1597-1600), seguidas, entre 1601 y 1609, deHamletOteloMacbeth y El rey Lear. Un poco más tarde, en 1606-1608, Antonio y Cleopatra exhibe un tratamiento de llamativa belleza dramática y eficaz construcción de caracteres en el mundo antiguo. Siguió, contemporánea al retiro a Stratford-upon-Avon, La tempestad (1610-1612), considerada la lección definitiva y postrera del genio. Además de este magno conjunto, a Shakespeare se le atribuyó la enigmática obra Timón de Atenas, que hoy se considera de su autoría.

    Shakespedare
    Ilustración de Fernando Vicente

    La edad de oro del teatro europeo
    En el siglo XVII tuvo lugar un importante desarrollo de la dramaturgia europea, sobre todo en Inglaterra, España, Francia e Italia. Las compañías teatrales seguían siendo en su mayoría itinerantes, pero ya a finales del siglo XVI empezaron a establecerse. Las representaciones de aficionados dejaron de tener su antigua importancia, apareciendo la figura del actor profesional, aunque la situación económica y social de las gentes de teatro continuó siendo muy precaria. Si en Italia el actor gozó de cierta consideración, en Inglaterra la tradición puritana se mostró siempre hostil a los que participaban de un arte tan disoluto, mientras que en la católica Francia la Iglesia negaba los sacramentos a los cómicos. La intervención de las mujeres en los escenarios variaba: en Italia y España las actrices eran admiradas, pero en Inglaterra y en Alemania los papeles femeninos eran representados por muchachos.
    Ya desde inicios del siglo XVII, el teatro se desarrolló bajo la protección de reyes y nobles. En Francia, Enrique IV y su esposa María de Médicis invitaron en numerosas ocasiones a compañías italianas, y posteriormente destacó el papel protector del cardenal Richelieu. En Inglaterra, el interés de Carlos I y su esposa, la francesa Enriqueta María, dio un poderoso impulso al género. En Italia las cortes fueron el centro de la actividad teatral, mientras que en Madrid las representaciones reales tuvieron lugar, a partir de 1632, en el palacio del Buen Retiro.

    William Shakespeare
    Hay que subrayar que a lo largo del período se otorgó una creciente importancia a la preceptiva literaria, aplicada con no menos intensidad a las obras teatrales. Las "reglas del arte" puestas en vigor consistieron, principalmente, en la idea de verosimilitud, en el sentido clásico del decorum (cada personaje debía comportarse según su rango social), en la adecuación del estilo al tema (entre los tres niveles posibles: lírico, épico o trágico y cómico o satírico) y, por último, en las "tres unidades" de acción, tiempo y lugar. Esta normativa se basaba en la Poética de Aristóteles, que se convirtió en un texto canónico insoslayable para la estética literaria. Sin embargo, si bien en Francia las reglas tuvieron un carácter cada vez más imperativo, tanto en España como en Italia fueron solamente respetadas pero muy poco acatadas, y en Inglaterra se ignoraron casi por completo.
    La escena inglesa en tiempos de Shakespeare
    A finales del siglo XVI, durante el reinado de Isabel I de Inglaterra, se construyeron en Londres los primeros teatros públicos y estables. Los teatros isabelinos eran construcciones de forma octogonal o circular, hechos de madera, con un patio central a cielo abierto y galerías circundantes. Tenían aproximadamente 25 metros de diámetro exterior y unos diez de altura.
    En el patio, los espectadores permanecían de pie. Sobre la plataforma del escenario, en un piso superior sostenido por columnas, se encontraban las dependencias para la maquinaria de efectos especiales y demás accesorios de la tramoya. Aunque la acción dramática se desarrollaba principalmente en el escenario, una galería situada al fondo del mismo era empleada cuando la escena incluía un balcón (como enRomeo y Julieta) o lo alto de una muralla (como en Macbeth). En algunos teatros, una segunda tribuna más pequeña estaba destinada a los músicos.
    Al fondo del escenario, dos puertas permitían la entrada y salida de los actores. En los teatros más evolucionados se situaba entre ellas un segundo espacio, de reducidas dimensiones, denominado escenario interior. Separado de la plataforma principal por una cortina, este ámbito servía para recrear ambientes específicos, como dormitorios o cuevas. Por medio de las trampillas distribuidas en el suelo del escenario principal se representaban diversos efectos, como sepulcros o apariciones.
    Entre los teatros que se construyeron destacan The Theatre (1576), The Rose (1587), The Swan (1595) y The Globe (1599), que en su forma original o bien reconstruidos permanecieron abiertos en la primera mitad de la centuria siguiente. Hacia 1609 la compañía de Shakespeare se estableció en el teatro privado de Blackfriars, aunque siguió representando en El Globo. Este último, destruido por un incendio, fue edificado de nuevo en 1614.
    La obra de Shakespeare
    Dentro de ese contexto de renacimiento del teatro europeo, la figura teatral indiscutible en Inglaterra fue William Shakespeare. En su trayectoria pueden distinguirse cuatro etapas. A la primera de ellas (hasta 1598 aproximadamente) pertenecen una serie de piezas juveniles en las que Shakespeare se ciñó a las modas vigentes, adaptando los temas al gusto del público. En este período practicó diversos géneros, desde la comedia de enredo (La comedia de los errores) hasta la tragedia clásica de influencia senequista (Tito Andrónico), pasando por el drama histórico (El rey JuanRicardo IIIEnrique IV). Otras obras de este momento inicial, como El mercader de VeneciaLa fierecilla domadaRomeo y Julieta o El sueño de una noche de verano, marcan el inicio de una fase de mayor creatividad.
    En la segunda etapa shakesperiana, que va de 1598 a 1604, se sitúan las piezas que suelen denominarse "obras medias", caracterizadas por un mayor virtuosismo escénico. Entre las comedias sobresalen Las alegres comadres de Windsor y Bien está lo que bien acaba, mientras que los dramas Julio CésarHamlet y Oteloanuncian ya el período siguiente, conocido como el de las grandes tragedias (1604-1608), en las que Shakespeare bucea en los sentimientos más profundos del ser humano: la subversión de los afectos en El rey Lear, la violenta e insensata ambición en Macbeth y la pasión desenfrenada en Antonio y Cleopatra. La fase final (1608-1611) brilla por su última obra maestra, La tempestad, en la que fantasía y realidad se entremezclan ofreciendo un testimonio de sabiduría y aceptación de la muerte.

    Retrato de Shakespeare en la
    primera edición de sus obras
    La división en etapas no deja de ser en realidad una convención didáctica por la imposibilidad de datar cronológicamente muchas de sus obras y por la misma heterogeneidad que se advierte dentro de esas supuestas fases en la evolución de su dramaturgia. Sí se sabe que, ya antes de 1594, había trabado amistad con el joven conde de Southampton, Henry Wriothesley, a quien dedicó sus dos poemas narrativos Venus y Adonis (1593) y La violación de Lucrecia (1594), y la mayoría de los Sonetos (posiblemente los del período 1593-97).
    De poderse atribuir a Shakespeare, según parece, la segunda y la tercera partes de Enrique VI, la primera fecha con que es posible datar su actividad dramática sería el año 1591; en la redacción de este drama se advierten rasgos cómicos y sentimentales que posteriormente habrían de convertirse en característicos del autor. En el curso de este período inicial Shakespeare ensayó, además del drama histórico, entonces muy de moda, la comedia (La comedia de las equivocaciones) y el género dramático de horror, con Tito Andrónico, el primer drama publicado por Shakespeare (anónimo, en 1594). Esta última obra y Ricardo III revelan la influencia de Marlowe, quien, por su parte, parece haber inspirado en Enrique VI suEduardo II. Tal conjunto dramático inicial apenas permite descubrir las huellas de un genio.
    Se cree que Shakespeare pudo haber pasado, parte del período 1592-94 en el norte de Italia (quizá junto al conde de Southampton), por cuanto al reanudarse la actividad en los teatros luego de la peste que por aquel entonces desorganizó el mundo teatral londinense, nuestro autor presentó una serie de dramas de ambiente italiano en los que muestra una significativa familiaridad con ciertos detalles de la topografía local. Es posible, también, que el dramaturgo recibiera tal información de algunos italianos residentes en Londres; conoció, sin duda, a Giovanni Florio (autor de manuales de conversación italiana y de un diccionario italiano-inglés, así como traductor de Montaigne) en casa del conde, su protector. Éste resultó para Shakespeare un generoso mecenas, y, muy posiblemente, su munificencia permitió al poeta adquirir una participación en la compañía.
    Shakespeare dedicó entonces todas sus energías a la composición de dramas, y sólo prosiguió sus actividades de poeta no dramático con algunos sonetos que fueron apareciendo por lo menos hasta 1600 aproximadamente. El periodo situado entre la mitad de 1599 y 1601, o sea entre la marcha del conde de Essex a Irlanda y su fracasada insurrección, coincide con una especie de paréntesis abierto en la inspiración del dramaturgo, el cual, consciente de sus facultades, parece vacilar antes de comprometerlas en empresas de mayor trascendencia que las tres comedias cuyo mismo título podría considerarse indicio de una negligente ligereza:Mucho ruido por nadaComo gustéis y Noche de Epifanía.
    A fines del reinado de Isabel, Shakespeare había desarrollado todas las posibilidades del drama histórico y alcanzado sus más altas cumbres con Ricardo II y Enrique IV, continuación del cual, y también de Enrique V, es la comedia Las alegres comadres de Windsor, que algunos tienden a situar hacia 1598; al mismo tiempo, en su actividad de comediógrafo iba explotando los más exquisitos recursos de un género muy apreciado por el público.
    Sólo como trágico no había manifestado aún la plenitud de su talento, a pesar de la genial transformación de la vieja fórmula senequista de la tragedia de venganza y horror, evidente en Tito Andrónico, y no tanto en Romeo y Julieta, en la que el terror queda velado por la piedad, y en Julio César, obra en la cual, junto a la persistencia de los temas de la venganza y los espectros, se da el carácter de Bruto, que supera ya los límites espirituales de tal género dramático.
    En Hamlet, en cambio, cuya versión original, posiblemente de Kyd, debió de ser un típico drama senequista, la fórmula en cuestión aparece ahogada por la apasionada protesta del protagonista contra los inevitables sofismas del pensamiento, que inducen a ver en las cosas "apariencias", pero no certezas absolutas. En esta obra, cuya nota central se halla en la frase del monólogo del príncipe (act. III, escena I, 85) "los primitivos matices de la resolución se desmayan bajo los pálidos toques del pensamiento", Shakespeare pudo haber experimentado la influencia de la terrible catástrofe de Essex, que ocurrió el mismo año de la composición del drama (1601) y arrastró consigo durante algún tiempo la suerte del protector de Shakespeare.

    Lawrence Olivier dirigió e interpretó Hamlet (1948)
    La compañía de este último, en realidad, participó indirectamente en la conjura al prestarse a representar Ricardo II poco antes del principio de la insurrección; el partido opuesto a Isabel creyó ver un paralelismo entre la soberana y Ricardo: los partidarios de Essex, efectivamente, pretendían adivinar en la escena de la deposición del rey la de la reina. Sin embargo, la compañía del ilustre dramaturgo no se vio perjudicada en absoluto por el descubrimiento de la conjura. Con todo, el adiós de Horacio a Hamlet moribundo ("Feliz noche eterna, amado príncipe; y coros de ángeles arrullen tu sueño") fue interpretado a finales del siglo XVIII por el gran crítico Malone como una alusión a las palabras semejantes pronunciadas por Essex ante el cadalso el 25 de febrero de 1601: "Cuando mi vida se aleje de mi cuerpo, envía a tus bienaventurados ángeles, para que acojan mi alma y la lleven a los goces del Cielo".
    También las comedias escritas por Shakespeare a principios del reinado de Jacobo I, o sea en torno a 1603, revelan un espíritu agitado; la ironía y el disgusto aparecen de varias maneras en Troilo y CrésidaBien está lo que bien acaba y Medida por medida. No hay, empero, ambigüedad en las tres grandes tragedias OteloEl rey Lear y Macbeth, que plantean el misterio de un mal objetivo (El rey Lear, III, 6, 80: "Consideremos, pues, atentamente a Regana, y veamos qué crece en torno a su corazón. ¿Hay, acaso, en la naturaleza una razón que le permita crear corazones tan duros?") y parecen presentar la vida como "un cuento contado por un idiota, lleno de ruido y furia, que nada significa" (Macbeth, V, 5, 27). En las tres tragedias en cuestión las pasiones son presentadas en esencia y atribuidas a caracteres primitivos: Lear y Macbeth son jefes bárbaros pertenecientes a épocas muy remotas, y Otelo es un africano.
    Macbeth influyó en Antonio y Cleopatra, en la que, sin embargo, un halo casi romántico rodea la tragedia de dos amantes de temperamento y mentalidad tan opuestos que sólo a costa del desastre consiguen obtener lo mejor del otro.Coriolano estudia otro carácter primitivo, de una sola pieza y casi pueril en su generoso espíritu, con el cual contrasta el maquiavélico oportunismo de la madre.Timón de Atenas prosigue la amarga sátira de la ingratitud humana que constituyera el tema de El rey Lear.
    Shakespeare, no obstante, dio sólo un esbozo de tal drama, quizá a causa de una crisis o de una enfermedad de las cuales pudiera haber salido con el alma renovada posiblemente por la fe religiosa: en realidad, la concepción del mundo de sus últimas obras dramáticas, y singularmente de La tempestad, puede considerarse cristiana. A fines del siglo XVII el sacerdote Richard Davies declaró que Shakespeare había muerto "papista", o sea en el seno del catolicismo romano; su padre pudo haber sido católico: el nombre de éste figura en una lista de "recusants", o sea de personas, generalmente católicas, que no asistían a las ceremonias de la Iglesia anglicana. Hacia 1610 cabe situar el retorno, de una manera fija, a Stratford, donde Shakespeare pasó tranquilamente los últimos años de su vida; en 1613 escribió, en colaboración con el joven dramaturgo John Fletcher, su último drama, Los dos parientes nobles.
    En 1609, sin su consentimiento, se publicó el conjunto de sus Sonetos, auténtico universo de extraordinario rigor formal y profundidad conceptual, que ha planteado a lectores y eruditos una serie de ininterrumpidas ocasiones para el asombro. Un cuerpo de cincuenta y cuatro sonetos de perfección indiscutible, escritos a lo largo de veinte años, que retomó y modificó la tradición petrarquista, con varios hilos argumentales de enigmática definición: los más tempranos están dedicados a un joven bello y veleidoso a quien la voz poética reprocha el desdén y a la vez aconseja que se case, mientras que un bloque posterior se refiere a una dama morena en la que muchos han querido adivinar otro disfraz de sexo. En cualquier caso, la progresión y extraordinaria calidad del conjunto hacen de éste un mundo de insuperable densidad estética.
    Las grandes tragedias MacbethOteloHamlet y El rey Lear constituyen espejos del mapa entero de la sensibilidad moderna, ya que se edifican en un mundo, el renacentista, en que la presencia divina empieza a menguar. Por primera vez, la duda frente a la identidad, la vejez, la traición, la ambición e incluso la percepción del mal se muestran en su radicalidad humana. Pero eso no explica su calidad única; sucede que esos caracteres y esos conflictos surgen de una capacidad ilimitada para moldear la palabra en todos los planos. No hay fronteras en Shakespeare: bufones y reyes comparten el mismo rango de problemático diseño, de contradictoria y rica existencia social, verbal y moral. Por eso serán Falstaff, el gordo bufón y soldado presente en varias obras, junto con el viejo rey Lear, dos de los puntos extremos del arco de sus caracteres. En términos generales, lo sublime de las obras de Shakespeare es el retrato de unos personajes a los que se llega a definir con precisión matemática, de forma que esa misma ambigüedad colma su carácter de una extraordinaria riqueza de matices. Por medio de la fuerza del lenguaje, los tipos shakesperianos manifiestan las profundidades de su espíritu y se declaran individuos libres, capaces de elegir su propio destino. En este sentido, su obra es tan moderna y está tan abierta a distintas interpretaciones como el Quijote de Miguel de Cervantes.
    Los avatares de la imprenta
    La publicación de sus dramas se hizo sin la participación del autor. Un grupo de editores, poco escrupulosos, dio a la luz textos dramáticos sueltos en cuarto (Quartos), algunos de ellos "buenos", o sea conformes a versiones auténticas y aparecidos con el consentimiento más o menos vago de Shakespeare, y otros "malos"; en cuanto a estos últimos se han supuesto varias procedencias: textos estenográficos, reconstitución de memoria o empleo de copias no revisadas.
    En 1619 Thomas Pavier publicó diez dramas sin autorización, y poco después dos autores colegas del ilustre dramaturgo, John Heminge y Henry Condell, iniciaron una edición completa, que, luego de varias dificultades, vio la luz en 1623, por obra del editor William Jaggard, y es conocida como el primer infolio (First Folio); respecto a dieciocho dramas constituye la única fuente existente y, en cuanto a los restantes, salvo Pericles, ofrece textos si no siempre mejores que los de en cuarto, sí, por lo menos, de importancia fundamental.

    Edición First Folio de su obra (1623)
    La crítica demoledora no ha logrado desechar la convicción según la cual la mayoría de los dramas en cuestión son debidos enteramente a la pluma de Shakespeare, quien, como afirma también la misma opinión, no los habría revisado una vez escritos. Los testimonios de los contemporáneos no permiten creer en pacientes retoques de tales obras por su mismo autor. Con todo, hay que admitir, como es natural, ciertas refundiciones de muchos textos provocados por las necesidades del espectáculo (supresiones e interpolaciones).
    Además de los críticos demoledores, que han pretendido ver en los dramas shakesperianos la colaboración de otros dramaturgos, han aparecido en torno a la obra del gran escritor varios herejes que consideran a Shakespeare actor ignorante y mero testaferro y le niegan, por ello, la paternidad de su producción, la cual, según su criterio, sólo puede ser atribuida a personajes extremadamente cultos, como, por ejemplo, el filósofo Francis Bacon, el conde de Oxford u otros candidatos aún más problemáticos. Los datos acerca de la vida de Shakespeare son, en verdad, áridos, y no parecen corresponder a una personalidad tan grande como la de nuestro dramaturgo; sin embargo, hay que reconocerlos también más abundantes que cuantos poseemos respecto de los otros autores isabelinos en general, salvo, quizá, Ben Jonson.

    OBRAS

    Tragedia

    • Antonio y Cleopatra
    • Coriolano
    • El Rey Lear
    • Hamlet
    • Julio César
    • Macbeth
    • Otelo
    • Romeo y Julieta
    • Tito Andrónico
    • Troilo y Crésida

    Comedia

    • A buen fin no hay mal tiempo
    • Cardenio (perdida)
    • Cimbelino
    • Como gustéis
    • El mercader de Venecia
    • El sueño de una noche de verano
    • La comedia de las equivocaciones
    • La fierecilla domada
    • Las alegres comadres de Windsor
    • La tempestad
    • Los dos hidalgos de Verona
    • Los dos nobles caballeros (atribuida)
    • Medida por medida
    • Mucho ruido y pocas nueces
    • Noche de reyes
    • Timón de Atenas
    • Trabajos de amor perdidos

    Drama histórico

    • King John
    • Ricardo II
    • Enrique IV, parte 1
    • Enrique IV, parte 2
    • Enrique V
    • Henry V
    • Enrique VI, Parte 1 
    • Enrique VI, Parte 2
    • Enrique VI, Parte 3
    • Ricardo III
    • Enrique VIII †

    Otras obras

    • Sonetos
    • Venus y Adonis

    FUENTES


    Gato Barbieri

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    El saxofonista argentino Leonardo “Gato” Barbieri nació en Rosario el 28 de noviembre de 1932 y murió en Nueva York el 2 de abril de 2016.


    Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Abordó también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, y el pop y la fusión a finales de la década de 1970.

    Fue influido por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.

    Es considerado uno de los mejores saxofonistas latinoamericanos de la historia. Entre sus mayores éxitos se encuentran Europa, I want you y Last tango in Paris.





    A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de "Now's the Time" de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continua recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960.

    Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.

    Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci El último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido suramericano más intenso e influido por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera. En 1985 recibió el Premio Konex como uno de los mejores jazzistas de la historia de la Argentina.

    Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.




    DISCOGRAFÍA

    Menorama (private pressing, 1960)
    Gato Barbieri & Don Cherry (1965)
    Togetherness (Don Cherry (jazz), 1965)
    Complete Communión (Don Cherry (jazz), 1966)
    Symphony for Improvisers (Don Cherry (jazz), 1966)
    Obsession con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano (Free-jazz)(1967)
    Hamba Khale (with Dollar Brand, 1968)
    Hamba Khale (with Dollar Brand, 1968)
    Orgasm (Alan Shorter, 1968)
    Communications (jazz album) with the Jazz Composer's Orchestra, (1968)
    Under fire (1969)
    The Third World (1969)
    Liberation Music Orchestra (album) (Charlie Haden, 1969)
    El Pampero (1971)
    Fenix (1971)
    Last Tango in Paris (1972)
    Bolivia (1973)
    Chapter One: Latinoamérica (1973)
    Chapter Two: Hasta siempre (1973)
    Yesterdays (1974)
    Chapter Three: Viva Emiliano Zapata (1974)
    Chapter Four: Alive in New York (1975)
    Caliente (1976)
    I Grandi del Jazz (1976)
    Ruby Ruby (1977)
    Trópico (1978)
    Euphoria (1979)
    Apasionado (1982)
    Bahía (1983)
    Gato ... para los Amigos (1984)
    Passion and Fire (1988)
    Qué Pasa (1997)
    Che Corazón (1999)
    The Shadow of The Cat (2002)





    FILMOGRAFÍA


    Intérprete
    La patota (1960) dir. Daniel Tinayre
    Calle 54 (2000) dir. Fernando Trueba


    Música
    Dar la cara (1962) dir. José Martínez Suárez
    El perseguidor (1965) dir. Osias Wilenski
    El último tango en París (1972) dir. Bernardo Bertolucci
    La guerra del cerdo (1975) dir. Leopoldo Torre Nilsson
    El poder del fuego (1979) dir. Michael Winner
    El beso de un extraño (1983) dir. Matthew Chapman
    Manhattan by Numbers (1993) dir. Amir Naderi
    Seven Servants (1996) dir. Daryush Shokof


    Intérprete de la música

    El perseguidor (1965) dir. Osías Wilenski
    Seven Servants (1996) dir. Daryush Shokof




    Tres álbumes imperdibles

    The Third World (1969)
    Álbum fundacional, comienza a explorar sus raíces latinoamericanas, con una banda que incluye al bajista Charlie Haden y al tecladista Lonnie Smith. Hay versiones de Astor Piazzolla ("Tango"), de las Bachianas Brasileiras de Heitor Villa-Lobos y una inspirada en Atonio Das Mortes, el film de Glauber Rocha.
    Chapter 1: Latin America (1973)
    Aerófonos andinos, arpa india y un personal de lujo (Domingo Cura, el "Zurdo" Roizner, Ricardo Lew, Dino Saluzzi, Horacio Fumero, Quelo Palacios) marcan el sonido selvático y furioso de ese ejercicio de regionalismo crítico que el Gato ideó para su debut en el legendario sello Impulse. Fue grabado en Buenos Aires, en abril de 1973, y producido por Ed Michel.
    Chapter 3: Viva Emiliano Zapata (1974)

    Los arreglos del legendario Chico O'Farrill, pionero del latin jazz, crean un entorno caribeño. Participan, entre otros, Randy Brecker (trompeta), Eddie Martínez (piano), Howard Johnson (tuba), Ron Carter (bajo), Grady Tate (batería) y los percusionistas Ray Armando y Luis Mangual. El repertorio incluye una versión de "Milonga triste" (Piana/Manzi).Tres álbumes imperdibles







    Andrew Wyeth

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    Andrew Wyeth
    DE OTROS MUNDOS

    Andrew Wyeth
    (1917 - 2009)

    Andrew Newell Wyeth (12 de julio de 1917 – 16 de enero de 2009) fue un pintor realista y regionalista estadounidense. Es uno de los más conocidos del siglo XX, comúnmente se le llama el "Pintor del Pueblo" debido a su popularidad entre el público estadounidense. Fue hijo del ilustrador y artista N. C. Wyeth, hermano del inventor Nathaniel Wyeth y de la artista Henriette Wyeth, y padre del artista Jamie Wyeth y Nicholas Wyeth.

    Andrew Wyeth vivió una vida de ensueño, pero enclaustrada. Su mundo se limitaba en gran medida a los dos polos de su existencia - Chadds Ford y Maine, donde el clan de Wyeth posee propiedades en Cushing y Port Clyde, incluyendo varias islas privadas. Él prefirió "profundizar" a la dispersión de sus atenciones a lo largo y ancho. Como tal, él creó el arte de renombre internacional de la vida y los paisajes de estos dos puestos rurales avanzados.

    Casa de Andrew Wyeth

    A pesar de que era un hombre de porte aristocrático, de gran fama, y una considerable riqueza, Wyeth evitó la sociedad, prefiriendo la compañía de la gente sencilla. En Chadds Ford, creó lo que equivale a una novela visual de la vida dura y mísera de la granja de Karl y Anna Kuerner. En Cushing, creó una secuela de Maine de la vida de la solterona Christina Olson y su hermano soltero Alvaro.

    En 1940, Wyeth se casó con Betsy James a la que conoció en 1939 en Maine. Andrew Wyeth murió el 16 de enero de 2009 en el mismo lugar de su nacimiento. Según los informes, falleció en paz mientras dormía a la gran edad de 91 años. Si esto hubiera sido verano, probablemente se habría alejado a Port Clyde, Maine, pero, como era invierno, su lugar de descanso final fue en Chadds Ford, Pennsylvania, la pequeña aldea en la que nació en 1917. Es el artista más famoso y más popular de Estados Unidos, Wyeth era también el más incomprendido.

    El tema principal de sus obras es la tierra y habitantes de su ciudad natal Chadds Ford, en Pensilvania, y de su casa de verano en Cushing, Maine. Una de las imágenes más famosas del arte estadounidense del siglo XX es su obra Christina's Worlds, que actualmente se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.




    Andrew Wyeth


    Muere el pintor Andrew Wyeth a los 91 años

    El artista estadounidense destacó por sus paisajes de la costa este de EE UU

    AGENCIAS Madrid 16 ENE 2009 - 16:19 CET

    Andrew Wyeth, pintor realista estadounidense, ha muerto en su domicilio de Filadelfia a la edad de 91, según ha señalado un portavoz del Museo Brandywine River. Wyeth alcanzó la celebridad como pintor de paisajes, sobre todo del Brandywine Valley, en Pennsylvania (Estados Unidos), y de la costa del Estado de Maine, en obras como Christina's World, su cuadro más famoso.
    Obras suyas cuelgan del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA, en sus siglas inglesas) y del Museo Metropolitano de la misma ciudad. En 1976 ingresó en la Academia de Bellas Artes de Francia. En 1988 recibió la medalla del Congreso de EEUU y en 2007 el presidente de Estados Unidos, George W. Bush, le concedió la medalla nacional de las artes.


    Trodden Weed, estudio

    Trodden Weed


    El fallecimiento de Wyeth "es el fin de una era del arte americano", estimó por su parte Joyce Hill Stoner, miembro de la Fundación Andrew y Betsy Wyeth para el Arte Americano. Stoner añadió que el pintor "continuó envolviendo firmemente sus cuadros con una emoción profunda y metafórica incluso cuando era completamente anticuado en el periodo del arte pop y el expresionismo abstracto".
    En 2007, su cuadro Ericksons fue subastado por 10,3 millones de dólares (unos 7'7 millones de euros), una las mayores cifras jamás pagadas por la obra de un pintor contemporáneo. Además, Wyeth tuvo el honor en 1970 de ser el primer artista en tener una exposición dedicada exclusivamente a su trabajo en la Casa Blanca. En aquella ocasión, el entonces presidente Richard Nixon le describió como un hombre "que ha alcanzado el corazón de América".
    El mundo de Cristina, 1948
    Andrew Wyeth


    Andrew Wyeth, pintor estadounidense

    Su visión de la América rural es a él lo que la urbana a Andy Warhol


    Bárbara Celis
    18 de enero de 2009

    Pocas figuras han sido tan polarizadoras en el mundo del arte como la de Andrew Wyeth. El pintor estadounidense, cuya entrega a una pintura realista cargada de dobleces generó arduas polémicas en el ámbito de la crítica, falleció el pasado viernes a los 91 años en Chadds Ford, Pensilvania.
    Wyeth se hizo inmensamente popular en la década de los cincuenta, cuando el expresionismo abstracto se convirtió en la tendencia imperante en el mundo del arte americano mientras el público aún permanecía atado al gusto por iconografías más realistas. Él escogió el camino opuesto al de Jackson Pollock, Mark Rothko y todos los que revolucionaron el arte americano de la posguerra. Sin embargo, la obra de Wyeth, pese a ser despreciada por muchos de sus contemporáneos de entonces y por algunos de los críticos de la época, siempre fue aclamada por el público. Los expertos del arte, en cambio, siguen sin ponerse de acuerdo sobre su legado.


    El mundo de Cristina, detalle
    Andrew Wyeth

    Este pintor, nacido en el mismo pueblo en el que murió, era el hijo de NC Wyeth, uno de los ilustradores más celebrados de Estados Unidos. Fue él quien le inculcó la pasión por el arte, aunque con métodos no exactamente ortodoxos. "Mi padre me mantuvo encerrado en algo parecido a una cárcel", recordaba en su biografía. Aprendió a dibujar antes que a leer correctamente, y durante su adolescencia ya trabajaba como ilustrador para su padre; sin embargo, no quería seguir sus pasos y pronto empezó a experimentar con las acuarelas y la témpera, para finalmente dar el salto a la pintura. Su primera exposición, organizada en 1936, fue un completo éxito: lo vendió todo.


    Barracoon, 1976

    Barracoon, 1976, detalle

    Pero el cuadro que lo catapultó al estrellato lo pintó en 1948. Cristina's world es el inquietante retrato de una mujer de espaldas que se arrastra por un campo verde. Al fondo se divisa una casa de aire oscuro. La imagen nació de una visión real: la de una mujer, Cristina Olson, paralizada de cintura para abajo y que se negaba a ir en silla de ruedas y a la que conoció de la mano de la que se convertiría en su mujer y sumanager, Betsy James.
    Su fuerte sentido de los negocios y la publicidad impulsó la fama de su marido hasta las alturas, consiguiendo convertirlo en favorito de presidentes -desde Eisenhower hasta Nixon- y en niño mimado de grandes instituciones -desde el Metropolitan hasta el Art Institute of Chicago-.



    Helga

    Su serie Helga Pictures reimpulsó su popularidad en los ochenta, cuando hizo pública una serie de más de 200 retratos que nunca se habían visto y que realizó a lo largo de una década de la que fuera asistenta de su hermana. Estas pinturas siguieron alimentando el debate sobre el valor de su obra. Su particular visión de la América rural es a Wyeth lo que la América urbana es a Andy Warhol.
    * Este articulo apareció en la edición impresa del Domingo, 18 de enero de 2009

    EL PAÍS





    Dambudzo Marechera

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    Dambudzo Marechera

    Dambudzo Marechera
    (1952 - 1987)

    Dambudzo Marechera (Chales William Dambudzo Marechera, 4 de junio de 1952, Rusape, Rodesia, 18 de agosto de 1987,Harare) fue un novelista y poeta zimbabuense.

    Marechera nació en Vhengere, Rusape, Zimbabue (entonces llamado Rodesia), hijo de Isaac Marechera, empleado de un depósito de cadáveres, y de Masvotwa Venenzia Marechera, sirvienta.

    En su novela, The House of Hunger (La casa del hambre, 1978) y en diferentes entrevistas, Marechera solía decir que su padre había muerto “atropellado por un tren del siglo XX”, que “había vuelto a casa con un cuchillo en la espalda” o que “su cuerpo había sido encontrado en el depósito de cadáveres del hospital acribillado a balazos”. Todas estas historias son falsas, pero reflejan cómo Marechera sometía su propia vida a una revisión constante.

    Flore-View Wild, posiblemente la máxima autoridad sobre la obra de Marechera destacó la importancia de la autodestrucción en el joven Marechera a raíz de lo que su hermano Michael le contó. Michael sugería que Dambudzo fue víctima de la crueldad de su madre, y daba a entender que ésta estaba maldita, poseída por algún espíritu. Curiosamente, cuando Marechera volvió de Londres y se convirtió en escritor residente en la Universidad de Zimbabwe, su madre y hermanas intentaron ponerse en contacto con él, pero se negó argumentando que ella había intentado matarle. De hecho, Marechera no volvió a ponerse en contacto con ningún miembro de su familia hasta el día de su muerte.

    Marechera se crio en medio de una atmósfera de discriminación, pobreza y violencia. Fue a la escuela en la misión de San Agustín, Penhalonga, pero tuvo fuertes confrontaciones con sus profesores sobre los planes de estudios coloniales que se impartían en las misiones. Ingresó en la Universidad de Rodesia (ahora Universidad de Zimbabue), pero fue expulsado debido a su participación en las revueltas estudiantiles. Corrió la misma suerte en el New College,Oxford, del cual fue expulsado debido a un comportamiento antisocial y al abandono de la actividad académica.

    En su corta carrera literaria publicó un libro de relatos, dos novelas (una de ellas póstuma), un volumen recopilatorio de obras de teatro y poesía y una colección de poesía.


    Dambudzo Marechera
    Ilustración de Triunfo Arciniegas


    OBRAS
    • Su primer libro, The House of Hunger, es el resultado de un período de desesperación tras su estancia en Oxford. A lo largo de las nueve historias que componen el libro, el narrador describe una infancia y juventud marcadas por la violencia en la Rodesia colonial, con un estilo que denota una gran fuerza emocional y agresividad verbal. Su narrativa se caracteriza por cambios constantes de tiempo y lugar, a la vez que se difumina la barrera entre realidad y ficción. Esta obra está considerada como una de las más representativas de la nueva narrativa africana. Fue galardonada con el “Guardian Fiction Price” en 1979.
    • En 1980 publicó Black Sunlight, que a pesar de haber sido comparada con obras de James Joyce y Henry Miller, no llegó a tener el éxito de The House of Hunger. Es una novela poco estructurada, con un estilo complejo y múltiples digresiones eruditas sobre cuestiones literarias y filosóficas. Marechera analiza el anarquismo como postura intelectual. Su siguiente novela, Black Insider (1990), nos presenta a unos intelectuales refugiados en el edificio de la facultad de bellas artes ante una supuesta guerra. Los personajes debaten entre sí acerca de la identidad africana, la naturaleza del arte, el machismo y las figuras autoritarias del continente africano.
    En el New College de Oxford, Marechera destacó como un alumno sumamente inteligente, pero algo anárquico y con muy poco interés por la vida académica. Marechera ignoraba los programas de sus asignaturas, no le interesaban las lecturas propuestas por sus profesores y leía aquello que más le llamaba la atención. Se ganó una mala reputación en el campus, de provocador y granuja, que no dudaba en pelearse con cualquiera que le llevara la contraria en los pubs de Oxford.
    No están claras cuáles pueden ser las razones: quizás fuera choque cultural o un consumo excesivo de alcohol, pero poco a poco comenzó a tener un comportamiento cada vez más errático, que el psicólogo de la universidad diagnosticó como esquizofrenia. Marechera perdió en cierta manera el control, amenazaba a algunas personas con que las iba a asesinar e intentó prender fuego a la universidad. Llegó a recabar cierta fama por su total falta de respeto ante las autoridades basadas en la superioridad racial o de clase, experiencias muy relacionadas con el tema de su libro Black Sunlight. Después de su intento de quemar la facultad, a Marechera le dieron dos opciones: someterse a un examen mental en un psiquiátrico o ser explusado. Marechera eligió la segunda alegando que no deseaba ser mentalmente violado.
    A partir de este momento Marechera empezó a tener problemas más graves. En Gales estuvo a punto de acabar en la cárcel por posesión de marihuana. Se quedó sin residencia fija y comenzó a vagar por los alrededores de Oxford, durmiendo en casa de amigos. Pasó mucho tiempo en la calle, escribiendo. Su vida de vagabundo le expuso a muchos peligros, fue asaltado en varias ocasiones y tuvo problemas con la policía. Durante este periodo también pasó algunos meses viviendo con la comunidad ocupa de Tolmers Square, en el centro de Londres, donde se cree que escribió su primer libro. De sus experiencias en las universidades de Rodesia y Oxford, de su período vagabundeando por las calles de Inglaterra y Gales fue de donde surgió The House of Hunger, su primera novela. Cuando fue publicada por James Currey, Marechera consiguió cierta repercusión en los círculos literarios ingleses, pero su instinto autodestructivo causaba indignación allá donde iba. En la presentación del libro llegó a lanzar cubiertos contra los invitados debido a una rabieta. Pese a todo, la universidad de Leeds le ofreció una residencia como escritor.
    Tras la publicación de su libro, Marechera pensaba que no se le estaba compensando de manera adecuada por ello, y visitaba constantemente las oficinas de James Curry pidiendo una y otra vez que le pagara los derechos de autor. En entrevistas posteriores a James Curry, este admite que llegó a darle más dinero del que le correspondía, intentando ayudar en lo posible a Marechera. Pese a esto, Marechera vivía en la extrema pobreza, estaba desnutrido y bebía de manera excesiva.
    Algunos amigos y compañeros de Zimbabue como Musaemura Zimunya (poeta), Rino Zhuwarara, Stanley Nyamufukudza (escritor) intentaron ayudarle, pero Marechera, posiblemente muy afectado por el alcoholismo y la esquizofrenia, los rechazaba a todos y los acusaba de entrometerse en su vida, pese a las buenas intenciones de estos. Su excéntrica vida llevó a que muchos africanos, incluidos antiguos compañeros de Zimbabue, considerasen que Marechera no ayudaba a su integración con sus aires de grandeza ante las clases altas británicas, su manera extravagante de vestir etc. Debido a su complejo carácter Marechera fue expulsado en varias ocasiones del Centro Africano, una asociación cultural para el estudio de temas africanos. Existen rumores de que Marechera se casó con una mujer británica durante esta época.
    Marechera volvió a la nueva Zimbabue, ahora independiente, en 1982 para asistir al rodaje de la versión cinematográfica de su obra The house of Hunger. La película no llegó a acabarse debido al fuerte encontronazo entre Marechera y el director. Ya no volvió a Inglaterra, permaneció en Zimbabue, viviendo en las calles de la ciudad de Harare durante cinco años, hasta el día de su muerte debido a una enfermedad pulmonar relacionada con el SIDA.
    • Mindblast; or, The Definitive Buddy (1984) fue escrita el año siguiente a su regreso, componiéndose de tres obras de teatro, una narración en prosa, poemas y un diario. El libro criticaba el materialismo, la intolerancia, el oportunismo y la corrupción que habían aflorado tras la independencia de Zimbabue. Llevaba el debate más allá del nacionalismo, Marechera pretendía una regeneración social de su pueblo. Combinó un profundo auto examen con una fuerte crítica social para hacer un llamamiento a una nueva generación de ciudadanos zimbabuenses que debían buscar nuevos roles dentro de esta nación emergente.
    La poesía de Marechera se publicó póstumamente en el volumen Cemetery of Mind (1992). Al igual que sus relatos, sus poemas reflejan la influencia de los modernistas, desde Arthur Rimbaud y T. S. Eliot hasta Allen Ginsberg y Christopher Okigbo, y confirma su tendencia a la crítica social aguda, a un intenso autoanálisis y a la provocación verbal.
    En una entrevista, Marechera dijo de él mismo: “Creo que soy el doppelgänger del que carecía la literatura africana hasta que yo llegué”. Esta es una valoración certera del papel que juega Marechera al hacer que el lector se mire a sí mismo de nuevo a través de los ojos del otro. Su individualismo, su experimentación estilística y su iconoclastia garantizan que su obra sea imposible de etiquetar: rompe todas las barreras y está en constante cambio.

    Dambudzo Marechera
    Ilustración de Triunfo Arciniegas

    EL LEGADO DE MARECHERA

    El legado de Marechera sigue muy vivo, continúa siendo uno de los escritores más influyentes de la literatura zimbabuense. Desde su muerte, decenas de jóvenes escritores y muchos de sus contemporáneos han escrito numerosos relatos y biografías en torno a su compleja vida y obra.

    En la década de los noventa aparecieron gran cantidad artículos y estudios de su obra de críticos extranjeros, destacando especialmente a Flora Veit-Wild, quien ha escrito diferentes libros sobre su vida y obra.

    En lo que Wild se equivoca es al considerar todas las historias de Marechera como reales. Marechera se inventaba su propia vida, creaba situaciones irreales y contaba historias que nunca había sucedido, cosa que Wild suele tomar como hechos auténticos.

    Recientemente, estudiosos Zimbabuenses han abordado la vida y obra del escritor. Sienten que hasta la fecha el legado de Marechera ha sido usado por los investigadores extranjeros de manera poco fiel y usado en beneficio propio. Aunque Marechera siempre desconfió bastante de sus colegas y estudiosos de Zimbabue y mantuvo posturas bastante encontradas con ellos. Se encontraba mejor entre sus amigos blancos, turistas y admiradores extranjeros que supuestamente se aprovecharon de él y de su situación. La vida de Marechera y su legado son y seguirán siendo una historia inconclusa y llena de interrogantes.





    BIBLIOGRAFÍA

    The House of Hunger (1978)
    Black Sunlight (1980)
    The Black Insider (1990)
    Mindblast; or, The Definitive Buddy (1984)
    Cemetery of Mind (1992)


    Mario Vargas Llosa

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    FICCIONES
    Vargas Llosa / Casa de citas / Medidas urgentes


    DE OTROS MUNDOS
    Vargas Llosa / Los diez mil cubanos
    Vargas Llosa / La tradición es centralista
    Vargas Llosa / ¿Libertad para los libres? / Una recomendación de Günter Grass
    Borges entrevistado por Vargas Llosa
    Vargas Llosa / Julian Assange en el balcón
    Boom latinoamericano / Cincuenta años
    Nuevos autores / Lo que aprendí del Boom
    Vargas Llosa / La muerte lenta del chavismo
    Vargas Llosa / Un escritor en familia
    Sergio Vilela / Esa catedral llamada Mario Vargas Llosa
    Vargas Llosa / La ilusión de vivir como inmortal
    Vargas Llosa / Cuando se arregló Perú
    Pilar Reyes / Sobre El héroe discreto
    Vargas Llosa / El ejemplo uruguayo
    Gabo y Vargas Llosa / Puñetazo y Nobel
    Vargas Llosa / El escritor de verdad es escritor hasta la muerte
    Vargas Llosa / La ofensiva israelí sobre Gaza
    Vargas Llosa / La barbarie taurina
    Vargas Llosa y la tauromaquia / Justificando lo injustificable
    Vargas Llosa y Claudio Magris / La literatura es mi venganza
    Vargas Llosa / La trompeta de Deyá
    Vargas Llosa / La muerte de Aurora Bernárdez
    Vargas Llosa / El fracaso de Ortega y Gasset
    Vargas Llosa / La era de los impostores
    Vargas Llosa / Je suis Charlie Hebdo
    Vargas Llosa / Cuba y los espejismos de la libertad
    Vargas Llosa / Historia de un deicidio / El pasado esplendor
    Vargas Llosa / La libertad en las calles
    Vargas Llosa / la felicidad, ja, ja
    Vargas Llosa / Venezuela al borde del abismo
    Vargas Llosa / La piedad de los murciélagos
    Vargas Llosa / Günter Grass, en la picota
    Vargas Llosa, Marías y Pérez-Reverte / Los secretos
    Vargas Llosa / Cinco esquinas / Así nace el título de una novela
    Vargas Llosa / Las esquinas del tiempo / Así nace el título de una novela
    Vargas Llosa / Llego a los ochenta en un estado maravilloso
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    PESSOA

    RIMBAUD
    BIOGRAPHIES II


    Mario Vargas Llosa

    Jorge Mario Pedro Vargas Llosa

    (Arequipa, 1936)
    (Arequipa, Perú, 1936) Escritor peruano. Con la publicación de la novela La ciudad y los perros (1963), Mario Vargas Llosa quedó consagrado como una de las figuras fundamentales del «boom» de la literatura hispanoamericana de los años 60. Al igual que otros miembros del mismo grupo, su obra rompió con los cauces de la narrativa tradicional al asumir las innovaciones de la narrativa extranjera (William Faulkner, James Joyce) y adoptar técnicas como el monólogo interior, la pluralidad de puntos de vista o la fragmentación cronológica, puestas por lo general al servicio de un crudo realismo.
    Mario Vargas Llosa

    Por otra parte, se deben también al novelista peruano importantes aportaciones críticas y hondas reflexiones sobre el oficio de escribir, como su teoría sobre los "demonios interiores", que intenta explicar la escritura como un acto de expulsión, por parte del creador, de los elementos de la conciencia capaces de incubar perturbaciones que sólo el hecho de escribir puede exorcizar. La concesión del Nobel de Literatura en 2010 coronó una trayectoria ejemplar.
    Biografía
    Mario Vargas Llosa pasó su infancia entre Cochabamba (Bolivia) y las ciudades peruanas de Piura y Lima. El divorcio y posterior reconciliación de sus padres se tradujo en frecuentes cambios de domicilio y de colegio; entre los catorce y los dieciséis años estuvo interno en la Academia Militar Leoncio Prado, escenario de su novela La ciudad y los perros. A los dieciséis años inició su carrera literaria y periodística con el estreno del drama La huida del Inca (1952), pieza de escaso éxito.
    Poco después ingresó en la Universidad de San Marcos de Lima, donde cursó estudios de literatura. Desempeñó múltiples trabajos para poder vivir sin abandonar sus estudios: desde redactor de noticias en una emisora de radio hasta registrador en el Cementerio General de Lima. En 1955, el escándalo que provocó al casarse clandestinamente con su tía política Julia Urquidi (episodio que inspira la novela La tía Julia y el escribidor) agravó aún más su situación, y hubo de recurrir a algunos amigos para aliviar su penosa situación doméstica.
    En la capital peruana fundó Cuadernos de Composición (1956-1957), junto con Luis Loayza y Abelardo Oquendo, y luego la Revista de Literatura (1958-1959), erigiéndose en estas publicaciones como abanderado de un grupo que reaccionaba contra la narrativa social y documentalista de aquel entonces. A finales de los años 50 pudo finalmente viajar y establecerse en Europa, donde empezó a trabajar en la Radio Televisión Francesa y fue profesor en el Queen Mary College de Londres.
    Mario Vargas Llosa

    Publicó su primera obra, Los jefes (1959), con veintitrés años apenas, y con la novela La ciudad y los perros (1963) se ganó ya un prestigio entre los escritores que por aquel entonces gestaban el inminente «boom» literario iberoamericano. Vargas Llosa acabaría figurando entre los autores esenciales de aquel fenómeno editorial, y se le situó por su relevancia en primera línea, junto a narradores de la talla del colombiano Gabriel Garcia Márquez, el mexicano Carlos Fuentes o el argentino Julio Cortázar.
    El éxito de esta novela y el espaldarazo que supuso a su carrera literaria le permitió dejar atrás una etapa de precariedad y bohemia. En el viejo continente, Vargas Llosa estableció su residencia primero en París y luego en Londres (1967), de donde se trasladó a Washington y a Puerto Rico.
    La labor de Mario Vargas Llosa como crítico literario se refleja en ensayos comoGarcía Márquez: historia de un deicidio (1971) y La orgía perpetua: Flaubert y Madame Bovary (1975). En 1976, con José María Gutiérrez, codirigió la versión cinematográfica de su novela Pantaleón y las visitadoras. En 1977 fue nombrado miembro de la Academia Peruana de la Lengua y profesor de la cátedra Simón Bolívar en Cambridge.
    En el terreno político, su ideario sufrió con los años profundas mutaciones. El rechazo visceral a toda dictadura y el acercamiento a la democracia cristiana caracterizaron su juventud; en los años 60 pasó de un explícito apoyo a la Revolución cubana a un progresivo distanciamiento del comunismo y a la ruptura definitiva con el gobierno de Fidel Castro (1971) a raíz del llamado Caso Padilla.
    Vargas Llosa en la campaña presidencial de 1990

    Con el tiempo acabó convertido en un firme defensor del liberalismo, aunque sin renunciar a los avances sociales conseguidos por el progresismo, y en los 80 llegó a participar activamente en la política de su país. Impulsor del partido Frente Democrático, cuyo programa combinaba el neoliberalismo con los intereses de la oligarquía tradicional peruana, Mario Vargas Llosa se presentó como cabeza de lista en las elecciones peruanas de 1990, en las que fue derrotado por Alberto Fujimori.
    Decidió entonces trasladarse a Europa y dedicarse por completo a la literatura; publicó artículos de opinión en periódicos como El PaísLa NaciónLe Monde,CaretasThe New York Times y El Nacional. En 1993 obtuvo la nacionalidad española, y un año después fue nombrado miembro de la Real Academia Española. Mario Vargas Llosa ha sido distinguido, entre otros muchos galardones, con los premios Príncipe de Asturias de las Letras (1986), Cervantes (1994) y Nobel de Literatura (2010). El máximo galardón de las letras universales le llegó como reconocimiento a "su cartografía de las estructuras del poder y sus mordaces imágenes sobre la resistencia, la revuelta y la derrota individual".
    La obra de Mario Vargas Llosa
    Formado en el marco generacional del cincuenta (su primer libro es de 1959: la colección de cuentos titulada Los jefes), Mario Vargas Llosa es uno de los novelistas hispanoamericanos de mayor fama mundial, y acaso el que ha escrito el mayor número de novelas de altísima calidad. Como narrador, Vargas Llosa maduró precozmente: La ciudad y los perros (1963) es la primera novela peruana completamente "moderna" en recursos expresivos. La Casa Verde (1966), Los cachorros (1967) y Conversación en La Catedral (1969) lo ungieron como uno de los protagonistas del «boom» de la novela hispanoamericana de los años sesenta y como el más característicamente neorrealista del grupo, con un virtuosismo técnico de enorme influencia internacional.
    Sus novelas posteriores, excepción hecha de la más ambiciosa de todas, La guerra del fin del mundo (1981, agudo retrato de la heterogeneidad sociocultural de América Latina), abandonaron el designio de labrar "novelas totales" que hasta entonces lo obsesionaba, y optaron por la reelaboración (irónica o transgresora) de formas o géneros subliterarios o extraliterarios, planteando con gran frecuencia una reflexión sobre los límites de la realidad y la ficción que recrea aspectos de la literatura fantástica y el experimentalismo narrativo, sin caer en ellos totalmente: la farsa, en Pantaleón y las visitadoras (1973); el melodrama, en La tía Julia y el escribidor (1977); la política-ficción anticipatoria, en Historia de Mayta (1984); el relato de crimen y misterio, en ¿Quién mató a Palomino Molero? (1986) y Lituma en los Andes (1993); la narrativa erótica, en Elogio de la madrastra (1988) y Los cuadernos de don Rigoberto (1997); y la política, en La fiesta del chivo (2000).
    Obra narrativa
    No cabe duda de que la narrativa ocupa el lugar central de su abundante producción. Su magistral destreza técnica, su capacidad para hacer de cada una de ellas un mundo sólido capaz de autosostenerse y el hecho de otorgar una total autonomía al quehacer narrativo son sus virtudes centrales. En todos sus libros, inclusive los que como Pantaleón y las visitadoras o La tía Julia y el escribidor podrían ser considerados menores, la forma adquiere el más alto grado de importancia.
    Su producción narrativa se inició en 1959 con los cuentos de Los jefes y alcanzó resonancia internacional con la novela La ciudad y los perros (1963, premio Biblioteca Breve de 1962), reflejo y denuncia de la organización paramilitar del Colegio Leoncio Prado, donde el autor había realizado sus estudios secundarios. El ambiente cerrado y opresivo de aquel colegio militar de Lima parece compendiar toda la violencia y corrupción del mundo actual; los "perros" del título son los alumnos del primer año, sometidos a crueles novatadas por parte de los mayores.
    Dejando a un lado su problemática social y ética, la novela muestra una asombrosa madurez por el trazo ambiguo y mudable de los personajes, por la precisa descripción de los ambientes urbanos, por su trama sinuosa y por el hábil tratamiento del tiempo narrativo. Lejos de atenuar, el experimentalismo y la superposición de tiempos, personajes y acciones intensifica su brutal e impactante realismo y el retrato de una violencia explícita o subyacente.
    Mario Vargas Llosa

    Su consolidación literaria llegó con La casa verde (1966), verdadera exhibición de virtuosismo literario cuya prosa integra abundantes elementos experimentales, tales como la mezcla de diálogo y descripción y la combinación de acciones y tiempos diversos. El relato, que transcurre principalmente en un burdel, presenta varias historias paralelas con un montaje sumamente complejo, con yuxtaposición de planos temporales y cambios de punto de vista.
    Tales recursos se emplean también en parte en Los cachorros (1967), cuyo asunto, un internado, nos remite en su fase inicial a la temática de La ciudad y los perros; y en Conversación en La Catedral (1969), amplio retablo histórico-político del Perú (con sugerencias de libelo contra el régimen del dictador peruano Manuel Odría) compuesto a través de los diálogos sostenidos entre un periodista y el guardaespaldas negro de un dictador. Tales diálogos tienen lugar en "La Catedral", nombre del modesto bar de Lima en el que comparten sus vidas fracasadas.
    En las dos novelas siguientes, Vargas Llosa pareció renunciar a los grandes temas para abordar una vía más lúdica, en busca de nuevas posibilidades para su narrativa. Pantaleón y las visitadoras (1973) es una sátira humorística de la burocracia militar que añade a su siempre lúcida visión del poder un componente brutal y grotesco, emparentable con el esperpento hispano. La tía Julia y el escribidor (1977), acaso influida por los relatos del argentino Manuel Puig, desarrolla en contrapunto las vivencias sentimentales y el mundo de los seriales radiofónicos.
    La guerra del fin del mundo (1981), en cambio, pretende ser de nuevo una obra "total". En ella abordó la problemática social y religiosa de Hispanoamérica a través del relato de una revuelta de fondo mesiánico; la obra se inspira en un clásico del periodismo brasileño de principios de siglo, el libro Os Sertões de Euclides da Cunha, a partir del cual reconstruye y elabora la trama novelesca.
    Escritor de oficio y trabajador infatigable, que ha sido galardonado con numerosos premios a lo largo de su carrera, su prosa fue adquiriendo en sus posteriores novelas un tono medio o periodístico, que tal vez suponga cierto descenso respecto a obras anteriores, pero que ha incrementado su audiencia entre el público lector.
    En esa dirección cabe destacar Historia de Mayta (1984), encuesta sobre un antiguo compañero del colegio que, en 1958, protagonizó una sublevación en una localidad andina; ¿Quién mató a Palomino Molero? (1986), que es en sí mismo un proceso narrativo bajo pretexto de una investigación policial; y El hablador (1987), sobre un contador de historias entre las tribus primitivas de Latinoamérica. Esta última obra reveló su fascinación por la tradición oral de la selva, región que siempre ha motivado su imaginación literaria; resulta llamativa tal comunión con las raíces indígenas en un escritor normalmente tan cosmopolita.
    Su novela Lituma en los Andes (1993) mereció el Premio Planeta; un año después recopiló sus colaboraciones periodísticas en Desafíos a la libertad (1994). En 1997 apareció su novela erótica Los cuadernos de don Rigoberto, en la misma línea de su anterior Elogio de la madrastra (1988). En la tradición de la novela de dictadores, Vargas Llosa publicaría también una obra ambiciosa y total, La fiesta del chivo(2000), en la que reconstruye con absoluta maestría la dictadura de Rafael Leónidas Trujillo en la República Dominicana. Seis años después dio a la imprenta Travesuras de la niña mala (2006), una historia entre lo cómico y lo trágico en la que el amor se muestra dueño de mil caras. El héroe discreto (2013) es por ahora su novela más reciente.
    Ensayo y teatro
    Aparte de su obra narrativa, Vargas Llosa ha desarrollado una sostenida labor crítica y es autor de originales y profundos estudios sobre diversos autores y cuestiones literarias. Entre ellos destacan García Márquez: historia de un deicidio (1971), dedicado a una singular interpretación de la obra de Gabriel García Márquez; La orgía perpetua: Flaubert y Madame Bovary (1975); La verdad de las mentiras (1990), una colección de ensayos sobre veinticinco novelistas contemporáneos; La utopía arcaica: José María Arguedas y las ficciones del indigenismo (1996), donde analiza la vida y obra José María Arguedas; Cartas a un novelista (1997), una especie de propedéutica de la novela, dirigida especialmente a escritores jóvenes, yEl viaje a la ficción. El mundo de Juan Carlos Onetti (2008), donde analiza en profundidad la vida y la obra del escritor uruguayo.
    Su incursión en el teatro, aunque menos exitosa, ha sido frecuente: La señorita de Tacna (1981), Kathie y el hipopótamo (1983), La chunga (1986), El loco de los balcones (1993), Ojos bonitos, cuadros feos (1996), Odiseo y Penélope (2007) y Al pie del Támesis (2008) son las piezas dramáticas que ha publicado hasta hoy y en las que explora, preferentemente, destinos individuales. Los tres volúmenes de Contra viento y marea (1983-1990) recogen una selección de sus crónicas, artículos y otros trabajos periodísticos. En 1993 apareció El pez en el agua, libro de memorias en el que traza un doble relato: las peripecias de su campaña presidencial en 1990 y un recuento desde su infancia hasta el momento en que decide partir a Europa para consagrarse a la escritura.




    Universidad parisina La Sorbona rinde homenaje a Mario Vargas Llosa

    Tras ingresar en la mítica colección de literatura La Pléiade


    09:14.
    París, 6 de abril de 2016 


    La reconocida universidad parisina de la Sorbona, rindió homenaje a Mario Vargas Llosa tras haber conseguido formar parte de la legendaria colección de La Pléiade que reúne el canon de la literatura universal y en la que figuran nombres como Cervantes, Shakespeare, Dickens, Flaubert, Kafka o García Lorca, informó el diario El País.

    El peruano es, además, el primer escritor hispanohablante que obtiene este reconocimiento antes de fallecer (Borges murió en 1986 cuando su volumen ya estaba en marcha, pero no se editó hasta 1993).




    Desde finales de marzo, Vargas Llosa forma parte de la colección con un doble volumen que reúne ocho de sus novelas, en su característica encuadernación de tapas de cuero y papel semibiblia. Para celebrar la distinción, la Sorbona organizó un acto de homenaje, junto a la editorial Gallimard y la Casa de América Latina, en uno de los anfiteatros históricos de la Facultad de Letras. 

    Bajo las molduras doradas del lugar y entre imponentes retratos de Racine, Descartes o Molière, Vargas Llosa escuchó declamar fragmentos de La casa verde y La tía Julia y el escribidor, antes de subir al escenario para pronunciar un discurso de agradecimiento a la cultura francesa, a la que consideró responsable de su destino como escritor.

    “Gracias a Francia descubrí qué tipo de escritor quería ser”, expresó Vargas Llosa. “Leer Madame Bovary me cambió la vida. Gracias a Flaubert supe que quería ser un escritor realista, porque su realismo no tenía nada que ver con la vulgaridad o la despreocupación de los autores realistas que yo conocía”. 

    El escritor dijo reconocerse en “la búsqueda fanática de la perfección” que caracterizó a Flaubert, y también con su capacidad de trabajo. “Me hizo entender que, aunque uno no nazca siendo un genio, con constancia y obstinación puede lograr tener algo de talento”, afirmó.

    Vargas Llosa abogó por una literatura “comprometida”, “polémica”, “problemática” y nunca “neutral”. También dijo compartir la “vocación universalista” de muchos autores franceses. “Pese a las diferencias de costumbres y de lenguas, la humanidad tiene un denominador común, que es el que revela siempre la gran literatura”, defendió. 

    “La literatura francesa siempre ha sido una reacción respecto al mundo”, señaló el escritor peruano, que se identificó con su afán “de transformación y de rebelión”.

    El autor también relató cómo descubrió La Pléiade durante los siete años que residió en París, a principios de los sesenta, mientras estudiaba en la Alianza Francesa. “Nunca habría imaginado que un día formaría parte de esa familia de genios". 

    "El día que recibí la carta que me lo comunicaba fue el más feliz de mi vida. Creí que se trataba de una broma”, expresó. Vargas Llosa incluso afirmó sentirse “avergonzado” de figurar “en la misma lista que Proust, Kafka, Sartre, Malraux o Céline”.


    (FIN) EP/MPM




    "La pasión por la literatura, como todos los buenos vicios, se acrecienta con el paso de los años."



    Mario Vargas Llosa





    "Escribir no es un pasatiempo, un deporte. Es una servidumbre que hace de sus víctimas unos esclavos."

    Mario Vargas Llosa



    "Un escritor no escoge sus temas, son los temas quienes le escogen."

    Mario Vargas Llosa



    "Sólo un idiota puede ser totalmente feliz."

    Mario Vargas Llosa



    "Cuando la realidad se vuelve irresistible, la ficción es un refugio. Refugio de tristes, nostálgicos y soñadores."

    Mario Vargas Llosa



    Vargas Llosa 
    en pantalla grande
    Cinco libros del Nobel de Literatura se han convertido en películas. En una de ellas, el actor Keanu Reeves hace de Varguitas

    DORA LUZ ROMERO
    Madrid 28 MAR 2016 - 16:06 COT

    Una carcajada. Esa fue la primera reacción de Mario Vargas Llosa cuando una periodista le preguntó el pasado febrero si sería posible verle actuando en el cine. “Ya no me atrevo a decir de este agua no beberé, pero me parece difícil”, respondió. El Nobel de Literatura, sin embargo, ya ha tomado de esa agua. Lo hizo en 1975, cuando además de codirigir la adaptación cinematográfica de su libro Pantaleón y las visitadoras, tuvo un papel secundario en la película. Con sus novelas, Vargas Llosa—que este 28 de marzo cumple 80 años— ha inspirado siete filmes.
    Los Cachorros fue la primera obra de este escritor peruano adaptada al cine. Se trató de una película mexicana dirigida por Jorge Fons, estrenada en 1973. En el guión de este filme participó el poeta José Emilio Pacheco.


    “Un disparate sobre el que algún día escribiré”
    El famoso libro de Pantaléon y las visitadoras se convirtió en película por primera vez en 1975. Fue dirigida por el propio Vargas Llosa junto a José María Gutiérrez . “Yo tuve una experiencia de las que preferiría no acordarme adaptando una novela mía al cine. El resultado fue una gran catástrofe”, contó entre risas años más tarde el Nobel peruano. “Un disparate sobre el que algún día escribiré una historia”, dijo. En esta producción, Vargas Llosa, además tuvo un rol secundario ante las cámaras. Esta novela tuvo una segunda adaptación en el año 2000, que gozó de mayor éxito y que estuvo bajo la dirección del también peruano Francisco Lombardi. Esta película, que contó con la actuación de la actriz colombiana Angie Cepeda y el peruano Salvador del Solar, es uno de los filmes más taquilleros de la historia de Perú. También fue nominada a Mejor Película extranjera en los Goya.


    Una novela, dos películas
    La ciudad y los perros, la primera novela de Vargas Llosa y con la que fue reconocido a nivel internacional, ha sido adaptada al cine en dos ocasiones. Llegó por primera vez a la gran pantalla en 1985, de la mano del director Francisco Lombardi, quien ha dicho en varias ocasiones que se trató de un filme hecho “con muy poco dinero”. Con esta producción, el peruano logró varios galardones entre ellos el de Mejor Director en el Festival de San Sebastián, España. Además, participó en el Festival de Cannes. Al año siguiente, el director chileno Sebastián Alarcón hizo una segunda adaptación de esta novela, la llamó Jaguar.


    Keanu Reeves hizo de “Varguitas”
    Vargas Llosa llegó a Hollywood. En 1990 se estrenó Tune in Tomorrow, la adaptación cinematográfica de la célebre novela La tía Julia y el escribidor. Fue dirigida por el inglés Jon Amiel y el actor Keanu Reeves—que años más tarde sería reconocido por su papel de Neo en la saga Matrix—hizo de Varguitas (Martín en la película). La tía Julia fue interpretada por Barbara Hershey. Años antes, 1981, fue estrenada en la pantalla chica una telenovela de producción colombiano peruana inspirada en este libro y que llevó el mismo nombre.


    'La fiesta del chivo'
    Luis Llosa, primo del Nobel de Literatura, llevó al cine La fiesta del chivo. Tras su estreno, en 2006, el escritor dijo sentirse satisfecho con la adaptación y que consideraba que la película había sido fiel a su libro. “Aunque el lenguaje del cine y la literatura son distintos por completo”, dijo. La actriz Isabella Rossellini encarna el personaje de Urania Cabral en esta novela que gira en torno a la figura del dictador dominicano Rafael Leónidas Trujillo, interpretado por el actor Tomás Milian.




    Un alto en el camino

    Flaubert decía que “se vive para escribir”. En ochenta años, la mayor parte de ellos dedicados a la escritura, la literatura se funde con la vida























    FERNANDO VICENTE

    Cumplir ochenta años no tiene mérito alguno, en nuestros días cualquiera que no haya maltratado excesivamente su organismo con alcohol, tabaco y drogas lo consigue. Pero tal vez sea una buena ocasión para hacer un alto en el camino y, antes de reanudar la cabalgata, mirar atrás.
    Lo que yo veo son historias, muchísimas, las que me contaron, las que viví, leí, inventé y escribí. Las más antiguas, sin duda, son aquellas que me contaban en Cochabamba la abuelita Carmen y la Mamaé para que fuera tomando la sopa y no me volviera tuberculoso. La tisis era el gran cuco de la época, como lo sería décadas después el sida, al que, ahora, la medicina también ha conseguido domesticar. Pero de cuando en cuando se desatan todavía las pestes medievales que asolan el África, como para recordarnos de vez en cuando que es imposible enterrar del todo el pasado: lo llevamos a cuestas, nos guste o no.
    He conocido en mi larga vida muchas personas interesantes, pero, la verdad, ninguna está tan viva en mi memoria como ciertos personajes literarios a los que el tiempo, en vez de borrar, revitaliza. Por ejemplo, de mi infancia cochabambina recuerdo con más nitidez a Guillermo y a su abuelito, a los tres mosqueteros que eran cuatro —D’Artagnan, Athos, Portos y Aramís—, a Nostradamus y a su hijo y a Lagardère que a mis compañeros del Colegio de la Salle donde, en la clase del hermano Justiniano, aprendí a leer (maravilla de las maravillas).
    Algo parecido me pasa cuando recuerdo mis años adolescentes de Piura y de Lima, donde no hay ser viviente que esté tan vivo en mi memoria como el Jean Valjean deLos miserables cuya trágica peripecia —largos años de cárcel por haber robado un pan— me estremecía de indignación, así como la generosidad de Gisors, el activista de La condición humana que regala su arsénico a dos jóvenes muertos de pavor de que los echen vivos a una caldera y acepta esta muerte atroz, me sigue conmoviendo como la primera vez que leí esa extraordinaria novela.





















    Había mucho de locura en querer ser escritor en el Perú en que yo crecí y descubrí mi vocación

    Es difícil decir la inmensa felicidad y riqueza de sentimientos y de fantasía que me han dado —que me siguen dando— los buenos libros que he leído. Nada me apacigua más cuando estoy en ascuas o me levanta el espíritu si me siento deprimido que una buena lectura (o relectura). Todavía recuerdo la fascinación maravillada con que leí las novelas de Faulkner, los cuentos de Borges y de Cortázar, el universo chisporroteante de Tolstói, las aventuras y desventuras del Quijote, los ensayos de Sartre y de Camus, y los de Edmund Wilson, sobre todo esa obra maestra que es To the Finland Stationque he leído de principio a fin por lo menos tres veces. Lo mismo podría decir de las sagas de Balzac, de Dickens, de Zola, de Dostoiesvki, y el difícil desafío intelectual que fue poder llegar a gozar con Proust y con Joyce (aunque nunca conseguí leer el indescifrable Finnegans Wake).
    Quiero dedicar un párrafo aparte a Flaubert, el más querido de los autores. Nunca olvidaré aquel día, recién llegado a París en el verano de 1959, en que compré en La Joie de Lire, de la rue Saint-Séverin, aquel ejemplar de Madame Bovary, que me tuvo hechizado toda una noche, leyendo sin parar. A Flaubert le debo no sólo el placer que me depararon sus novelas y cuentos, y su formidable correspondencia. Le debo, sobre todo, haberme enseñado el escritor que quería ser, el género de literatura que correspondía a mi sensibilidad, a mis traumas y a mis sueños. Es decir, una literatura que, siendo realista, sería también obsesivamente cuidadosa de la forma, de la escritura y la estructura, de la organización de la trama, de los puntos de vista, de la invención del narrador y del tiempo narrativo. Y haberme mostrado con su ejemplo que si uno no nacía con el talento de los genios, podía fabricarse al menos un sucedáneo a base de terquedad, perseverancia y esfuerzo.
    Había mucho de locura en querer ser escritor en el Perú de los años cincuenta, en que yo crecí y descubrí mi vocación. Hubiera sido imposible que lo consiguiera sin la ayuda de algunas personas generosas, como el tío Lucho y el abuelo Pedro. Y más tarde, en España, sin el aliento de Carlos Barral, que movió cielo y tierra para poder publicar La ciudad y los perros, salvando el escollo de la severa censura de entonces. Y de Carmen Balcells, que hizo esfuerzos denodados para que mis libros se tradujeran y vendieran a fin de que yo pudiera —algo que siempre creí imposible— vivir de mi trabajo de escritor. Lo conseguí y todavía me asombra saber que puedo ganarme la vida haciendo lo que más me gusta, lo que pagaría por hacer: escribir y leer.
    Ya se ha dicho todo sobre esa misteriosa operación que consiste en inventar historias y fraguarlas de tal manera valiéndose de las palabras para que parezcan verdaderas y lleguen a los lectores y los hagan llorar y reír, sufrir gozando y gozar sufriendo, es decir —resumiendo— vivir más y mejor gracias a la literatura.
    Escribí mis primeros cuentos cuando tenía quince años, hace por lo menos sesenta y cinco. Y sigue pareciéndome un proceso enigmático, incontrolable, fantástico, de raíces que se hunden en lo más profundo del inconsciente. ¿Por qué hay ciertas experiencias —oídas, vividas o leídas— que de pronto me sugieren una historia, algo que poco a poco se va volviendo obsesivo, urgente, perentorio? Nunca sé por qué hay algunas vivencias que se vuelven exigencias para fantasear una historia, que me provocan un desasosiego y ansiedad que sólo se aplacan cuando aquella va surgiendo, siempre con sorpresas y derivas imprevisibles, como si uno fuera apenas un intermediario, un correveidile, el transmisor de una fantasía que viene de alguna ignota región del espíritu y luego se emancipa de su supuesto autor y se va a vivir su propia vida. Escribir ficciones es una operación extraña pero apasionante e impagable en la que uno aprende mucho sobre sí mismo y a veces se asusta descubriendo los fantasmas y aparecidos que emergen de las catacumbas de su personalidad para convertirse en personajes.
    “Escribir es una manera de vivir”, dijo Flaubert, con muchísima razón. No se escribe para vivir, aunque uno se gane la vida escribiendo. Se vive para escribir, más bien, porque el escritor de vocación seguirá escribiendo aunque tenga muy pocos lectores o sea víctima de injusticias tan monstruosas como las que experimentó Lampedusa, cuya obra maestra absoluta, El Gatopardo, la mejor novela italiana del siglo XX y una de las más sutiles y elegantes que se hayan escrito, fuera rechazada por siete editores y él se muriera creyendo que había fracasado como escribidor. La historia de la literatura está llena de estas injusticias, como que el primer premio Nobel de literatura se lo dieron los académicos suecos al olvidado y olvidable Sully Prudhomme en vez de Tolstói, que era el otro finalista.
    Quizás sea un poco optimista hablar del futuro cuando se cumplen ochenta años. Me atrevo sin embargo a hacer un pronóstico sobre mí mismo; no sé qué cosas me puedan ocurrir, pero de una sí estoy seguro: a menos de volverme totalmente idiota, en lo que me quede de vida seguiré empecinadamente leyendo y escribiendo hasta el final.




    BIBLIOGRAFÍA

    Novela
    • La ciudad y los perros (1963), Premio Biblioteca Breve y Premio de la Crítica de España
    • La casa verde (1966), Premio Rómulo Gallegos
    • Los cachorros (1967)
    • Conversación en La Catedral (1969)
    • Pantaleón y las visitadoras (1973)
    • La tía Julia y el escribidor (1977)
    • La guerra del fin del mundo (1981)
    • Historia de Mayta (1984)
    • ¿Quién mató a Palomino Molero? (1986)
    • El hablador (1987)
    • Elogio de la madrastra (1988)
    • Lituma en los Andes (1993), Premio Planeta
    • Los cuadernos de don Rigoberto (1997)
    • La Fiesta del Chivo (2000)
    • El paraíso en la otra esquina (2003)
    • Travesuras de la niña mala (2006)
    • El sueño del celta (2010)
    • El héroe discreto (2013)
    • Cinco esquinas (2016)

    Cuento
    • Los jefes (1959); incluye seis relatos:
      • "Los jefes", "El desafío", "El hermano menor", "Día domingo", "Un visitante" y "El abuelo".

    Cuento infantil
    • Fonchito y la luna (2010)
    • El barco de los niños (2014)

    Teatro
    • La huida del Inca (1952; pieza no publicada)
    • La señorita de Tacna (1981)
    • Kathie y el hipopótamo (1983)
    • La Chunga (1986)
    • El loco de los balcones (1993)
    • Ojos bonitos, cuadros feos (1996)
    • Odiseo y Penélope (2007)
    • Al pie del Támesis (2008)
    • Las mil noches y una noche (2009)
    • Los cuentos de la peste (2015)

    Memoria
    El pez en el agua (Editorial Seix Barral, 1993)

    Ensayo
    • Bases para una interpretación de Rubén Darío, tesis universitaria (1958; publicada como libro en 2001)
    • García Márquez: historia de un deicidio (1971)
    • La orgía perpetua. Flaubert y Madame Bovary (1975)
    • La verdad de las mentiras. Ensayos sobre la novela moderna (1990)
    • Carta de batalla por Tirant lo Blanc (1991)
    • La utopía arcaica. José María Arguedas y las ficciones del indigenismo (1996)
    • Cartas a un joven novelista (1997)
    • La tentación de lo imposible (2004)
    • El viaje a la ficción (2008)
    • La civilización del espectáculo (2012)

    Recopilaciones de artículos
    • Entre Sartre y Camus (1981)
    • Contra viento y marea (1962-1982) (1983), ampliación de Entre Sartre y Camus.
    • Contra viento y marea. Volumen I (1962-1972) (1986), primera parte de la ampliación del volumen de 1983.
    • Contra viento y marea. Volumen II (1972-1983) (1986), segunda parte de la ampliación del volumen de 1983.
    • Contra viento y marea. Volumen III (1964-1988) (1990)
    • Desafíos a la libertad (1994)
    • El lenguaje de la pasión (2001)
    • Sables y utopías. Visiones de América Latina (2009)
    • Piedra de Toque. Volumen I (1962-1983) (2012) 120
    • Piedra de Toque. Volumen II (1984-1999) (2012)
    • Piedra de Toque. Volumen III (2000-2012) (2012)

    Reportajes
    • Diario de Irak (2003)
    • Israel/Palestina. Paz o guerra santa (2006)

    Conferencias publicadas como libros
    • Historia secreta de una novela (1971)
    • Literatura y política (2001)
    • Sueño y realidad de América Latina (2009)

    Diálogo
    • La novela en América Latina (1967) (con Gabriel García Márquez)
    • La literatura es mi venganza (2011) (con Claudio Magris)

    Adaptaciones cinematográficas
    • Los cachorros (1967), obra adaptada al cine en 1971 por Jorge Fons, resultando ganadora del Premio del Instituto de Cultura en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 1972.121
    • Pantaleón y las visitadoras (1973), obra llevada al cine en 1975, codirigida por el propio Vargas Llosa y donde interpreta un personaje secundario. Se hizo una segunda película en 1999, esta vez por dirigida por Francisco Lombardi.
    • La ciudad y los perros (1962), versión fílmica dirigida por Francisco Lombardi en 1985.
    • La tía Julia y el escribidor(1977), versión fílmica dirigida por Jon Amiel en 1990.
    • La fiesta del chivo (2000), versión cinematográfica dirigida por Luis Llosa en 2007.




    Guillermo Cabrera Infante

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    Guillermo Cabrera Infante

    FICCIONES
    Casa de citas / Cabrera Infante / Virgilio Piñera
    Casa de citas / Vargas Llosa / El exilio de Cabrera Infante

    DE OTROS MUNDOS



    GUILLERMO CABRERA INFANTE
    (1929-2005)
    (Gibara, Cuba, 22 de abril de 1929 - Londres, 21 de febrero de 2005) 

    Nacido en Cuba en 1929, el escritor cubano Guillermo Cabrera Infante es conocida por muchas obras aclamadas, incluyendo Tres Tristes Tigres. Su literatura menudo dirigida Cuba antes de la revolución, sordidez y todo. Además de escribir literatura, Cabrera Infante fue respetado por las traducciones al español, incluyendo Dublineses, de James Joyce. Fue galardonado con el Premio Miguel de Cervantes en 1997, y murió en Londres, Inglaterra, el 21 de febrero de 2005.
    Antecedentes .
    Escritor Guillermo Cabrera Infante nació el 22 de abril de 1929 en Gibara, Cuba. Crecer pobres, en la década de 1940, se trasladó con su familia a La Habana, donde estudió en la Universidad de La Habana. Su familia durante mucho tiempo había sido miembros del Partido Comunista de Cuba. Cabrera Infante emigró a Inglaterra en 1966, tomando posteriormente la ciudadanía británica. Él era un feroz opositor del régimen de Castro en Cuba.
    Lo más destacado de la escritura de la carrera
    Un crítico de cine, periodista y traductor de James Dublineses de Joyce (1972), Cabrera Infante es conocido sobre todo por su obra de ficción, especialmente Tres Tristes Tigres (1967, publicado en Inglés como Tres Tristes Tigres), una evocación de la vida nocturna de mala muerte en La Habana prerrevolucionaria .
    sougui
    47156293Cabrera Infante regresó a los mismos temas y personajes de su novela 1996, Ella Cantaba Boleros. Otras novelas incluyen la semi-autobiográfica La Habana PARA UN Infante Difunto (1979, publicado en Inglés como el Infierno de Infante). También escribió guiones y adaptada a sus propias Tres Tristes Tigres para la ciudad perdida (2005). Otros créditos literarios incluyen una colección de historias cortas, Así en la paz Como en la guerra (“En la paz como en la guerra”), publicado en 1960; Holy Smoke, una historia del tabaco que se publicó en 1985; y un volumen de ensayos políticos, Mea Cuba (el título se traduce como “Cuba Pisses” y es un juego de palabras con la frase latina “mea culpa”), publicado en 1991.
    Estaba casado con Miriam Gómez.
    Más tarde años.
    En 1997, Cabrera Infante fue honrado con el Premio Cervantes de Miguel, el honor más preciado de España para la literatura en lengua española. Murió el 21 de febrero de 2005, a la edad de 75, en Londres, Inglaterra.


    Guillermo Cabrera Infante

    Muere Guillermo Cabrera Infante 
    [Duke of Tigres]
    BIENVENIDO AL PASADO

    A medida que cumple uno años, y por extraño que parezca, cada vez le cuesta más comprender la diferencia entre los vivos y los muertos, sobre todo cuando el muerto es tan reciente que uno acaba de enterarse de su nueva condición o esfera y además era un amigo, y además un escritor admirado. ¿Cuánto tiempo puede pasar hasta que se acostumbre uno? Según mis experiencias previas, el tiempo pasa y pasa y no se acostumbra uno nunca. O, digamos, no distingue, más aún cuando el vivo-muerto vivía y muere en otra ciudad y otro país que ni siquiera eran enteramente los suyos; cuando de hecho pertenecía al exilio. 

    Guillermo Cabrera Infante, en ese sentido, se había ausentado hace ya mucho de La Habana y de Cuba, lo cual le permitió, posiblemente, escribir el mejor libro sobre esa capital que se conoce, La Habana para un infante difunto: al fin y al cabo, quienes ven con más nitidez -jamás privada de emoción, por eso rondan- son precisamente los fantasmas, quienes están sin estar, o están sólo porque estuvieron intensamente. Él siempre decía que no se había ido del todo gracias a su mujer, Miriam Gómez, la encarnación en Londres de la ciudad perdida, la que le resucitaba a diario el acento y los cuentos. ¿A quién le seguirá ella contando ahora? Tal vez sea ese uno de los pocos elementos que lo obliguen a uno a hacerse a la idea, ver a Miriam Gómez sin Guillermo Cabrera. 

    Porque, por lo demás, ¿cómo lograrlo? Para mí Cabrera Infante estará siempre en Londres, humorístico, afable, inteligente y delicado, acaso el escritor menos engreído, más pendiente de sus amigos, que yo haya tratado. Siempre hospitalario, siempre preocupado por nuestros excesos mucho más que por los suyos, siempre dispuesto a entretenernos con mil anécdotas cinematográficas y mil cuentos cubanos, nunca a ensombrecernos el ánimo, hasta el punto de que cuando en las conversaciones surgía su país natal -lo único que lo nublaba-, procuraba cambiar de tema enseguida, para no extendernos su amargura. Y al cabo de un rato volvía a relatar sus episodios extraordinarios, a menudo tan cómicos o tan truculentos, o tan cómicamente truculentos, desde aquella advertencia misteriosa para que no cogiera uno el metro londinense, "porque estás en el andén y ahora de repente te cortan los pies", hasta la irresistible narración de cómo, en un viaje a Australia, se había visto perseguido por un canguro suelto "homosexualista". 

    Su talento verbal era extraordinario, tanto de viva voz como por escrito, aunque esto último lo sepa cualquiera que haya leído sus libros. Su carácter risueño, pese a que el peso del exilio sobrevolaba un poco siempre en su acogedora casa de Gloucester Road, de una generosidad digna del mayor agradecimiento. Sus "saberes inútiles", que suelen ser los más alegres en toda persona, tan abundantes como los útiles. Me cuesta hablar de él en pasado, apenas me he enterado de que se ha muerto. A lo más que me acostumbraré, supongo, es a pensar más bien que se ha añadido un segundo exilio. O quizá sea, a la postre, que se ha exiliado por fin del que lo ensombrecía a veces. Bienvenido sea Cabrera Infante al pasado, del cual nunca tuvo miedo.

    JAVIER MARÍAS 
    EL PAÍS
    Cultura 22-02-2005
    Guillermo Cabrera Infante
    Ilustración de Fernando Vicente




    El conjunto de su obra es una especie de "collage" de La Habana prerrevolucionaria, además de una síntesis de la ideología del autor; considera que el compromiso no es indispensable para hacer una literatura crítica y que, en ciertas condiciones, el goce estético sirve también para cuestionar los poderes establecidos.

    El erotismo está presente en toda su obra, pero siempre "en función de la parodia y de la risa, cosa que un autor erótico no haría nunca", según dice él mismo. Siendo el cine lo que le atrae e impulsa al comienzo su actividad cultural y periodística, marcha a Hollywood y se convierte en el primer escritor latinoamericano guionista, con títulos como Punto de fuga y Wonderwall. Ejerce también como profesor en las universidades de Virginia y de West Virginia y conferenciante en otras universidades americanas, como la de Oklahoma.



    Muere Cabrera Infante, el mago de la palabra

    El escritor cubano, el gran referente de la disdencia castrista, falleció a los 75 años de edad

    JOSÉ ANDRÉS ROJO Madrid 22 FEB 2005 - 01:13 CET


    Uno de los escritores más brillantes e imaginativos en lengua española falleció ayer en Londres. Desde que en 1964 ganó el Premio Biblioteca Breve por su Tres tristes tigres, Cabrera Infante no dejó de deslumbrar a quienes leían cada nueva obra, en las que los juegos de palabras, el dominio de la lengua y un espléndido sentido del humor encubrían una erudición mucho más rigurosa de lo que podía pensarse. Su largo, y con frecuencia doloroso, exilio de su amada Cuba no le impidió reivindicar los pequeños y grandes placeres de la vida, desde el amor y la música, al cine, los buenos cigarros habanos y la amistad. Deja tras de sí una abundante bibliografía, que justificó sobradamente que en 1997 se le concediera el Premio Cervantes.
    Guillermo Cabrera Infante murió ayer en Londres a los 76 años. Primero fue una operación de corazón, luego se le fastidiaron los riñones y hace poco, una tonta caída y la rotura de cadera que lo devolvió al hospital, con el que se había familiarizado en los últimos tiempos. Su frágil salud no resistió el nuevo descalabro. Se ha ido así un gran virtuoso de la lengua, un hombre ingenioso y travieso que hizo con las palabras lo que quiso, sacando de ellas no sólo el humor que desencadenaban cuando las juntaba, sino también una honda ternura y una fina elegancia para dar cuenta de las viejas historias que afligen y hacen felices a los hombres.
    "Showtime! Señoras y señores. Ladies and gentlemen. Muy buenas noches, damas y caballeros, tengan todos ustedes". Las palabras con las que arranca su libro más famoso, Tres tristes tigres (1967), sirven para definir su literatura. Cuando escribía, Cabrera Infante subía a un escenario para poner a bailar las palabras. Todos sus textos tienen la consistencia de un encadenamiento de solos: imprevisibles, variados, endiabladamente rápidos o contundentes como un sopapo, caprichosos, lentos y melancólicos, pero también desmadejados y caóticos. No es que a Cabrera Infante le gustara la música, es que hacía música.

    La amistad y la noche

    Su pasión fue el cine. Le gustaba decir que lo que hacía eran libros, que él no escribía novelas. Cada rato hablaba de "contar cuentos". Y así es su obra, un paseo por todos los grandes temas. La amistad, la noche, los viejos afanes para salir de la miseria y cambiar de vida, las pequeñas traiciones que llenan la memoria de heridas, la alegría de pasarlo bien, el placer de tantas y tantas anécdotas y situaciones, el amor y los infinitos juegos que ponen en marcha hombres y mujeres para seducirse, el desarraigo, la muerte.
    Nació el 22 de abril de 1929 en Cibara, provincia de Oriente, y fue el hijo mayor de una pareja que había sido de las fundadoras del Partido Comunista de Cuba. Cuando llegó junto a su familia a La Habana, en 1941, quedó fascinado por el vertiginoso ritmo de la ciudad y por la inagotable variedad de las criaturas humanas. Dejó la medicina para empezar a estudiar periodismo en 1950, pero ya le tiraban las aficiones —la literatura y el cine— a las que terminó por dedicarse: en 1952 escribió su primer cuento; en 1954, se convirtió en crítico cinematográfico (firmaba con el seudónimo de G. Caín) de la revistaCarteles. Su primer matrimonio fue en 1953 y tuvo dos hijas (en 1954 y 1958), pero conoció a su gran amor, Miriam Gómez, en 1958 y se casó con ella en 1961 tras divorciarse de su primera mujer. Cuando Cuba dio el gran viraje con la Revolución, allí estuvo Cabrera Infante para construir el hombre nuevo. Fue director del Consejo Nacional de Cultura, ejecutivo del Instituto del Cine y subdirector del diarioRevolución.
    Pero las cosas se complicaron. Su hermano Sabá Cabrera hizo una película —"P. M. dura apenas 25 minutos y es una suerte de documental político, sin aparente línea argumental, que recoge las maneras de divertirse de un grupo de habaneros un día de fines de 1960", escribió GCI— que no gustó a las autoridades, fue tachada de contrarrevolucionaria y prohibida. Hubo polémica en las páginas deLunes de Revolución, y este semanario cultural que había fundado CGI fue obligado en 1961 a cerrar las puertas. Al régimen empezaban a no gustarle las más nimias críticas, y apartaron al joven escritor colocándolo de agregado cultural en Bruselas. Luego se convirtió en encargado de negocios.
    La consagración literaria llegó con el Premio Biblioteca Breve (1964) aTres tristes tigres. El enfrentamiento definitivo con el régimen de Fidel fue en 1965. Regresó al funeral de su madre y fue retenido por el Servicio de Contra-Inteligencia. Salió de la isla, llegó a Madrid y, después, a Barcelona. Las dificultades económicas y la negativa franquista a regularizar su situación lo empujaron a Londres, donde se instaló definitivamente.
    Más allá de la política y del dolor del exilio, lo que siguió adelante fue su obra. En Exorcismos de es(t)ilo (1976) jugó con a literatura; La Habana para un infante difunto (1979) reveló su maestría para el género autobiográfico; Un oficio del siglo XX (1973) reunió sus críticas de cine yMea Cuba (1991), sus artículos políticos; Puro humo (1985.Traducción en 2000) es su homenaje a la lengua inglesa.
    Hubo más libros, guiones (la adaptación de Bajo el volcán, de Lowry, por ejemplo), miles de artículos. En 1997 le concedieron el Premio Cervantes. En una entrevista dijo que quería alinearse junto a Eça de Queiros que había dicho que "él era de esos que pasan por la vida con una carcajada de tránsito". Su risa ahora ha callado. Sigue intacta en su literatura.




    Los restos de Cabrera Infante 

    reposarán en Londres hasta 

    que puedan ser trasladados a Cuba

    César Antonio Molina lamenta la desaparición del "maestro del calambur y de la magia verbal"

    ELPAIS.ES / AGENCIAS Madrid 22 FEB 2005 - 15:17 CET


    Los restos del escritor cubano Guillermo Cabrera Infante, fallecido anoche a los 75 años en Londres, permanecerán en la capital británica "hasta que puedan volver algún día a una Cuba libre", según ha afirmado su viuda, la actriz Miriam Gómez. Cabrera Infante será incinerado en la ciudad en la que vivió desde 1968 y cuya privacidad le permitió escribir siempre sobre Cuba y La Habana, a las que llevaba en el corazón.
    La incineración del cuerpo del escritor se llevará a cabo en "en la intimidad más estricta". Unicamente estarán presentes "su esposa Miriam Gómez, sus hijas Ana y Carola, los esposos de éstas, y sus seis nietos", según fuentes familiares. El escritor -autor entre otras obras de Tres tristes tigresMea Cuba o La Habana para un infante difunto- falleció tras sufrir una caída que le produjo una rotura de cadera, una posterior neumonía y, finalmente, una infección que contrajo en uno de los hospitales donde estuvo ingresado, según Gómez.
    Desde el mundo de la cultura, en especial desde la literatura y el cine, sus dos grandes pasiones, se han sucedido a lo largo de toda la mañana las muestras de dolor y las palabras de elogio para el escritor fallecido, ganador en 1997 del Premio Cervantes, considerado el Nóbel de las letras españolas. El director del Instituto Cervantes, César Antonio Molina, ha manifestado su "profundo dolor" por el fallecimiento del escritor al que ha calificado de "maestro del calambur y de la magia verbal". En un comunicado, Molina ha aludido también al "inmenso talento" del escritor fallecido que "convirtió en una de las obras más profundas de la literatura en español del siglo XX".
    Silencio oficial en Cuba
    Una amigo personal del fallecido, el coordinador editorial del Grupo Santillana Juan Cruz, ha lamentado también la muerte y ha afirmado que "es imposible pensar en Cuba, en la Cuba de cualquier tiempo, sin entender que en cualquiera de las Cubas está la Cuba de Cabrera Infante". Según Cruz, el escritor fallecido "era el hombre que introdujo el ritmo del español cubano en la literatura de su tiempo".
    El escritor Gustavo Martín Garzo ha elogiado la "carnalidad del lenguaje" y las "posibilidades infinitas" que descubrió en la palabra el escritor cubano. "Logró dar al lenguaje esa carnalidad, algo muy del trópico, que cualquier escritor desearía, a través de juegos infinitos, fonéticos de sentidos", ha explicado el escritor vallisoletano, quien recuerda especialmente entre las novelas de Cabrera Infante Tres tristes tigres.
    Desde La Habana, el escritor disidente cubano Raúl Rivero, recientemente excarcelado, ha asegurado que la muerte de Cabrera Infante supone una "pérdida fatal" no sólo para las letras cubanas sino para la literatura en castellano. Rivero ha expresado su "profunda admiración" por la obra del escritor, con quien mantuvo una relación "de amistad y de respeto" durante los últimos años. Las palabras de dolor de Rivero contrastan con el mutismo de los medios cubanos, controlados enteramente por el Estado. Ni Granma ni Juventud Rebelde, los dos grandes diarios de circulación nacional, ni las radios o las televisiones, han hecho ninguna referencia al fallecimiento del escritor, exiliado y enemigo declarado de Fidel Castro.


    CRONOLOGÍA DE OBRAS

    1960.- "Así en la paz como en la guerra"
    1963.- "Un oficio del siglo XX"
    1967.- "Tres tristes tigres"
    1968.- "Wonderwall"
    1971.- "Vanishing Point" - "Punto límite: cero" [guión cinematográfico]
    1974.- "Vista del amanecer en el trópico"
    1975.- "O"
    1976.- "Exorcismos de esti(l)o"
    1978.- "Arcadia todas las noches"
    1979.- "Cuerpos divinos"
    1979.- "La Habana para un infante difunto"
    1984.- "Under the Volcano" - "Bajo el volcán" [guión cinematográfico]
    1985.- "Holy smoke" - traducción al español "Puro humo" (2000)
    1990.- "La próxima luna"
    1992.- "Mea Cuba"
    1995.- "Delito por bailar el chachachá"
    1996.- "Mi música extremada"
    1996.- "Ella cantaba boleros"
    1997.- "Cine o sardina"
    1998.- "Vidas para leerlas"
    1998.- "Cervantes, mi contemporáneo"
    1998.- "Minotauromaquía"
    1999.- "El libro de las ciudades"
    1999.- "Todo está hecho con espejos"
    2005.- "La ciudad perdida" - [guión cinematográfico]

    BIBLIOGRAFÍA COMPLETA




    BIBLIOGRAFÍA
    Así en la paz como en la guerra. (1960)
    un oficio del siglo XX. (1963)
    Tres tristes tigres. (1967)
    Vista del amanecer en el trópico. (1974)
    O. (1975)
    Exorcismo de esti(l)o. (1976)
    Arcadia todas las noches. (1978)
    Cuerpos divinos. (1979)
    La Habana Para un Infante Difunto. (1979)
    Holy smoke: Publicado en castellano Puro Humo (2000). (1985)
    Vista del amanecer en el trópico. (1987)
    La próxima luna. (1990)
    Mea Cuba. (1992)
    Delito por bailar el chachachá. (1995)
    Mi música extremada. (1996)
    Ella canta boleros. (1996)
    Cine o sardina. (1997)
    Vidas para leerlas. (1998)
    Cervantes, mi contemporáneo. (1998)
    Minotauromaquía. (1998)
    El libro de las ciudades. (1999)
    Todo está hecho con espejos. (1999)
    Puro humo. (2000)
    La ninfa inconstante (2008)
    Cuerpos divinos, memorias noveladas (2010)
    Obras completas, I. El cronista de cine. Vol 1, (2012)
    Mapa dibujado por un espía, memorias noveladas (2013)

    PREMIOS
    Premio Biblioteca Breve, de Seix Barral, 1964.
    Premio del Instituto Italo-Latinoamericano de Roma (Instituto Italo-Latinoamericano de Roma) en 1995
    Premio Cervantes, 1997
    Fundación Gabarrón de las Letras en 2003



    Hieronymus Bosch / El Bosco

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    El Bosco, hacia 1550.
    Retrato atribuido a Jacques Le Boucq.

    Hieronymus Bosch

    El Bosco

    (1450 - 1516)
    (Hieronymus Bosch; Hertogenbosch, actual Países Bajos, h. 1450-id., 1516) Pintor holandés. Debe su nombre a su ciudad natal, en la que al parecer permaneció durante toda su vida. Fue hijo y nieto de pintores, por lo que su educación tuvo lugar probablemente en el taller familiar, y realizó un matrimonio ventajoso, que le permitió vivir desahogadamente, entregado a su vocación por la pintura, que le reportaría un gran éxito. No muchos años después de su muerte, personalidades como el rey Felipe II fueron coleccionistas fervorosos de sus obras, que se hallan repartidas por todo el mundo y de las que existe una excelente muestra en el Museo del Prado.
    Aunque se desconoce la cronología de su producción artística, se cree que pertenecen a la primera época sus obras más convencionales, como El charlatán oLa crucifixión. En el centro de su carrera se sitúan sus realizaciones más famosas, una serie de creaciones abarrotadas de figuras, completamente al margen de la iconografía de la época, ambientadas en paisajes imaginarios y repletas de elementos fantásticos y monstruosos, tales como demonios o figuras medio humanas y medio animales, que conviven con figuras diáfanas y paisajes tranquilos y encantadores.
    En esta línea se sitúan los trípticos de Las tentaciones de san AntonioEl carro del heno y El jardín de las delicias, en los que más allá de la fantasía turbulenta y de la dificultosa interpretación de la simbología, triunfan una técnica excelente, fluida y pictórica, y un color brillante, en los que reside buena parte de su belleza.
    Después de estas obras magistrales, en las que algunos intérpretes ven la representación de la locura humana, realizó cuadros más tranquilos y positivos (El hijo pródigo), para cerrar su carrera con una serie de obras sobre la Pasión de Cristo, en las cuales la figura bondadosa del Salvador aparece rodeada de una muchedumbre de seres deformes y de rostros bestiales.


    EL BOSCO

    Jheronimus van Aken, conocido en España como “el Bosco”, nació y vivió en ‘s-Hertogenbosch (Bois-le-Duc), una ciudad al norte del ducado de Brabante, en la actual Holanda, a la que vinculó su fama al firmar sus obras como “Jheronimus Bosch”.
    Su inmensa capacidad de invención queda patente en la renovación que experimenta en sus manos la técnica pictórica, con su personal tratamiento de la superficie, que se suma a la que muestran sus contenidos, en ocasiones difíciles –o casi imposibles- de descifrar, al haberse perdido en nuestro días muchas de las claves para interpretarlas.
    Esta sección, que sitúa al pintor y a su obra en una ciudad que para él fue casi su seña de identidad, está centrada en torno al tríptico del Ecce Homo de Boston, realizado por el taller del pintor para Peter van Os.
    Incorpora obras de artistas que, o bien trabajaron para la ciudad en tiempos del Bosco como los dos relieves del escultor de Utrecht Adriaen van Wessel para el retablo de la capilla de la Cofradía de Nuestra Señora en la iglesia de San Juan (1475-1477), o bien desarrollaron su labor en ella en esos años, como los tres grabados del arquitecto y grabador Alart du Hameel.
    A ellos se suma un grabado de Cornelis Cort con el retrato del pintor, la pintura anónima del mercado de paños en la plaza de ‘s-Hertogenbosch del Noordsbrabant Museum, en la que se puede ver la casa en la que vivió el Bosco, y el manuscrito de los Comentarios de la pintura de Felipe de Guevara de la Biblioteca del Museo del Prado.
    En la época del Bosco, ‘s-Hertogenbosch era una ciudad próspera. La plaza del mercado, en la que el artista residió entre 1462 y 1516, era punto de encuentro de todas clases sociales y escenario de toda suerte de acontecimientos –cotidianos y festivos, religiosos o profanos-, fundamentales en el mundo visual del pintor, que asistió a ellos como espectador privilegiado, desde cas o fuera de ella.
    Prueba del ascenso social del Bosco fue su nombramiento de 1487-88 como hermano jurado de la cofradía de Nuestra Señora, que le puso en contacto con las élites de la ciudad. Recibió así encargos de particulares como Peter van Os, hermano jurado de la cofradía, así como de instituciones eclesiásticas, muy numerosas entonces.
    La ausencia de una tradición local y de un gremio de pintores favoreció que el Bosco creara un estilo original. Aunque partió del arte de los pintores que le precedieron, como Jan van Eyck, rompió con ellos tanto en la técnica como en la iconografía.


    Infancia y vida pública de Cristo

    En torno al tríptico de la Adoración de los Magos del Prado se disponen las Adoraciones de los Magos de Nueva York y Filadelfia y el dibujo de las Bodas de Caná del Louvre, obra de un seguidor, además de un buril de Alart du Hameel.
    En ellas la atención recae en Cristo, de acuerdo con la corriente espiritual de la devotio moderna, que trataba de transmitir a los creyentes el mensaje de la imitación de Cristo.
    El tema más repetido del Bosco es el de la Adoración de los Magos, con el que se expresa la universalidad de la Redención. Los paganos –los Magos- hacen un largo viaje para adorar al Mesías, mientras que los judíos le rechazan.
    Como muestran los temas presentes en las ofrendas y la indumentaria de los Reyes de la Adoración del Prado, el Bosco aboga por un regreso a las fuentes del Antiguo Testamento, que prefiguran el Nuevo, para revitalizar la fe y la piedad cristianas.
    Pese a que en estas obras el artista se encuentra más cerca de la tradición, no duda en reelaborarlas con su personal estilo, incorporando elementos simbólicos en sus fondos y edificios, o la figura del Anticristo en el tríptico del Prado.

    Las tentaciones de San Antonio


    Los santos

    Esta sección, la más numerosa, gira en torno al tríptico de las Tentaciones de San Antonio del Museo de Lisboa, al que se suman las dos Tentaciones de san Antonio del Prado, una original  y otra de taller, y el fragmento de las Tentaciones del Museo de Kansas City, así como el dibujo del Louvre con bocetos para unas Tentaciones de San Antonio.
    Completan la sección los trípticos de Santa Wilgefortis de Venecia y de Job del Museo de Brujas –este último obra de un seguidor- y las tablas de San Juan Bautista del Museo Lázaro Galdiano, de San Juan evangelista del Museo de Berlín, San Jerónimo de Gante y San Cristóbal de Rotterdam y el dibujo con Mendigos y lisiados de la Albertina, de mano de un seguidor.
    El culto a los santos experimentó un gran auge en los tiempos del Bosco, como lo prueba la amplia presencia que tienen en sus obras y en las de su taller, ya sea como protectores o con carácter autónomo. Entre ellos incluyó a Job y a alguno de los apóstoles, honrados entonces como tales. No faltan imágenes de las santas protectoras como santa Inés, santa Catalina o María Magdalena, o titulares como santa Wilgefortis, la virgen barbuda venerada en los Países Bajos.
    Entre los santos –los más numerosos-, algunos gozaban de una gran devoción, como san Cristóbal que defendía de la muerte súbita. Especial protagonismo tienen los ermitaños, cuya vida transcurre al margen de la sociedad, en el desierto, que en esa época era sinónimo de soledad, no de ausencia de vida.
    San Jerónimo, y sobre todo san Antonio Abad –su santo patrón y el de su padre-, son ejemplos para el fiel. Exhortan al autocontrol –especialmente sobre las pasiones de la carne-, a la paciencia y a la constancia frente a las tentaciones del Demonio.
    En el san Antonio de Lisboa los fondos no tienen relación directa con la vida del santo. El Bosco los inventa, se deja llevar por su fantasía, como cuando representa a los demonios.
    El carro de heno


    Del Paraíso al Infierno

    Alrededor del Carro de heno se incorporan, varios trípticos del Bosco en los que el Paraíso y el Infierno aparecen representados en las tablas laterales, aunque varíe la forma de mostrarlos. Tradicionalmente, en la tabla central se incluía el Juicio Final, como sucede en el ejemplar de Brujas. En las Visiones del Más Alláde Viena, más que la visión del infierno, resulta original –y aún sorprendente- la del paraíso, con el túnel de luz deslumbrante que atraviesan los elegidos para llegar al Empíreo.
    En el Carro de heno, por primera vez en una pintura y de manera totalmente original, el Bosco dispuso en el centro del tríptico, entre el paraíso y el infierno, un carro de heno para mostrar cómo el hombre de cualquier clase social, en su afán por dejarse llevar por el goce de los sentidos y el deseo de adquirir bienes materiales, se deja engañar por los demonios que lo conducen al infierno. El carro se convierte en un espejo en el que quien lo contempla ve reflejada su imagen y propone al hombre como lección que, para no condenarse eternamente, no tiene tanto que hacer el bien, como evitar el mal a lo largo de la vida. Se ilustran aquí los exempla contraria, los ejemplos a evitar.
    Junto a ellos, dos dibujos de Berlín, uno con una cabeza andante grotesca y un pequeño monstruo sapo, y el otro, de taller, con una escena infernal que se une al dibujo de Viena, Barco infernal, también de taller.


    EL JARDÍN DE LAS DELICIAS
    Junto a la pintura más emblemática y admirada de este genial artista, se exponen la reflectografía infrarroja y la radiografía de la obra, a menor escala, para que los visitantes puedan apreciar los cambios que el artista realizó desde que inició el dibujo subyacente hasta que concluyó la superficie pictórica, y el extraordinario dibujo del Hombre-árbol de la Albertina.
    La sección se completa con el retrato de su comitente, Engelbert II de Nassau del Rijkmusum de Amsterdam, obra del Maestro de los retratos de príncipes, y El Libro de Horas de Engelbert de Nassaudel Maestro de Viena de Maria de Borgoña de la Bodleian Library de Oxford, así como el manuscrito de Las visiones del caballero Tondal de Simon Marmion del Museo Getty de Los Angeles.

    Radiografía

    La radiografía revela detalles internos del soporte y de la pintura que no se aprecian a simple vista. Al atravesar todas las capas, las escenas del anverso y del reverso de las tablas laterales aparecen superpuestas.
    Durante el proceso pictórico se produjeron cambios y pequeñas rectificaciones. En el Jardín se eliminaron elementos como fruta –quizás una granada- del extremo inferior izquierdo, y se modificaron aspectos del paisaje, como el plano diagonal que emergía por la derecha.
    Sorprendente es también la precisión de los contornos y cómo el Bosco presta especial atención a algunas figuras, como la mujer coronada con cerezas, cuyo rostro repasa insistentemente. En el Infierno se suprimieron objetos y animales fantásticos de gran tamaño, como el anfibio de cuyo cuerpo surge una gran esfera con un hombre en su interior.

    Reflectografía infrarroja

    El dibujo subyacente fue realizado con pincel y a mano alzada sobre la preparación blanca. Muestra los trazos característicos del Bosco, como se aprecia en los rostros, cuyos rasgos se definen con apenas tres líneas para ojos y nariz.
    El dibujo del Paraíso ha sufrido cambios importantes: Adán, Eva y Dios Padre, situados inicialmente en el medio de la escena, se desplazaron hacia abajo. Dios Padre, primero barbado y dirigiéndose a Adán, se representó luego con la apariencia de Cristo y mirando hacia el espectador. Más relevantes aún son las modificaciones que muestra el Jardín: la pareja en la cueva –en el ángulo inferior derecho- y el grupo de mujeres y hombres a su lado –uno de ellos negro-; el jinete que rompe el círculo en torno al estanque y, sobre todo, la falsa fuente de los Cuatro Ríos, al fondo, en el centro.

    El mundo y el hombre: Pecados Capitales y obras profanas


    Esta sección discurre en torno a la Mesa de los pecados capitales del Prado y el tríptico incompleto del Camino de la vida, compuesto por El vendedor ambulante de Rotterdam, La muerte y el avaro de Washington, La nave de los necios del Louvre y la Alegoría de la intemperancia de New Haven.
    Se suman a ellos el dibujo con La escena burlesca con un hombre en un canasto de la Albertina de Viena, así como El prestidigitador del Museo de Saint-Germain-en-Laye, el Concierto en el huevo del Museo de Lille, y el Combate entre Carnaval y Cuaresma del Noordsbrabant Museum de ‘s-Hertogenbosch, estos tres últimos obras de la mano de seguidores del Bosco.

    La pasión de Cristo

    LA PASIÓN DE CRISTO
    Completan la exposición obras relativas a la pasión de Cristo: el Ecce Homo de Frankfurt, la Coronación de espinas de la National Gallery de Londres; los Caminos del Calvario de El Escorial y de Viena, elTríptico de la pasión del Museo de Valencia, obra de un seguidor, y tres dibujos, el Entierro de Cristo del British Museum, dos orientales en un paisaje de Berlín y dos figuras masculinas de una colección privada de Nueva York.
    Además de la representación de pasajes de la Pasión en grisalla en los reversos de la Adoración de los MagosSan Juan Evangelista en Patmos y en las Tentaciones de san Antonio, el Bosco también representó estas escenas de forma autónoma, en pinturas en las que reduce el número de figuras y Cristo dirige su mirada al creyente, interpelándole y despertando en él sentimientos de angustia y compasión, influido por la corriente espiritual que propugnaba la vida ascética y la oración.
    Las tentaciones de San Antonio, detalle
    OBRAS
    La Adoración de los Reyes, obra del círculo del Bosco, 1475 (Nueva York, Museo Metropolitano de Arte).
    Ecce Homo, 1476 o más tarde, (Fráncfort del Meno, Städelsches Kunstinstitut)
    El Jardín de Las Delicias, 1480-1490 (Madrid, Museo del Prado).
    Tríptico del Juicio de Viena, hacia 1482 (Viena, Academia de Bellas Artes)
    San Jerónimo en oración, hacia 1482 (Gante, Museum voor Schone Kunsten)
    Crucifixión con donante (Bruselas, Museos reales de Bellas Artes de Bélgica)
    La coronación de espinas o Los Improperios, hacia 1485 (Londres, National Gallery)
    Los siete pecados capitales, 1485 (Madrid, Museo del Prado)
    Tríptico de la Adoración de los Reyes, 1485-1500 (Madrid, Museo del Prado).
    Tríptico del Juicio de Brujas, hacia 1486, con participación del taller (Brujas, Groeningemuseum)
    San Juan Bautista en meditación, hacia 1489, ala del retablo de la cofradía de Nuestra Señora (Madrid, Fundación Lázaro Galdiano)
    San Juan en Patmos (anverso) e Historias de la Pasión (anverso y reverso), hacia 1498, alas del retablo de la cofradía de Nuestra Señora (Berlín, Staatliche Museen zu Berlin, Preussischer Kulturbesitz, Gemäldegalerie)
    Cuatro postigos con la Visión del Más Allá: El Paraíso terrenal; la Ascensión al Empíreo; la Caída de los Condenados y El Infierno, hacia 1490 (Venecia, Palacio Ducal)
    Tríptico de los ermitaños o El retablo de los eremitas, hacia 1493 (Venecia, Palacio Ducal)
    La muerte de un avaro (Washington, Galería Nacional de Arte, col. Samuel H. Kress)
    Extracción de la piedra de la locura hacia 1494 o más tarde (Madrid, Museo del Prado).
    San Cristóbal (Rotterdam, Museum Boymans van Beuningen)
    La Crucifixión de Santa Julia, hacia 1497, (Venecia, Palacio Ducal)
    Cristo con la cruz a cuestas, hacia 1498 (Madrid, Monasterio de San Lorenzo del Escorial)
    El vendedor ambulante, hacia 1500 (Rotterdam, Museo Boymans Van Beuningen)
    Cristo con la cruz a cuestas (Viena, Kunsthistorisches Museum)
    Las Tentaciones de san Antonio (Madrid, Museo del Prado)
    Tríptico de las Tentaciones de san Antonio, 1501 o más tarde, (Lisboa, Museu Nacional de Arte Antiga)
    El Prestidigitador hacia 1503, con participación del taller, (Saint-Germain-en-Laye, Museo Municipal)
    La Nave de los locos, hacia 1503-1504 (París, Museo del Louvre)
    El Carro de Heno (Madrid, Museo del Prado; obra discutida, según el análisis dendrocronológico se situaría entre 1510 y 1516; otra versión de taller en El Escorial, hacia 1516).
    Cristo con la Cruz a cuestas (El Bosco, Gante) (Museo de Bellas Artes de Gante, Bélgica. Obra debatida, entre 1510 y 1535).
    Tríptico del Diluvio, las tablas laterales de la inundación [2] y del infierno [3], hacia 1515 (Rotterdam, Museo Boymans van Beuningen)
    Dos tablas con representaciones de símbolos religiosos, hacia 1515 (Rotterdam, Museo Boymans van Beuningen) [4] [5]
    Tríptico de los Improperios o de la Pasión (Valencia, Museo de Bellas Artes San Pío V). Realizado entre 1510-1520 por el taller de El Bosco tras su muerte8
    La coronación de espinas (Madrid, Monasterio de San Lorenzo del Escorial. Obra de un seguidor o imitador; el análisis dendrocronológico indica una fecha de ejecución después de 1517.) [7]
    La Adoración de los Reyes hacia 1518, seguidor o imitador del Bosco (Filadelfia, Philadelphia Museum of Art, col. John G. Johnson.)
    Ecce Homo (El Bosco, Filadelfia), Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia. Colección John G. Johnson. Obra incorrectamente atribuida. El análisis dendrocronológico indica que la tabla se pintó después de 1557.



    Mariel Hemingway

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    Mariel Hemingwayt
    Photo by Michel Comte
    Mariel Hemingway
    (1961)

    Hija de Jack Hemingway y nieta de Ernest Hemingway, Mariel Hadley Hemingway nace el 22 de Noviembre de 1961 en Mill Valley, California, fue llamada Mariel, por un puerto pesquero cubano donde su padre y su abuelo solían ir a pescar. Creció en Ketchum, Idaho, donde su padre poseía una granja y su abuelo pasaba gran parte del tiempo escribiendo. Además deKetchum, Mariel pasa su adolescencia entre New York y Los Angeles.


    Inició su carrera como modelo y su primera participación en el cine fue en la película"Lipstick" junto a su hermana Margaux en 1976. A pesar de que la película no fue considerada un éxito, Mariel, con tan solo 15 años, fue nominada a los Globos de Oro (Golden Globes) como mejor debut cinematográfico. En 1979 con 17 años, participa en la película de Woody Allen"Manhattan", en la que hace de amante de Isaac, personaje que interpreta el propio Woody Allen. Su actuación fue recompensada con una nominación como mejor actriz secundaria a los Oscar.


    En su siguiente película en 1982 "Personal Best", interpreta a una atleta bisexual, cuya relación con otra atleta tras cuatro años de relación entra en crisis. Esta película fue el comienzo de su figura como "dykon", convirtiéndola en icono para la comunidad lésbica. Para su siguiente película, en la que interpretaba a Dorothy Stratten, la vida de una estrella de Playboy tuvo que aumentarse la talla del pecho; implantes que fueron retirados posteriormente en 2001 cuando uno de ellos estalló.

    Mariel Hemingway formó parte de la historia televisiva en 1994 cuando intervino en el episodio "Don't Ask, Don't Tell" de la famosa serie "Roseanne". En el episodio el personaje deMariel, Sharon, era una amiga lesbiana de Nancy Bartlett, personaje interpretado por la actriz lesbiana Sandra Bernhard. Durante una fiesta en un bar de ambiente, el personaje de Mariel besa en los labios a Roseanne Barr, protagonista principal de la serie. Este beso fue el primer beso lésbico en un sitcom en prime-time, lo que provocó airadas protestas de grupos religiosos conservadores. La participación de Mariel, hizo que un año después reapareciera como un guiño especial, durante la boda gay de Leon Carp (Martin Mull).

    En la película "The Sex Monster" (1999) interpreta a una mujer casada a quien su marido intenta convencer para mantener un trío con otra mujer. Ese año es nominada a los premios "L.A. Outfest" como actriz destacada. En 2002 interviene en la serie "Crossing Jordan", donde interpreta a Lisa Fromer en el episodio "Scared Straight", donde hace el papel de una consultora sentimental de radio lesbiana, sospechosa del asesinato de su amante y por la que Jordan, la protagonista principal, sentirá cierta "curiosidad". En una de sus últimas películas "In Her Line of Fire" (2006) interpreta a la primera heroína lesbiana.


    Stephen Crisman




    FILMOGRAFÍA

    1976: Lipstick: Kathy McCormick
    1979: Manhattan: Tracy
    1982: Personal Best: Chris Cahill
    1983: Star 80: Dorothy Stratten
    1985: Creator: Meli
    1985: The Mean Season: Christine Connelly
    1987: Amerika: Kimberly Ballard
    1987: Superman IV: The Quest for Peace: Lacy Warfield
    1988: Steal the Sky: Helen Mason
    1988: Sunset: Cheryl King
    1991: Delirious: Janet Dubois/Louise
    1992: Falling From Grace: Alice Parks
    1996: Bad Moon: Janet
    1997: Deconstructing Harry: Beth Kramer
    1999: The Sex Monster: Laura Barnes
    1999: First Daughter: Alex McGregor
    1999: American Reel: Disney Rifkin
    2000: The Contender: Cynthia Charlton Lee
    2001: Perfume: Leese Hotton
    2005: Avión Presidencial 2: Agente Delaney
    2006: In Her Line of Fire: Lynn Delaney
    2007: Nanking como la misionera Minnie Vautrin
    2008: The Golden Boys: Martha
    2008: My Suicide: Charlotte Silver
    2012: Rise of the zombies
    2013: Man Camp
    2014: Lap Dance





    Reinaldo Arenas

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    (1943 - 1990)


    Reinaldo Arenas (16 julio 1943 a 7 diciembre 1990) fue un poeta cubano, novelista y dramaturgo que a pesar de su simpatía a principios de la revolución de 1959, creció crítico y luego se rebeló contra el gobierno castrista.
    Arenas nació en el campo, en la parte norte de la provincia de Oriente, Cuba, y más tarde se trasladó a la ciudad de Holguín. En 1963, se trasladó a La Habana para inscribirse en la Escuela de Planificación y, más tarde, en la Facultad de Letras de la Universidad de La Habana, donde estudió filosofía y la literatura sin completar un grado. Al año siguiente, comenzó a trabajar en la Biblioteca Nacional José Martí. Una vez allí, su talento fue notado y fue galardonado con los premios en el Concurso Nacional Cirilo Villaverde en manos de la UNEAC (Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba). Sus alucinaciones recibió el premio “Mención Honorable primero” en 1966, aunque, como los jueces no pudieron encontrar mejor entrada, no hay primer premio fue otorgado ese año.
    Sus escritos y su estilo de vida abiertamente homosexual eran, en 1967, que le puso en conflicto con el gobierno comunista. Salió de la Biblioteca Nacional y se convirtió en un editor para el Instituto Cubano del Libro, hasta 1968. De 1968 a 1974 fue un periodista y editor de la revista literaria La Gaceta de Cuba. En 1973, fue enviado a prisión después de ser acusado y condenado por “desviación ideológica” y para publicar en el extranjero sin el consentimiento oficial. Se escapó de la cárcel y trató de salir de Cuba con el lanzamiento mismo de la orilla en una cámara de neumático interior. El intento fracasó y fue detenido de nuevo cerca del Parque Lenin y encarcelado en el famoso Castillo de El Morro, junto a asesinos y violadores. Sobrevivió al ayudar a los reclusos a escribir cartas a las esposas y amantes. Él fue capaz de reunir suficiente papel de esta manera continuar con su escritura. Sin embargo, sus intentos de contrabando de su trabajo fuera de la cárcel fueron descubiertos y fue castigado severamente. Amenazado de muerte, se vio obligado a renunciar a su trabajo y fue lanzado en 1976.In 1980, como parte del éxodo del Mariel, huyó a los Estados Unidos. Él vino en el barco San Lázaro capitaneado por inmigrante cubano Roberto Agüero.
    A pesar de su corta vida y las dificultades impuestas durante su encarcelamiento, Arenas producido un importante cuerpo de trabajo. Además de los importantes esfuerzos poéticos (“El Central”, “Leprosorio”), su Pentagonia es un conjunto de cinco novelas que componen una “historia secreta” de la Cuba post-revolucionaria. Incluye Canto del Pozo (en español también titulada “Celestino antes del Alba”), Otra vez el mar (cuya traducción literal es “El Mar una vez más”), el Palacio de las blanquísimas mofetas, el color del verano de Rabelais, y del Asalto . En estos rangos de estilo de las novelas de Arenas de una narrativa realista y cruda de alta prosa experimental moderna en el humor absurdo, satírico. Su segunda novela, alucinaciones (“El mundo alucinante”), vuelve a escribir la historia de la colonia disidente sacerdote Fray Servando Teresa de Mier.
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    En las entrevistas, su autobiografía, y en algunas de sus obras de ficción trabajo en sí, Arenas se basa conexiones explícitas entre su propia experiencia de vida y las identidades y los destinos de sus protagonistas. Como es evidente, y como los críticos, tales como Francisco Soto han señalado, “el niño narrador” en el “Celestino”, de Fortunato “El palacio …”, Héctor “Adiós ..”, y el triple llamado “Gabriel / Reinaldo / Skunk sombrío “personaje en” Color “parece que vivimos etapas progresivas de una historia de vida continua, que también está vinculada a su vez, Arenas own.In, Arenas constantemente enlaces narró su vida individual a la experiencia histórica de una generación de cubanos. Un tema constante en sus novelas y otros escritos es la condena del gobierno de Castro, a pesar de Arenas también critica a la Iglesia Católica, la cultura de EE.UU. y la política, y una serie de personalidades literarias en La Habana como en el internacional, en particular los que él creía que lo había traicionado, y suprimido su trabajo (Severo Sarduy y Ángel Rama, son ejemplos notables). Su “Treinta y truculento trabalenguas”, que según él circuló en La Habana y que se reproducen en “El color del verano”, todo el mundo falso de los amigos personales que le sugiere que puede haber espiado a figuras como Nicolás Guillén, Alejo Carpentier, Miguel Barnet, Sarduy y, por supuesto, el propio Fidel.
    Su autobiografía, Antes que anochezca estaba en la lista del New York Times de los diez mejores libros del año en 1993. En el año 2000 esta obra fue llevada al cine, dirigida por Julian Schnabel, en la que Arenas fue interpretado por Javier Bardem. Una ópera basada en la autobiografía con libreto y música de compositor cubano-estadounidense Jorge Martín fue estrenada por la Ópera de Fort Worth el 29 de mayo de 2010, con el barítono Wes Mason cantando el papel de Reinaldo Arenas. Él se relaciona con Gilbert, Javier Arenas, Armando. Y también está relacionado con Salam Al-Hamza.
    De la Pelicula "Antes que Caiga la Noche"
    De la Pelicula “Antes que Caiga la Noche”
    En 1987, Arenas fue diagnosticado con SIDA, pero él continuó escribiendo y hablando en contra del gobierno cubano. El mentor de muchos escritores exiliados cubanos, incluyendo a John O’Donnell-Rosales. Después de luchar contra el SIDA, Arenas se suicidó tomando una sobredosis de drogas y alcohol el 7 de diciembre de 1990, en Nueva York. En una carta de suicidio escrita para su publicación, Arenas escribió: “Debido a mi delicado estado de salud y de la terrible que me causa no poder seguir escribiendo y luchando por la libertad de Cuba, pongo fin a mi vida …. Quiero animar a la población cubana fuera del país, así como en la Isla para seguir luchando por la libertad … Cuba será libre. yo ya estoy. ”
    Obras notables 
    Notable works
    El mundo alucinante (1966) ISBN 978-84-8310-775-1, OCLC 421023; edición crítica por Enrico Mario Santí, alucinaciones traducción al inglés (2001 original) 
    Cantando en El Pozo (1982) (publicado originalmente como Celestino antes del alba (1967)) Canto traducción en Inglés del Pozo (1987) 
    El palacio de las blanquísimas mofetas (1982) traducción de Inglés El palacio de las blanquísimas mofetas (1990) 
    Otra vez el mar (1982) Adiós Inglés traducción al mar (1987) 
    El color del verano (1982) traducción de Inglés El color del verano (1990) ISBN 978-0-14-015719-2
    El Asalto (1990) traducción de Inglés El Asalto (1992) 
    El portero (1987) traducción de Inglés El portero (1991) 
    De Antes Que anochezca (1992) traducción de Inglés “Before Night Falls” (1993) 

    Pelicula "Antes que Caiga la Noche".
    Pelicula “Antes que Caiga la Noche”.
    Mona y otros cuentos (2001) Esta es una traducción al Inglés de una colección de cuentos publicado originalmente en español en España entre 1995 y 2001
    Con los Ojos Cerrados (1972),
    La vieja Rosa (1980), Traducción Inglés Antiguo Rosa (1989)
    El centro (1981)
    Termina El desfile (1981).
    Arturo, la estrella Más Brillante (1984),
    Cinco Obras de teatro Bajo el título Persecución (1986).
    Necesidad de Libertad (1986)
    La Loma del Ángel (1987), Cementerio Inglés Traducción de los Ángeles (1987)
    Voluntad de Vivir manifestándose (1989)
    Viaje a La Habana (1990). ISBN 978-0-89729-544-4
    Final de las Naciones Unidas cuento (El Fantasma de la Glorieta) (1991) ISBN 978-84-86842-38-3
    Adiós a mamá (1996) 
    Trabajos en Inglés 
    Works in English
    Reinaldo Arenas (de la Serie Mundial de Twayne Autor) / Francisco Soto., 1998
    Reinaldo Arenas: El Soto Pentagonia / Francisco. Gainesville: University Press of, 1994
    La narrativa postmoderna poética del escritor cubano Reinaldo Arenas / C Ileana Zéndegui., 2004
    La fabricación de un autor: el mundo de Reinaldo Arenas en la literatura, sus lectores y otros contemporáneos / Claudio Canaparo, 2000.
    Reinaldo Arenas: la tradición y la singularidad / Francisco Soto, 1988.
    Reinaldo Arenas: la agonía es el éxtasis / Dinora Caridad Cardoso, 1997.
    Cosmopolitismos y América Latina: contra el destino de Lugar / Pérdida de Jacqueline. Nueva York: Palgrave MacMillan, 2005 [Un estudio detallado de Reinaldo Arenas y los aspectos cosmopolitas Diamela Eltit]
    “Lifewriting con una venganza: la Verdad, la subalternidad y la determinación autobiográfica en Reinaldo Arenas de Antes de Que anochezca”, por: Sandro R. Barros, Caribe: Revista de Cultura y Literatura, Verano 2006, 9 (1): 41-56.
    “Un posmoderno ‘Play’ en un decimonónica cubana Classic: Reinaldo Arenas, La Loma del Ángel”, por: HJ Manzari, decimonónica: Diario del siglo XIX la producción cultural hispana, Verano 2006, 3 (2): 45-58.
    “El Molecular Poética de Antes que anochezca”, por: Teresa Rizzo, rizomas: Estudios Culturales en conocimiento emergente, primavera de 2006, 11-12.
    “La parodia y la intertextualidad Queer: una lectura posmoderna de Halley Reinaldo Arenas en El Cometa,” Por: Francisco Soto, en: Ingenschay, Desde Aceras opuestas: Literatura / cultura gay y lesbiana en Latinoamérica. Madrid, España, Frankfurt, Alemania: Iberoamericana; Vervuert, 2006. pp 245-53
    “Revisión del Odyssey tortuosa de la novela picaresca barroca: Reinaldo Arenas El mundo alucinante de” Por: Angela L. Willis, Literatura Comparada, 2005 Invierno; 57 (1): 61-83.
    “Los traumas de Unbelonging: recuperaciones de Reinaldo Arenas de Cuba”, por: Laura Vickroy, Melus: La Revista de la Sociedad para el Estudio de la literatura multiétnica de los Estados Unidos, 2005 Invierno; 30 (4): 109-28 .
    “Escritos difíciles: el SIDA y la estética en la activista Reinaldo Arenas” Antes que anochezca “, por: Diana Davidson, Atenea, 2003 Dec 23; (2): 53-71.
    En Español 
    Works in Spanish
    Reinaldo Arenas: Una apreciación Política / Adolfo Cacheiro, 2000.
    Reinaldo Arenas: Recuerdo y Presencia / Reinaldo Sánchez, 1994.
    La escritura de la memoria: Reinaldo Arenas, Textos, Estudios y Documentación / Ottmar Ette, 1992.
    Reinaldo Arenas: Narrativa de Transgresión / Perla Rozencvaig, 1986.
    La alucinación y los Recursos Literarios en las novelas de Reinaldo Arenas / Félix Lugo Nazario., 1995
    El Círculo del exilio y la enajenación en La Obra de Reinaldo Arenas / María Luisa Negrín., 2000
    La textualidad de Reinaldo Arenas: juegos de la escritura posmoderna / C Eduardo Béjar, 1987.
    Reinaldo Arenas: alucinaciones, Fantasía y Realidad / Julio Hernández-Miyares E, 1990.
    El Desamparado el humor de Reinaldo Arenas / Roberto Valero., 1991
    Ideología y subversión: otra Vez Arenas / Reinaldo Sánchez, 1999.


    Carice van Houten / La Reina Roja

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    DE OTROS MUNDOS

    Carice van Houten
    (1976)

    Carice van Houten nació el 5 de septiembre de 1976 en Leiderdorp (cerca de Leiden) Países Bajos. Su madre, Margje Stasse, actualmente trabaja en el Consejo de la televisión educativa holandesa. Su padre, Theodore van Houten, es escritor y locutor de la televisión holandesa. Ella es la hermana mayor de la actriz y cantante Jelka van Houten. Cursó sus estudios secundarios en el St. Bonifatius College en Utrecht, donde obtuvo el rol protagónico en Tijl Uilenspieghel, de Hugo Claus, dirigida por Ad Migchielsen. En 1995 fue aceptada por la Academia de Drama de Ámsterdam. Ganó varios premios, incluyendo a mejor actriz en Tribeca Film Festival por su papel en Mariposas negras (2011) y cuatro Becerros de Oro a la mejor actriz. Fue elegida ‘Mejor actriz holandesa de todos los tiempos’ por el público de su país en 2008. Su impresionante actuación en la épica de guerra de Paul Verhoeven, El libro negro, marcó el inicio de la brecha internacional de Carice. Luego hace parte del elenco de Valkyrie, de Bryan Singer, con Tom Cruise como protagonista. En el verano de 2011 Carice se une al elenco de la exitosa serie de HBO Juego de tronos.


    Carice van Houten como Melisandre, "La Reina Roja".

    Cuando tenía tan solo 5 años, su padre la llevó a una proyección de Napoleón Bonaparte de Abel Gance, con la cual quedo absolutamente fascinada. Ya a los comienzos de los años 90’ pudo demostrar convincentemente sus talentos actorales en el Colegio Secundario Liceo Bonifatius de Utrecht. Una de sus primeras interpretaciones fue en una obra de teatro muy popular en Europa, una versión teatral de Hugo Claus (Tijl Uilenspieghel).









    En 1995 le ocurrió algo único, fue aceptada por la Academia de drama de Maastricht de Amsterdam y comenzó luego su carrera de TV (Labyrint, VPRO TV en 1997). También fue estudiante de la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Allí fue galardonada con el premio Pisuisse 1999 por ser una de las mejores estudiantes al graduarse. En septiembre de 2000 dio vida al personaje de Polly, una cantante y actriz, en una nueva puesta de la Threepenny Opera, por la que obtuvo fabulosas críticas. Ganó el Pisuisse Award y el Top Naeff Award por esta actuación teatral y otro Golden Calf por su papel en Undercover Kitty (Gatito encubierto) en el año 2001, película basada en la novela de niños Miss Minoes, de Annie MG Schmidt.





    Carice, es una gran admiradora de las películas
    mudas, particularmente de Chaplin.



    Luego de realizar dos temporadas del musical Foxtrt en 2001 – 2002 se ganó al público holandés en esta magnífica producción del teatro de Schmidt.


    En la temporada 2007-2008 Carice desempeña una gran actuación junto a la Actriz Pierre Bokma en Casanova in Bolzano.

    En el año 2006 Carice brilla como cantante Judía en la Película El Libro Negro de Paul Verhoeven, una película aclamada por la crítica internacional. Para El Libro Negro Carice recibe su tercer Becerro de Oro como mejor Actriz. En los Países Bajos el público y la crítica la considero una de las mejores películas de todos los tiempos, es allí donde Carice van Houten lanza su carrera Internacional.

    Primera producción de habla inglesa de Carice es Dorothy Mills (2008), un thriller rodado en Irlanda por el director francés Agnès Merlet. En la película de Ridley, Scott Body of lies, Carice hace el papel de ex mujer de Leonardo Di Caprio, pero lamentablemente sus escenas fueron cortadas. Valkyrie, de Bryan Singer, es la primera producción de Hollywood más importante para Carice; en esta cinta interpreta a Nina von Stauffenberg, la esposa del personaje de Tom Cruise, Claus von Stauffenberg.

    Carice van Houten protagoniza junto a Maggie Smith la historia de fantasmas From Time to Time, Repo Men con Jude Law y la película de terror Garra negra con Sean Bean. También protagonizó el taquillazo holandés Alles is liefd, en la que muestra su gran habilidad para la comedia y De gelukkige huisvrouw por la que recibió su cuarto Premio Becerro de Oro como mejor actriz.



    En 2010 van Houten protagonizó Black Butterflies, por la que fue galardonada como mejor actriz en el Festival de Cine de Tribeca y en Festival de Cine de Holanda.

    En el verano de 2010 van Houten se unió al reparto del thriller Intruders, protagonizado por Clive Owen y Daniel Brühl. Y trabajó en Jackie, una película neerlandesa que está protagonizada por su hermana en la vida real, Jelka, y Holly Hunter.

    Van Houten también es cantante. En 2012 lanzó su álbum de debut “See You On the Ice”. En este álbum críticamente aclamado trabajó con músicos legendarios como Antony Hegarty, Marc Ribot y Howe Gelb.

    En 2010 Carice golpea la pantalla con Mariposas Negras de Paula van der Oest, película holandesa (Black Butterflies, 2011) establece un paralelo entre seres humanos de distinta raza, pero iguales en su lucha por la libertad: De un lado, la artista blanca surafricana que en lo privado libra una batalla para ser reconocida por el padre distante y en lo público alza la voz contra la injusticia; de otro lado, un pueblo negro que se rebela contra un régimen opresor, en el África del Apartheid de los años sesenta. Por la vía artística o política se expresa la inconformidad. La poesía contundente, triste y realista de Ingrid Jonker integra ambas causas y establece un diálogo con la realidad, con el pasado y el presente de su país. Desafía la literatura, la política segregacionista en la figura del padre y los tabúes en diversos aspectos incluyendo el sexual.




    En el verano del 2010 Carice se incorpora al reparto del thriller Intruders (Intrusos) con Clive Owen y Daniel Brühl. Intruders es un thriller hispano-anglosajón dirigido por Juan Carlos Fresnadillo. El guion es del escritor Nicolás Casariego y el director de la misma fue Jaime Marqués. Intrusos se estrena en el año 2012.

    En 2011 Carice se incorpora al elenco de Game of Thrones. (Juegos de tronos). Ella interpreta el papel de Melisandre en la segunda temporada de la exitosa serie de HBO, una seductora mujer con poderes proféticos. Luego del éxito de Juego de Tronos, firma contrato por los siguientes años, y va por la séptima temporada, a estrenarse en 2017.

    Melisandre y Jon Snow
    Juego de tronos
    Carice van Houten
    en Juego de tronos

    El momento más impactante del estreno de la sexta temporada de Game of Thrones (Juego de tronos) fue, sin dudas, la revelación de la verdadera apariencia de Melisandre (Carice van Houten).
    En la escena final de ‘The Red Woman’, tras enterarse de la muerte de Jon Snow (Kit Harington) y su decepción por lo ocurrido con Stannis (Stephen Dillane),Melisandre se quita su ropa y su collar de gargantilla de rubíes para mostrar su verdadero yo: en realidad es una anciana de muy avanzada edad, aunque el misterio en torno a su figura seguía latente. ¿Cuántos años tiene? ¿Quiénes conocen su secreto? ¿Su collar es la fuente es su apariencia juvenil?
    En la saga A Song of Ice and Fire (Canción de hielo y fuego), George R. R. Martin explica que Melisandre puede usar espejismos o ilusiones. Por ejemplo, en A Dance with Dragons (Danza de dragones), la ‘mujer roja’ le dice a Jon Snow “llámalo cómo quieras. Glamour, apariencia, ilusión. R’hllor es el Señor de la Luz, Jon Snow, y se lo da a sus servidores para tejer, como otros tejen con hilo” y poco después señala que los objetos con una fuerte conexión con una persona ayudan a crear espejismos mucho más potentes. Entonces, ¿por sus palabras puede interpretarse que su collar de rubíes es la clave de falso aspecto? En Game of Thrones, la sacerdotisa siempre lleva puesta esta joya, salvo durante el baño que se da frente a Selyse Baratheon (Tara Fitzgerald) en la cuarta temporada.


    Entendido todo este preámbulo, The Huffington Post buscó a la actriz Carice van Houten para conocer la verdad, respondiendo esta que “bueno, sí”, la magia de su juventud radica en su collar. Sin embargo, ¿cómo se explica lo sucedido con Selyse? ¿Acaso ella ya conocía el verdadero aspecto de Melisandre en su condición de devota del Señor de la Luz? Para muchos, la esposa de Stannis sí vio a la ‘mujer roja’ como una anciana desnuda y por eso apenas podía levantar la cabeza delante suyo.
    En 2012, Carice van Houten había adelantado que Melisandre tenía más de 100 años. Es decir, los devotos de R’hllor quizá ya sabían su secreto. Además, los showrunners David Benioff y Dan Weiss indicaron que Game of Thrones ya había ofrecido “algunas pistas” sobre la edad de Melisandre antes de la sexta temporada. Asimismo, es conocido que ambos guionistas suelen esconder detalles que se hacen relevantes más adelante.

    De todos modos, la edad precisa de Melisandre todavía es un misterio, aunque se llegó a decir que tiene unos 400 años.





    MELISANDRE Y LA RESURRECCIÓN
    DE JON SNOW

    Una de las grandes revelaciones de esta temporada y uno de los momentos más esperados por los fans finalmente ha sucedido: Jon Snow está de regreso. Y aparentemente traerlo de vuelta tomó mucho trabajo, según ha comentado Carice van Houten, la actriz encargada de interpretar a Melisandre en el drama de HBO, a EW.
    De acuerdo a las declaraciones de la actriz, la escena final de 'Home' (6x02)pasó por un rodaje muy intenso con el director Jeremy Podeswa deseando obtener cada toma perfecta. Lo que supuso horas de rodaje limpiando y tocando el cadáver de Jon Snow, mientras Kit Harington yacía desnudo sobre una mesa.


    "Se tardó muchísimo en resucitarlo, ¡muchísimo!", ha señalado van Houten. "Era una escena muy importante y la rodamos desde ángulos distintos. Creo que lavé su cuerpo unas cincuenta veces. Hay mucha gente que estaría muy celosa, incluyendo a mi madre y a mi hermana. Yo estuve bromeando sobre eso con él. 'Si solo mi madre pudiera ver esto' y a él le encantaba", continúa la actriz.



    Harington, por su lado, declaró a EW que no tenía ninguna queja acerca de pasar dos episodios tumbado, especialmente cuando sus días en el set de rodaje involucraban escenas de acción en las que la temperatura era bastante baja."Fueron dos episodios muy fáciles, me encantó", ha dicho el actor. "Estaba en una habitación caliente, lo cual es bastante inusual para mí". En cuanto a los cuidados que van Houten le presta a su personaje en dicho episodio, el actor ha explicado que fue una experiencia "muy extraña, como el sueño húmedo de un adolescente".

    En su país natal, Holanda, 
    Carice van Housten se ha convertido 
    en una de las actrices más queridas.


    Después de la Reina Madre y de Máxima Zorreguieta, Carice van Houten es la mujer más popular de Holanda.  El director Paul Verhoeven la descubrió para el mundo en El libro negro y Juego de tronos confirmó sus encantos.


    Filmografía

    IVORY GUARDIANS (1998)
    SUZY Q (TV, 1999)
    STORM IN MIJN HOOFD (2001)
    AMNESIA (2001)
    UNDERCOVER KITTY (2001)
    HET EVERZWIJN (2002)
    FATHER’S AFFAIR (2003)
    BLAK SWANS (2005)
    LEPEL (2005)
    BONKERS (2005)
    BLACK BOOK (2006)
    LOVE IS ALL (2007)
    HORTON HEARS A WHO! (2008)
    SINGING INTHE DARK (2008)
    DOROTHY MILLS (2008)
    VALKYRIE (2008)
    FROM TIME TO TIME (2009)
    LOVE LIFE (2009)
    THE HAPPY HOUSEWIFE (2010)
    REPO MEN (2010)
    BLACK DEAT (2010)
    LEGEND OF THE GUARDIANS: THE OWLS OF GA’HOOLE (2010)
    BLACK BUTTERFLIES (2011)
    INTRUDERS (2012)
    GAME OF THRONES TEMPORADA 2, (2012)
    GAME OF THRONES TEMPORADA 3, (2013)
    GAME OF THRONES TEMPORADA 4, (2014)
    GAME OF THRONES TEMPORADA 5, (2015)
    GAME OF THRONES TEMPORADA 6, (2016)





    Dorothy Parker

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    (1893 - 1967)

    (West End, 1893 - Nueva York, 1967) Escritora estadounidense. Espíritu versátil y brillante, escribió artículos para Vogue, y ejerció la crítica literaria y teatral en Vanity Fair y en The New Yorker. Publicó tres volúmenes de poesía (Enough Rope, 1926;Sunset Gun, 1928; Death and Taxes, 1931), reunidos en 1936 en un único volumen, Not So Deep a Well. Una de sus obras, Big Blonde, ganó el Premio O'Henry al mejor cuento del año. También realizó varios reportajes desde España durante la guerra civil.
    Escribió guiones para películas junto con su marido Alan Campbell, y dos dramas también a cuatro manos: Close Harmony or the Lady Next Door (1929), con E. Rice, y The Ladies of the Corridor (1953), con A. D'Usseau. Vivió y trabajó en el ambiente intelectual más vivaz de su tiempo (en Nueva York, durante la década de 1920, en Hollywood durante la de 1930 y, más tarde, de nuevo en Nueva York), y se convirtió en una figura destacada, casi legendaria por su humor cáustico y por la rapidez de sus réplicas.
    En sus obras observa con agudeza las relaciones personales, afectivas y sociales, consideradas siempre como difíciles, frustrantes o incluso imposibles. Sus breves poesías, de tono ligero, casi burlón, sus divertidos bocetos y sus cuentos son de hecho concisas representaciones de momentos de incomprensión, de soledad o de estúpida insensibilidad. Cabe citar también su obra Aquí yace (Here Lies, 1939).



    Uno de sus relatos más conocidos apareció en Bookman Magazine bajo el título Big Blonde, (La gran rubia o Una rubia imponente). Fue galardonado con el prestigioso Premio O. Henry como el cuento más sobresaliente de 1929. Este relato, entre otras obras maestras del género, sería seleccionado por Augusto Monterroso para su célebre Antología del cuento triste


    LA SEÑORA PARKER Y EL CÍRCULO VICIOSO

    La señora Parker y el círculo vicioso es una película estadounidense de 1994. Fue escrita y dirigida por el director Alan Rudolph y protagonizada por la actriz Jennifer Jason Leigh, en el papel de la escritora norteamericana Dorothy Parker.

    La película gira en torno a la vida, la carrera y los romances de la señora Parker (1893-1967), que fue una narradora y periodista de agudo ingenio, también ardiente defensora de los derechos sociales.

    Dorothy Parker fue un miembro original de la asociación Algonquin Round Table, un grupo de escritores, actores y críticos que se reunieron entre los años 1919 y 1929 en el "Hotel Algonquin" de Manhattan, lo cual aparece reflejado en la película.

    Muchos actores importantes tienen papeles protagonistas o cameos en la película, actores que no formaban parten del castingoriginal; conforme crecía el número de actores, crecía el número de tramas, por lo que el reparto quedó muy ampliado.

    Wikipedia



    Dorothy Parker


    Enrique Vila-Matas
    2 de agosto de 2000

    A Dorothy Parker la llamaban en el Nueva York de los años veinte la gran moderna, se adelantó a su tiempo, era de carácter indomable y lengua afilada, fumadora empedernida y extraordinaria bebedora de whisky, feminista, izquierdista (precursora del radical chic), culta y de escritura exquisita. A Dorothy Parker le sentaba bien esta frase de su amigo Scott Fitzgerald: "Cuando oscurece, siempre necesitamos a alguien". A Dorothy Parker le gustaba vivir en el hotel Algonquin, de la calle 44 Oeste, donde todos los días, cuando oscurecía, pedía hielo y White Rock y bajaba a la tertulia de la célebre Mesa Redonda de escritores, donde ella ejercía de Ginebra en aquella especie de Camelot literario de su ciudad."Prefiero vivir en un hotel", decía, "porque sólo necesito espacio para tener un sombrero y algunos amigos". Los amigos lectores de Dorothy Parker se han sacado el sombrero al unísono para celebrar la publicación de esta espléndida biografía de Marion Meade, te ofrece también el retrato de una generación literaria que vivió siempre esperando algo emocionante: conversación animada, alegría, escritura del ingenio, intercambio de ideas sin inhibiciones.

    EL PAÍS




    “Soy una vagabunda y lo seré siempre”


    Tres intentos de suicidio. Dos matrimonios. Dos divorcios. Un alcoholismo que la hacía la chica más divertida del Hotel Algonquin. Y una soledad que ocultó tras un humor cáustico. Eso y más en este perfil de una gran escritora.


    2010/03/15

    POR MARÍA ALEJANDRA PAUTASSI

    Dorothy Parker nunca se la llevó bien con la autoridad. Cuando la Metro Goldwyn Meyer la contrató en 1937 para terminar el guión de You Can Be Beautiful, la historia de una empresaria basada en la vida Elizabeth Arden, ella escribió un final en que la heroína era bella e infeliz (no bella y feliz como debía ser en cine). Sam Goldwyn, como era de esperarse, perdió la paciencia. “¡Maldita sea, Dottie! Tú y tus malditas bromas sofisticadas. Eres una gran escritora… Tienes un gran talento y eres una gran mujer, pero no tienes una gran audiencia ¿y sabes por qué? Porque no quieres darle a la gente lo que desea”. Ella, con la impasible dulzura de toda una dama, le respondió que la gente no sabía lo que quería hasta cuando se lo daban, y continuó: “Sé que lo que voy a decirle le sonará extraño, señor Goldwyn, pero entre todos los miles y miles y millones de seres humanos que abarca la historia de la humanidad, ni uno solo ha tenido un final feliz”. Hablaba desde el pesimismo –la única posición ideológica que defendió toda su vida– y lo decía, claro, por el destino que se había labrado.
    Para entonces Dorothy Parker era una leyenda. Había publicado cuatro libros de poesía (Enough Rope [Suficiente cuerda], Sunset Guns [Pistolas del atardecer],Sonetos en torno al suicido o la vida de John Knox, y Death and Taxes [Muerte e impuestos]), y cientos de cuentos en The New Yorker, Vanity Fair, Harper’s Bazaar yEsquire. Se había hecho un nombre como la crítica de teatro que hacía temblar a los directores de Broadway cuando la veían entrar a una obra, se la conocía como la reina madre de la legendaria Mesa Redonda del Hotel Algonquin, la voz más ácida que había producido la Nueva York de los movidos años veinte, e incluso se decía que era la mujer más inteligente en Estados Unidos. Tal era su fama, que para los años cuarenta se habían estrenado tres obras de teatro que se basaban en su vida: Here Today. A comedy of Bad Manners [Aquí y ahora, una comedia de malos modales], que desató la furia crítica de Dorothy (el título habla por sí mismo); Merrily we Roll Along [Felizmente rodamos juntos], “cuya protagonista era una alcohólica a la que se podía hablar como un hombre”, según George Kauffman, el director; y Over Twety-one [Después de los 21] sobre su relación con Alan Campbell, el guapo guionista con el que estuvo casada más de diez años y cuyo único defecto era ser 11 años menor que ella.
    El interés por su vida personal no era de extrañar. Por la misma época, Dorothy llevaba a cuestas dos matrimonios y más de doce amantes conocidos (y otros tantos por conocerse), tres intentos de suicidio (lo que más le dolía, según dijo, era que no hubieran sido exitosos), tres abortos (el tercero causado por unos tumores en el ovario que atinó a comparar con “un jardín de rocas donde había plantadas cuantas flores se mencionan en las obras de Shakespeare”) y una afición a la bebida que le añadía un toque de glamour a la leyenda. El suyo era un destino que no sorprendía a nadie. Ni a ella misma, que hacia 1930 había escrito en tono profético: “Dicen de mi, y así debe ser / que difícilmente terminaré bien”. Una consigna personal a la que sería fiel hasta sus últimos años. “Soy una vagabunda y pienso seguir siéndolo siempre”, se disculpó ante sus amigos y conocidos cuando ya casi una anciana, a los 65 años, regresó por tercera vez a la casa de Campbell.
    El nombre de Dorothy empezó a sonar en los círculos literarios de Nueva York a finales años 20 por sus ocurrencias que hacían desternillar de risa hasta a los más escépticos intelectuales del hotel Algonquin, y se mantuvo con la publicación deEnough Rope [Suficiente soga] en 1927, una serie de poemas satíricos sobre la muerte y el suicido. El crítico de The Nation escribió que “la cuerda ha sido trenzada con un humor cortante, endurecida con visos de desilusión y oscurecida con un espléndido y auténtico humor negro”. El crítico literario de The Bookman, John Farrar, fue más enfático: para él, Dorothy era “una gigante de las letras norteamericanas posada en la cima de su disciplina”. Con las buenas críticas, por supuesto, vinieron las malas y no faltaron reseñistas que dijeran que sus versos eran frívolos, escandalosos y efectistas, de miras cortas y de un humor fácil. Una impresión que acompañaría su obra hasta bien entrados los años 60. Al final de su vida se oía decir que Dorothy “no era más que una simple niñita judía que trataba de ser lista”. Por suerte, la aceptación crítica nunca se reflejó en las ventas de sus libros, aunque Goldwyn opinara lo contrario.
    Dorothy, sin embargo, nunca fue buena para las críticas y a partir de entonces siempre dudo de ser “una escritora seria”. De inmediato empezó a escribir su primera novela, La soledad de las parejas, y a publicar cuentos que la hicieron pasar a la historia como la mujer que mejor retrató su tiempo. Cuentos cuyo realismo revela, por medio de la sátira, la crueldad, el racismo, el clasismo y el desprecio de los seres humanos, la angustia y la soledad en sus personajes femeninos, la debilidad y mezquindad de los poderosos. Nadie se salva de su ironía: hombres y mujeres llevan por igual. Los intelectuales, los críticos, los escritores con su característica arrogancia no se escapan de su sarcasmo. Su blanco solía ser quienes se tomaban demasiado en serio. El suyo era un ingenio que revelaba las más sutiles contradicciones. Las propias, incluso, con las que fue más despiadada.
    En “Mrs. Carrington y Mrs. Crane”, un cuento de 1933, Parker lleva la soberbia de las neoyorquinas cultas al extremo. “El vacío –tuvo que decirle la señora Carrington–. Y la tontería. Y el eterno chismoseo, chismoseo y más chismoseo. Y las conversaciones de la ropa que tienen y la que van a tener. Pues ya estoy harta, eso es todo. No gracias, querida, no puedo comerme otro sánduche; empezaré a rodar mañana con los que llevo”. Ella misma, por supuesto, era neoyorquina, ni qué decir culta, se conocía su debilidad por la ropa cara, y por la época se la veía en las fiestas sentada en un rincón con una copa de martini en la mano rajando de la frivolidad de quienes la rodeaban. Tal como el anónimo escritor de “He’s charming”: “Dios estoy cansado –dijo el escritor–. Estoy muerto. Una fiesta terrible en la que estamos. La gente es terrible. Todo el mundo aquí es terrible. Hay mucho piojo”.
    Tras la leyenda que construyó en torno suyo y el implacable humor que la hizo famosa, Dorothy escondía un miedo al abandono y necesidad de aprobación. La soledad, la angustia y la dependencia emocional son tema de cuentos como “El último té”, “Nueva York-Detroit”, “The Garter”, “La llamada”, “Sentimiento” y “La gran rubia”, el más conocido de todos de sus cuentos, donde narra cómo Hazel Morse, “la gran rubia”, planea su suicidio con veronal y fracasa (el mismo método que Dorothy había utilizado en 1926, después de que Eddie Parker, su primer marido, la dejara). Sus personajes solían ser mujeres atormentadas, emocionales, que terminan solas, olvidadas y que no pueden levantarse de la cama por las más diversas razones: principalmente el guayabo. Aunque también había crisis nerviosas, sedantes, abortos e intentos de suicidio –una imagen de la enfermedad y la muerte bien distinta a la de sus antecesoras románticas–. Mujeres todas, cuya soledad y debilidad era blanco de las pullas de Dorothy, pero que sumadas hacen un buen retrato de lo que fue su vida en la entreguerra.
    A pesar de su precoz interés por la muerte, de haberla imaginado, de jugar con su idea durante más de cincuenta años y ensayarla en más de una ocasión, Dorothy Parker murió de un ataque de corazón en junio de 1967. La última gran ironía de su vida quizá fue esa: no morir por su propia mano, ni de la forma que quería, sino como una dama de sociedad a cuyo funeral asistieron 150 personas. La profunda soledad que la atormentó toda su vida, sin embargo, la acompañó hasta la añorada tumba y más allá: sus cenizas permanecieron en un archivador de la oficina de los abogados que se encargaron de su testamento hasta 1988.



    BIBLIOGRAFÍA
    • Enough Rope (1926)
    • Sunset Gun (1927)
    • Close Harmony (1929) (teatro)
    • Laments for the Living (1930)
    • Death and Taxes (1931)
    • After Such Pleasures (1933)
    • Collected Poems: Not So Deep As A Well (1936)
    • Here Lies (1939)
    • The Portable Dorothy Parker (1944)
    • The Ladies of the Corridor (1953) (teatro)
    • Constant Reader (1970)
    • A Month of Saturdays (1971)
    • Not Much Fun: The Lost Poems of Dorothy Parker (1996)


    Keira Knightley

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    DE OTROS MUNDOS


    DRAGON

    BIOGRAPHIES II


    Keira Knightley 

    Keira Christina Knightley 

    (1965)



    La bella y talentosa Keira Knightley nació el 26 de marzo de 1985 en Londres, Reino Unido.



    Hija de la dramaturga Sharman MacDonald y del actor Will Knightley. Su madre tiene origen escocés y galés.

    Iba a ser llamada "Kiera", como una patinadora rusa, pero su madre escribió mal el nombre en el registro. Tiene un hermano mayor, Caleb.

    Fue diagnosticada con dislexia cuando contaba seis años.

    Vivió en Richmond y asistió a a la Stanley Junior School, Teddington School y el Esher College.

    Se apuntó a clases de danza para introducirse en el mundo de la interpretación. Según fue creciendo pedía insistentemente a sus padres que le consiguieran un representante que la introdujera en la televisión. A los seis años comenzó a aparecer en algunos programas. En 1994, con tan solo nueve años, llegó su debut en la gran pantalla interpretando a Natasha Jordan en Dos mujeres. En 1999 realiza un papel secundario en Star Wars. Episodio 1: La amenaza fantasma. En 2001 actuó junto a Thora Birch en The Hole, una película de terror para adolescentes. Un año después trabajó en Quiero ser cómo Beckham, un filme con el que logró los elogios de la crítica.

    La fama y el reconocimiento mundial le llegó en 2003 al encarnar a Elizabeth Swann en Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra, junto a junto a Johnny Depp y Orlando Bloom. Además, se la pudo ver en películas tan taquilleras como Love actually (2003) o El Rey Arturo (2004) de Antoine Fuqua. En 2011 estrena A Dangerous Method, de David Cronenberg, junto a Viggo Mortensen y Michael Fassbender. La película se basa en la relación de Carl Gustav Jung y Sigmund Freud. En 2012, rueda la comedia Seeking a friend for the end of the world. También participó en la adaptación de la novela de León Tolstói Anna Karénina, que se estrenó el 7 de septiembre de 2012. En 2014, apareció en el thriller de acción Jack Ryan: Shadow Recruit, el musical Begin Again, la comedia romántica Laggies y en el thriller histórico The Imitation Gamepor el que fue nominada a un Globo de Oro, un SAG, un BAFTA y un Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto.

    Al margen del cine, Keira ha participado en bastantes producciones para la televisión como la miniserie Oliver Twist (1999) o El Doctor Zhivago. En 2004 fue elegida como la actriz de películas más glamurosa por la revista Glamour en 2004, y en 2007 la mujer más bella de Gran Bretaña, según la encuesta de la cadena televisiva ITN. En 2006 fue nominada al Óscar a la Mejor Actriz por su papel de Elizabeth Bennett en la adaptación cinematográfica de la novela de Jane Austen Orgullo y prejuicio.

    En 2007 firmó un contrato para ser la nueva imagen del perfume Coco Mademoiselle de Chanel.

    Mantuvo una relación con el actor Del Synnott de 2001 a 2003. Se conocieron durante el rodaje de Princess of Thieves. Después se relacionó con el actor Jamie Dornan (2003-2005). Posteriormente fue pareja de su coprotagonista en Orgullo y prejuicio, Rupert Friend, desde 2005 hasta diciembre de 2010. Comenzó a salir a finales de febrero de 2011 con James Righton, cantante del grupo de rock británico The Klaxons. Se casaron el 4 de mayo de 2013 en el ayuntamiento de Mazan, Vaucluse. El 12 de diciembre 2014 Knightley confirmó que estaba embarazada de su primer hijo.



    Keira Knightley no puede más


    Por LOURDES GÓMEZ
    Londres 
    4 MAY 2007



    Keira Knightley, estrella de Piratas del Caribe, está harta del acoso mediático y amenaza con abandonar. "Podría dejarlo todo dentro de cinco y los años que sean. Las cosas pueden alcanzar tal punto que me veré incapaz de continuar", comenta en Elle. A sus 22 años, Knightley tiene que esquivar a "diez fotógrafos cada mañana frente a mi piso" y justificar su delgada silueta. Hace meses pleiteó con The Mail on Sunday por ilustrar con su foto la muerte de una joven que sufría bulimia.

    EL PAÍS



    La belleza sin mérito de Keira Knightley


    La actriz asegura que su aspecto se debe a sus genes, combinados con sesiones de maquillaje y peluquería


    Londres
    21 de agosto de 2007

    Ser guapa no tiene mérito. Lo ha dicho la joven actriz Keira Knightley en unas declaraciones a Radio Times, en las que se queja de la excesiva atención que despierta su físico. "Si alguien me dice que soy guapa, le digo: 'gracias, sólo tengo buenos genes'. Vale, estoy en la portada de las revistas, pero es porque tengo a una persona peinándome y a otra maquillándome. Además de los retoques fotográficos. El resultado no soy yo, es algo que otra gente crea", ha afirmado. Precisamente, Knightley ha sido noticia estos días, después de confesar que los diseñadores gráficos han aumentado el volumen de sus pechos en el anuncio del perfume Coco Mademoiselle .
    La actriz, frecuente objetivo de los paparazzi, también lamentó que el deseo fundamental de gran parte de la juventud sea alcanzar la fama. "Me aterran" los jóvenes que sólo aspiran a ser "ricos y famosos", dijo.
    "Me aterra cuando oyes a los jóvenes decir que quieren ser famosos. ¿Por qué? ¿Porque te dan mesa en un restaurante? ¿Sabes qué? Si reservas, a cualquiera te la dan. Si quieres ser rico y famoso, vete a trabajar a la Bolsa", comentó irónicamente la joven actriz.
    La intérprete señaló, además, que conocer demasiados detalles de la vida privada de los actores "arruina la magia" de los filmes.
    "Por eso me gusta ver películas de hace 20, 30, 40 y 50 años, porque no quiero saber quiénes son los actores, no quiero conocer la historia de su vida. Quiero que sean los personajes que interpretan en la pantalla. La magia está en la pantalla, en no saber lo que hay detrás, porque eso lo arruina", dijo.

    Keira Knightley como Anna Karenina

    Tolstoi al estilo rococó

    Después de que el dramaturgo y guionista Tom Stoppard hubiera confeccionado su adaptación, Joe Wright decidió ambientar (casi) toda la novela en un teatro

    Javier Ocaña
    14 de marzo de 2013

    Para bien o para mal, es posible que la carrera de Joe Wright quede marcada por un plano-secuencia. En un determinado momento de Expiación, su segunda película, el británico, que con Orgullo y prejuicio había rejuvenecido las académicas adaptaciones de Jane Austen con agilidad, elegancia, frescura y sentimiento, decidió dar un golpe sobre la mesa con un “aquí estoy yo”; un aparentemente poderoso movimiento de cámara de varios minutos alrededor de una playa, con soldados, barcos, diálogos y hasta la matanza de un caballo de por medio, que comenzaba siendo una filigrana técnica y acababa siendo una muestra de egocentrismo autoral que te sacaba de quicio (y de la película). A partir de ese momento, el cine de Wright se hizo engolado, grandilocuente y quizá vacío. No está de más que un director se haga notar si se es Welles (o Kubrick, o Anderson), pero si se es Wright, es decir, si no se tiene el imprescindible genio, se corre el peligro de poner la forma tan por encima del fondo que ambas acaben por hundirse. Es lo que le vuelve a ocurrir con Anna Karenina, tras la lacrimógena El solista (2009) y la presuntamente modernaHanna (2011), un Tolstoi al estilo rococó marcado por una discutidísima decisión de base.



    ANNA KARENINA
    Dirección: Joe Wright.
    Intérpretes: Keira Knightley, Aaron Taylor-Johnson, Jude Law, Kelly MacDonald.
    Género: drama. Reino Unido, 2012.
    Duración: 129 minutos.

    Resulta que a Wright, después de que el insigne dramaturgo y guionista británico Tom Stoppard ya hubiera confeccionado su adaptación, se le encendió la bombilla del talento, del “otra vez aquí estoy yo”: quiso otorgarle un toque artístico, ambientando (casi) toda la novela en un teatro, mostrando el artificio desde el primer segundo con paredes que se quitan y se ponen, con la tramoya de las tablas a la intemperie, pero en cine. Como en Dogville, de Lars von Trier, pero al revés, poniendo en lugar de quitando, eludiendo la sencillez para abrazar la porcelana de Lladró, y añadiendo un sello de estilo incluso en interpretaciones (amaneradas casi todas, sobre todo las de Aaron Taylor-Johnson y Matthew MacFadyen) y hasta bailes. Así, un solo momento se salva del desmayo, la insólita carrera de caballos, mientras para la historia de la afectación quedará el risible baile.
    En realidad, da la impresión de que a Wright le interesa menos el texto de Tolstoi que su propio ombligo. Y si a él no le interesa Anna Karenina, ¿por qué nos iba a interesar a nosotros su película?



    Keira Knightley se apunta 

    al Arenal Sound de Burriana


    La popular actriz británica acompañó a su marido Jame Righton, el vocalista de Klaxons,en su actuación en el festival


    4 de agosto de 2013

    La actriz británica Keira Knightley se dejó ver este sábado en el festival Arenal Sound de Burriana (Castellón) acompañando a su marido, James Righton, teclista y vocalista de Klaxons, que actuó la noche del sábado.
    La formación británica Klaxons fue una de los cabeza de cartel de anoche en el Arenal, y subieron al escenario principal a las 22.45 horas.
    Por la tarde, tras la prueba de sonido de la banda, se pudo ver a Knigthley en el backstage y en los camerinos de la mano de su marido.
    Posteriormente, se marcharon al hotel y unas horas antes de su actuación volvieron al recinto junto al resto de la banda.
    La protagonista de Piratas del Caribe acompañó a su marido hasta el escenario, desde el que presenció la actuación al completo.
    Knightley (28) y Righton (29) contrajeron matrimonio el pasado mes de julio en una boda sencilla en la Provenza francesa.
    La actriz londinense ha protagonizado también películas como Orgullo y Prejuicio, por la que estuvo nominada al Oscar, o Anna Karenina.


    Filmografía

    1999 Star Wars Episode I: The Phantom Menace
    2001 Deflation
    2001 Princess of Thieves
    2001 The Hole
    2002 Thunderpants
    2002 Pure
    2002 Quiero ser como Beckham
    2002 New Year's Eve
    2002 The Seasons Alter
    2003 Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl
    2004 El rey Arturo
    2005 The Jacket
    2005 Domino
    2005 Orgullo y Prejuicio
    2006 Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest
    2007 Piratas del Caribe: en el fin del mundo
    2007 Seda
    2007 Atonement
    2008 En el límite del amor
    2008 La Duquesa
    2010 London Boulevard
    2010 Last Night
    2011 A Dangerous Method
    2012 Anna Karenina
    2013 Begin Again
    2014 Jack Ryan: Shadow Recruit
    2014 Laggies
    2014 The Imitation Game
    2015 Everest
    2016 Collateral Beauty





    Ricardo Piglia

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    Ricardo Piglia

    DE OTROS MUNDOS
    (1941)

    VIDA Y OBRA DE RICARDO PIGLIA

    Ricardo Piglia nació en Adrogué, provincia de Buenos Aires en 1941. Más tarde, en 1955 y debido a "una historia política, una cosa de rencores y odios barriales", su familia se mudó a Mar del Plata, en donde Piglia descubriría a Steve Ratliff ("un yanqui extraño"), el mar y el mundo literario. Formalmente estudió Historia en la Universidad de La Plata. Como Asesor Editorial, dirigió en los sesenta la "Serie Negra", difundiendo la obra de Hammett, Chandler, Goodis y Mc Coy. En los ochenta creó la colección "Sol Negro" descubriendo nuevas figuras del policial negro moderno. A nivel académico, es Profesor Titular de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA) y ha enseñado en las Universidades de Princeton y Hardvard.

    En 1967 apareció su primer libro de relatos, La invasión, premiado por Casa de las Américas. En 1975 publicó Nombre falso, un libro de relatos que ha sido traducido al francés y al portugués. En 1980 apareció Respiración artificial, de gran repercusión en el ambiente literario y considerada como una de las novelas más representativas de la nueva literatura argentina. Su siguiente novela Ciudad ausente, demoró doce años en aparecer. Basado en esta novela, Piglia elaboró en 1995 el texto de una ópera con música de Gerardo Gandini.

    Piglia recibió, en noviembre de 1997, el Premio Planeta por su novela Plata quemada –luego llevada al cine por Piñeiro–. El premio estaba dotado de 40.000 dólares y fue otorgado a la novela de Piglia por unánime decisión del jurado integrado los escritores Augusto Roa Bastos, Mario Benedetti, Tomás Eloy Martínez y María Esther de Miguel. Para el cine, en los noventa, escribió el guión de Foolich heart (Héctor Babenco), La sonámbula (Fernando Spiner), y realizó la adaptación de El astillero de Juan Carlos Onetti. Junto a su obra de ficción, Piglia ha desarrollado una tarea de crítico y ensayista, publicando textos sobre Arlt, Borges, Macedonio Fernández, Sarmiento y otros escritores argentinos. En el año 2001 obtuvo en Madrid, por su libro Formas breves, el premio Bartolomé March a la crítica, en la categoría ensayo. Actualmente trabaja en su cuarta novela, Blanco nocturno, que publicará Seix-Barral. Vive en Buenos Aires, en el barrio de Palermo.




    Tránfugas del bajo mundo

    A continuación se detallarán las características particulares de cada personaje, su relación con el resto, y la importancia dentro de la obra.

    Dorda: Su nombre verdadero era Marcos Dorda, alias Gaucho Rubio, era pesado, tranquilo, con cara rubicunda y sonrisa fácil. Era muy supersticioso, estaba siempre viendo signos negativos y tenía múltiples cábalas. Vivió un tiempo en Brasil y luego fue a la Argentina. Le gustaba andar en subte, moverse bajo la luz amarilla de los andenes y de los túneles, subir a vagones vacíos y dejarse llevar. Odiaba profundamente a la policía, su interés principal eran las drogas, eran lo único que le importaba. Siempre oía voces en el cerebro, entre las placas del cráneo, mujeres que le hablaban, le daban órdenes. Era un tipo muy callado y usaba un par de anteojos Clipper, con cristales espejos, le gustaban, eran elegantes, le daban un aire mundano y se miraba de perfil en el espejo. Se la pasaba tirado en el sofá estudiando la revista ¨Mecánica Popular¨ y a veces se ponía a dibujar motores. Su mayor orgullo era su sangre fría y su decisión. Era provinciano, de Maria Juana, con cara de paisano, la cara perfecta de la clase de sujeto que representa un lunático criminal, que actúa con una sonrisa nerviosa, angelical y sin alma. Era loco por los fierros y de a poco se hizo experto en levantar autos. Sanguinario, de pelo pajizo, ojos celestes, muy inteligente, pero muy pirado (psicótico).

    Según el doctor Bunge tenía obseso sexual: era un sexópata, perverso, polimorfo, líbido desmedida. Peligroso psicótico invertido con mal de Parkinson, capaz de dar su vida por el Nene Brignone.

    Nene Brignone: Su nombre verdadero era Franco Brignone, alias el Nene, cara de Ángel, hijo primogénito de un acaudalado empresario de la construcción, era un renegado de su familia y de su clase, la oveja negra, el tiro al aire, vivía en el barrio de Belgrano. Era flaco, ágil, liviano, tenía pelo negro y la piel muy pálida. Debutó en su vida criminal en 1961 a los 17 años cuando era estudiante de la secundaria en el colegio Saint Georges. Cayó preso como cómplice de una tentativa de robo que terminó en homicidio. Era un pesado de la nueva ola con libertad condicional.

    Malito: Su nombre completo era Enrique Mario Malito. Tenía cara de ratón ojitos pegados a la nariz, nada de mentón, pelo colorado, muy sereno con manos de mujer. No le caían bien los homosexuales. Era simpático, entrador, muy taimado. Era muy inteligente, sabía de motores, de caños y podía armar una bomba en dos minutos. Ávido lector de la página de los policiales del diario. Siempre lograba que los demás hagan lo que él quería, como si fuera idea de ellos.

    El padre era médico y le gustaba la sensación fresca y seca del alcohol puro; por ello se lavaba las manos en él.

    Era el jefe de la banda: había hecho los planes y armado los contactos con los políticos y los canas que les habían pasado los datos. No podía ver mucha gente junta ni la luz del sol. Además tenía la obsesión de que todos los teléfonos de la ciudad estaban pinchados.

    Venía de Rosario, había estudiado hasta 4to año de ingeniería y a veces se hacía llamar ingeniero.

    La Nena: Su verdadero nombre era Blanca Galeano y era la concubina de Mereles. Una jovencita de clase media, criada en un hogar sano, que estaba estudiando para rendir las 2 materias que debía y poder así terminar el secundario. Era morocha, espigada, bonita y se vestía bien. Hasta los 15 años su conducta fue normal, bailes juveniles y reuniones en casas de amigos. A los 16 años quedo presa en la Brigada deInvestigaciones de Martínez.

    Nando Heguilein: Su verdadero nombre era Hernando Heguilein. Era un ex integrante de la alianza libertadora nacionalista. Estuvo preso en Sierra Chica, donde conoció a Malito. Era un hombre de acción, un patriota según algunos. Fue quien cruzó a la banda al Uruguay.

    Comisario Silva: Su nombre completo era Cayetano Silva, jefe de policía de la zona norte del Gran Buenos Aires que estuvo a cargo del operativo. Frío como un tipo profesional, inteligente, bien preparado, pero muy fanático. Era paranoico, no dormía nunca, tenía una serie de ideas extravagantes sobre el futuro político y el avance de los comunistas y de los grasas. Era un hombre gordo, de cara achinada y voz turbia de criollo, con una cicatriz blanca que le cruzaba la mejilla. Vivía solo en un departamento alto en Boedo, su mujer lo había dejado años atrás y cuando la veía no la reconocía, tenía hijos y los veía de vez en cuando y con indiferencia, como si fueran extraños.

    Fontán Reyes: Su verdadero nombre era Atir Omar Nocito y su nombre artístico era Fontán Reyes. Era el entregador, un tipo elegante, con unos kilos de más y la cara alucinada de los drogadictos; un cantor de tangos de 39 años que actuó en radio y televisión, y grabó un cd con 2 tangos.

    Chueco Bazán: Era un informante de la policía, lo tenían enganchado como buchón a cambio de dejarlo circular por el bajo con droga y mujeres. Un flaco nervioso que se inyectaba a cada rato; parecía un actor, con una mirada extraviada, ojos de buitre y una sonrisa de superioridad en los labios. Lo calentaban las embarazadas.

    Cuervo Mereles: Su verdadero nombre era Carlos Alberto Mereles, de sangre fría y siempre con la mente en blanco, por eso fue asignado chofer de la banda. Un flaco de ojos saltones, elegante, adicto al Florinol, se tomaba casi un frasco por día. Hablaba de un modo extraño, y había tardado bastante en entender como se formaban las palabras. Estaba en pareja con "la nena". Era un muñeco sanguinario, siempre había matado porque sí, y tenía varias denuncias por golpear a las chicas que vivían con él.

    Relación entre los personajes:

    El Cuervo, Dorda, el Nene y Malito eran peronistas, exiliados, que luchaban por la vuelta del General Perón. Sujetos peligrosos, antisociales, drogadictos, psicóticos, asesinos con frondosos prontuarios. Personas que parecían alucinados, como si estuvieran siempre pichicateados, se reían siempre de cualquier cosa y no dormían nunca. Estaban en la pesada y les gustaba matar por matar, no se podía confiar en ellos.

    A Dorda y al Nene Brignone los llamaban los mellizos porque eran como hermanos, inseparables, tenían en común el modo de mirar, los ojos claros, quietos, una fijeza extraviada en la mirada recelosa. Eran llamativos, extravagantes, con pelo corto tipo militar y manos muy cuidadas. Estaban en pareja y muy enamorados; eran dos pero actuaban como uno, el cuerpo era el Gaucho, el ejecutor pleno, un asesino psicótico; el Nene era el cerebro, el que pensaba. Cada uno era capaz de dar la vida por el otro. Su relación venía deteriorándose y el encierro en " el aguantadero" por unos días, potenció los problemas entre ellos, hecho que hizo estallar en una crisis a la pareja.

    Su relación con el jefe de la banda era discreta. "A Malito no le gustaban las guarangadas, no le gustaban los putos, hablaban demasiado según él". Su diálogo se limitaba pura y exclusivamente al trabajo que realizaban. Al ser el cerebro del grupo, era el que pensaba y realizaba todos los planes, pero nunca arriesgaba su pellejo a la altura que lo hacían los demás, hecho que lo llevó a no estar en el asalto al blindado y a laresistencia en el departamento.

    El cuervo Mereles era el chofer de la banda, y estaba de novio con la Nena ( Blanca Galeano). No le molestaba el hecho de estar con dos gays, sino que estuvo hasta la muerte con ellos en el departamento número 9, defendiendo su vida y la de sus compañeros.

    La banda se había movido de un lado al otro gracias a la ayuda de Nando Heguilein, quien armaba los contactos con los políticos y los policías involucrados. Su apoyo fue vital para poder cruzar al Uruguay. Su intento de cruzar al Brasil con documentos falsos fue frustrado cuando los uniformados lo detuvieron y arrinconaron a la banda.

    El comisario Silva, había sido traicionado con la parte del botín, por lo que decidió hacerse cargo de la operación. Apretaba a todo el mundo y no se iba hasta que no conseguía lo que quería, lo que le permitió estar siempre detrás de las narices de los malechores. Éstos odiaban a Silva, quien era su principal enemigo.

    El Chueco Bazán había colaborado en el asalto al camión con los 7 millones haciendo campana en un bar cercano. Fue el encargado de informarles a Fontán Reyes, que los iban a "mejicanear" con la plata. Al día siguiente fue encontrado misteriosamente muerto cerca del puerto, seguramente, asesinado a sangre fría.

    Importancia de los mismos

    Los personajes con mayor importancia en la novela fueron los integrantes de la banda, porque aquí, la policía, los políticos o el simple habitante tocado en alguna forma por esta historia, son simples co-actores. El protagonismo lo tiene el anti-valor (Malito y sus secuaces), quienes no triunfan completamente con su objetivo, pero no se rinden nunca, y pelean hasta morir.

    Increíble pero real

    En la ciudad de San Fernando, provincia de Buenos Aires, un delincuente llamado Malito recibió planos y todos los datos necesarios para poder asaltar el camión blindado que transportaba el dinero destinado a pagar todos los sueldos de los trabajadores municipales y los gastos de las obras de desagüe del municipio. Estos datos fueron suministrados por políticos y policías a cambio de una parte del botín.

    Una vez obtenida la información, Malito comenzó a formar la banda para realizar el delito contratando a cuatro profesionales: el Gaucho Dorda y el Nene Brignone, alias los mellizos, y el Cuervo Mereles y Chueco Bazán.

    Armada la banda, los mellizos alquilaron un departamento sobre la calle arenales destinado a ser utilizado como base de operaciones, mientras que Malito y el Chueco Bazán alquilaron una pieza en un hotel ubicado enfrente del Banco, donde captaban todos los movimientos del mismo. En cambio el Cuervo Mereles quien había sido contratado para ser el chofer se encontraba en su departamento con su novia.

    Al llegar el día del asalto todo se encontraba como estaba planeado, salieron en un auto preparado el Cuervo, Dorda y el Nene Brignone, mientras que el Chueco Bazán hacia de campana en un bar.

    En el momento que el camión doblaba la esquina, el auto de los asaltantes se le cruza en el camino, descienden todos los que iban en el auto y comienza el asalto, el cual termina con un saldo de tres custodios muertos, uno herido y Dorda con un disparo en el cuello pero con todo el dinero. A partir de ese momento comienza la persecución en la que el coche de los malvivientes choca y estos se ven obligados a abandonar el auto, dejando elementos que posteriormente serían utilizados por la policía para dar con ellos. En este instante un hombre frena para socorrerlos pensando que se encontraban heridos y los delincuentes aprovechan la ocasión para robarle el auto y seguir la fuga en él. De esta manera llegaron al aguantadero donde se encontraban preparando la retirada Malito y Nando Heguilein ( ex integrante de la Alianza Libertadora Nacionalista. Luego los integrantes de la banda tomaron la decisión de no pagarle a ninguno de los contactos ni entregadores, y quedarse ellos con todo el botín engañando a todos inclusive al Chueco Bazán, al que luego lo mataría la policía.

    Después se trasladaron a la casa de Nando, la que usaron como aguantadero mientras aguardaban los contactos para cruzar al Uruguay.

    Una vez instalados en Montevideo la banda de Malito se relaciona con Yamandú, quien tenía la tarea de cruzarlos a Brasil; pero luego al ver que la policía se les acerco repentinamente pensaron que había sido él quien los delató e intentaron matarlo. Yamandú pudo salvarse de los delincuentes pero no de la policía y cuando lo encontraron le dio varios datos a Silva ( comisario entregador a cargo del operativo), inclusive donde se refugiaban. Los pistoleros al imaginarse que iban a ser delatados fueron a la casa y se llevaron todas sus cosas justo cinco minutos antes de que llegue la policía al lugar. Con todas las armas y la droga decidieron mudarse al departamento número 9 de la calle Herrera y Obes, en el cual vivía una amiga del Nene.

    " No se sabe como pero de alguna manera la policía logro que se refugiaran ahí " ( pág. 137). Y de este modo pudieron esconder en el "aguantadero" con micrófonos para escuchar lo que tramaban. Una vez que los malhechores se encontraban adentro, la policía los rodeó y los intimó a que salieran del mismo. " El Nene apagó las luces y el Gaucho saltó a la piecita y salió de ahí con las armas y empezó a repartir la Thompson, la Halcón de 9 milímetros, la escopeta de caño recortado haciéndolas resbalar por el piso hacia las ventanas donde el Nene y el Chueco se habían amurallado" ( pág. 150). En ese momento pensaron que había sido la amiga del Nene quien los había "vendido" y comenzaron a drogarse para poder estar más tranquilos durante el enfrentamiento con la ley. Tomaron el tubo del portero eléctrico y de un modo desafiante los delincuentes pedían que suban policías argentinos a detenerlos ( " Traigan policías argentinos... Queremos policías argentinos" pág. 155), ya que no iban a bajar, y luego comenzó de un intercambio de insultos. Fue por la ventana de la pieza abandonada por donde los policías abrieron fuego sobre los sitiados. " El tiroteo fue repelido por los argentinos y se prolongó con intermitencias ante el asombro de la poblaciónmontevideana que comenzó a seguir los acontecimientos por radio y televisión" ( pág. 157). Los pistoleros tenían la esperanza de que llegue Malito y los sacara de ese infierno, mientras que del otro lado, la policía pensaba que el jefe de la gavilla se encontraba adentro. Como les resultaba de poca eficacia el uso de las armas de fuego comenzaron a arrojar granadas de gases lacrimógenos dentro del departamento, técnica que no funcionó, porque los asaltantes se cubrieron los rostros con paños mojados e hicieron una fogata con ropa para hacer que suban los gases, producto del calentamiento del ambiente. Luego Dorda, en el baño enciende un billete de mil, se mira al espejo y se ríe. " Empezaron a tirar billetes de mil encendidos por la ventana. Desde la banderola de la cocina lograban que la plata quemada volara sobre la esquina. Parecían mariposas de luz, los billetes encendidos" (pág. 190). En ese momento mientras la multitud que observaba lo que sucedía desde la calle se llenaba de odio e indignación. " Están quemando la plata", " No tienen moral", " Son asesinos de nacimiento, criminales insensibles, inhumanos" (pág. 190), decía la población uruguaya paralizada sin poder entender semejante acto de canibalismo. Inmediatamente después de este acto, la policía inició un ataque brutal, poco productiva, y al pasar la noche " Desocupados los departamentos la policía se dispuso una ofensiva final. Como primera medida se ordenó el corte de agua corriente, a lo que se le sumó el corte de luz. Luego se usó el procedimiento de los archiconocidos cóctel de molotov " ( pág. 209). Una vez más, en vano, porque cuando las lanzaron, los mismos pistoleros apagaron el incendio hundiendo frazadas que le quitaban oxígeno al fuego.

    Más tarde se inició un boquete en el piso del departamento ubicado encima del ocupado por los argentinos con la idea de inyectar monóxido de carbono por el orificio. Una vez terminado, los uniformados tiraron varias botellas que contenían nafta a las que se le aplicaba fuego mediante una mecha.

    Después de varios intentos fracasados por escaparse del edificio la policía redobló la apuesta, y comenzó a disparar intensivamente mientras los pistoleros disminuían los disparos. " Se pensó que estaban ahorrando municiones, pero no era así sino que Brignone y Mereles habían comenzado a perder sus fuerzas a consecuencia de las heridas recibidas luego de quince horas de lucha" ( pág. 215). " El único que quedaba entero todavía era Dorda que de vez en cuando tiraba con su ametralladora luego de atender alternativamente a sus dos compañeros" ( pág. 215). Luego un policía empezó a disparar desde el pasillo a la ventana y una ráfaga de disparos lanzó al Cuervo hacia el living. " Había entrado a la cocina para buscar un ángulo de tiro y murió sin darse cuenta, como si el movimiento de ir hacia la luz de la ventana, lo hubiera sacado del mundo" ( pág. 216). Los oficiales arrojaron granadas de pequeño poder desde el boquete, hasta que al final se optó por una más potente, que cuando estalló, obligó al Nene a lanzarse corriendo hacia el living donde lo alcanzó una ráfaga de ametralladora cerca de la puerta del baño. Inmediatamente el Gaucho se arrastró hasta alcanzarlo, lo levantó y el Nene metió con dificultad la mano en el bolsillo de la camisa y le alcanzó la medallita de la Virgen de Luján, le dijo una frase al oído y se murió.

    Dorda era el único con vida en el departamento y " Se iba a ir llevándose con él a todos los guanacos que pudiera" ( pág. 227); eso se lo habían jurado sin decírselo él y el Nene. Pero finalmente al pasar el tiempo se encontró muy debilitado, sin fuerzas para disparar y se dejó caer. Con mucha precaución ingreso la policía al departamento en el que se encontraban el Cuervo y el Nene abatidos en el suelo y Dorda muy malherido y al borde mismo de la muerte. Dos camilleros entraron y lo levantaron mientras él seguía sonriendo, con los ojos abiertos y un murmullo en sus labios. " Cuando bajaron a Dorda por la escalera los curiosos y vecinos agolpados en el lugar y los policías se lanzaron sobre él y lo golpearon hasta desmayarlo" ( pág. 240), mientras gritaban " Asesinos", " Hay que matarlo". Este clima se prolongó y fueron más los golpes que recibió, hasta que al final una ambulancia encendió la sirena y a toda velocidad se encaminó hacia el Maciel.




    " El idiota que sufre el dolor de todos"

    La organización de la obra no tiene complejidad alguna, ya que como toda novela, Plata Quemada se organiza en tres partes: presentación, desarrollo o nudo y desenlace o fin.

    La presentación comienza hablando acerca de los delincuentes, su vida, su persona, su manera de ser y actuar, y prosigue con las distintas charlas y traiciones que darían origen al asalto contra el camión blindado. La presentación dura sólo un capítulo, el primero.

    El capítulo dos da pie para el inicio del nudo " El día del asalto amaneció limpio y claro" (pág. 31). Todos los preparativos estaban listos para atracar al camión, y eso sucedió. El miércoles 27 de septiembre de 1965, según Piglia, comenzó el desarrollo de esta obra, que por cierto estaría lleno de acción y suspenso. El nudo, en una breve síntesis, se puede considerar como un plan incompleto, fallido. Un asalto planeado que deja como saldo a un maleante herido y una huída que se convierte en una emocionante persecución, que termina en un bloque de departamentos en Montevideo, donde se produce el cerco policial a la banda de Malito, quien sorprendente y afortunadamente no se encontraba en el lugar, por razones aún desconocidas. Ésta es una novela cuya mitad se vive a la velocidad de un automóvil arreglado para "salte" al menor toque del acelerador, y otra mitad en un cartucho donde se siente la claustrofobia, la demencia y el total irrespeto por la vida y las normas de lealtad a sus compañeros.

    Una vez acorralados por la policía , no podían hacer otra cosa más que resistir, y eso fue justamente lo que hicieron. Estaban en la mira de todos los policías, incluso en la de la muchedumbre que se había acercado para ver que sucedía. Lo único que los maleantes querían era que Silva vaya a enfrentarse con ellos.

    Durante 16 horas aproximadamente los malvivientes "aguantaron" a la policía, matando a varios oficiales e hiriendo a muchos más. Esta historia termina con un desenlace al que podríamos denominar muerte y prisión, ya que dos de los ladrones (Cuervo Mereles y Nene Brignone) mueren en el duelo y el tercero (Gaucho Dorda) va a prisión después de ser reducido por el efectivo policial, y golpeado por la gente rabiosa, cuando era transportado a la ambulancia.

    La novela no entrega al lector un final para Malito. Éste queda desaparecido y el mismo autor en el epílogo enumera tres posibilidades a su vida y su paradero futuro.

    Crónica de un hecho real

    La intención del autor al realizar esta obra es la de contar un hecho ocurrido entre el 27 de septiembre y el 6 de noviembre de 1965 en las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, respetando siempre la continuidad de la acción, el lenguaje de los protagonistas y los testigos de la historia.

    "Se trata de un caso menor y ya olvidado de la crónica policial que adquirió sin embargo la luz y el pathos de una leyenda". Desde el principio, el objetivo de Piglia fue el de mostrar a la gente un suceso, quizás desconocido por muchos, pero ocurrido en nuestro país; construyendo esta crónica con materiales verdaderos, e intentando tener presente en todo el libro, el registro estilístico y el gesto metafórico de los relatos sociales (según Brecht).

    Dentro de la tendencia actual podemos notar cómo la crónica policial se acerca a la literatura y la nutre. Consiguiendo entonces materiales confidenciales, Piglia pudo armar la historia, los personajes, el habla, la época, la trama y el drama con una precisión admirable, logrando insertar la historia en la literatura de manera desafiante.

    "Parecían mariposas de luz"

    El nene Brignone, el gaucho rubio Dorda y el cuervo Mereles se encontraban arrinconados en el departamento número 9 en Uruguay, donde pretendían "guardarse" hasta que las cosas se calmen un poco.

    Gracias a diferentes fuentes de información, la policía había logrado determinar que los fugitivos iban a esconderse allí, de modo que ya los estaban esperando para encarcelarlos, tomar el dinero y terminar de una vez por todas. Pero aquí es donde reside el problema: ellos, no estaban dispuestos a entregarse así de fácil.

    El dinero, por lo que habían luchado tanto, por lo que habían asesinado, era su más preciado objeto, junto con la droga, y no estaban dispuestos a entregarlo sin obtener nada a cambio." Se iban a ir llevándose con ellos a todos los guanacos que pudiera, se habían jurado sin decírselo el Nene Brignone y el Gaucho Dorda" (pág. 227). De esta manera, los tres, se atrincheraron en el departamento y comenzó la disputa con más de 300 efectivos policiales.

    Después de largas horas de tiroteo y sangre derramada, Dorda comienza a reflexionar acerca del dinero y se empieza a cuestionar cuanto deberían trabajar algunas personas para conseguir un solo billete de mil; y entonces quema el primer billete, "En la puerta esta el nene, que lo mira y no dice nada" (pág. 189). A ese momento, ya conocían cuales eran sus probabilidades de escapar. El hecho de que hayan estado " jugados" viene de una historia previa que cada uno carga en su haber, carencias afectivas, maltratos, discriminación, que hizo que actúen de una manera determinada. Esto es el resultado de un resentimiento contra la sociedad con la que conviven.

    Sus chances de salir con vida eran casi nulas, y habían decidido que si ellos no podían tener, lo que pensaban que les pertenecía (dinero robado), nadie podía. " Empezaron a tirar billetes de mil encendidos por la ventana" (pág. 190).

    La indignación de los espectadores que se habían reunido para presenciar la disputa entre los malvivientes y los defensores de la ley, era increíble: " no tienen moral, ni motivos, actúan y matan gratuitamente, por gusto del mal, por pura maldad, son asesinos de nacimiento, criminales insensibles, inhumanos" (pág. 190). La gente que se agolpaba no podía creer lo que veía; mariposas de luz que se iban desintegrando, reflejando el sentimiento de felicidad y rabia a la vez, de los malechores; y aunque la gente, indignada, repudiaba el acto que cometían, ellos se sentían satisfechos de esa manera.

    Arribamos a la conclusión de que el título se vincula con la obra tratando de explicar un sentimiento de resentimiento y egoísmo, de preferir no tener aquello por lo que tanto se peleó, a que lo tenga cualquier otra persona. De esta manera ellos podían morir tranquilos más allá de lo que la gente pensara, y saber que ni Silva ( peor enemigo) ni nadie iba a tocar lo que le pertenecía. Plata quemada es símbolo de lo que la maldad significa en la ciudad del tercer mundo, en un momento temporal donde la razón es desplazada por el propósito.

    Sexo, droga y delincuencia

    En la obra de Piglia se destacan como temas principales la violencia, la delincuencia, y la maldad absoluta con que enfrentan lo hechos los criminales, donde no existen valores sino sangre fría ( " Cuando uno de los guardias se movió, le metió un tiro en la cara" pág. 37) y un total desenfreno a la hora de un asalto o de enfrentarse a la policía ( " El Gaucho odiaba a los canas y antes de que el tipo tuviera tiempo de suspirar, le metió un tiro el pecho" pág. 123).

    La novela aborda esa posibilidad de lo humano de desatarse de todo control, y avanzar hacia ese abismo que es el mal absoluto. Ese resentimiento, fruto de una niñez poco común, sufrida, hace que ellos ( criminales) actúen como lo hacen, sin importar las consecuencias, y siempre haciendo prevalecer sus intereses por sobre los de la sociedad.

    Las drogas, el amor, la homosexualidad y la traición son los temas secundarios en esta novela ( " La plata es como la droga, lo fundamental es tenerla, saber que está, ir, tocarla, revisar en el ropero, entre la ropa, la bolsa, ver que hay medio kilo, que hay cien mil mangos, quedarse tranquilo. Entonces recién se puede seguir viviendo" pág. 44). Los personajes son drogadictos feroces y a la hora de matar no hacen distinción alguna, hasta traicionan amistades por dinero ( " Se iba a tener que tirar para que no lo mataran"" Nadie abandona a un compañero herido sin tratar de ayudarlo y nadie mata a un socio que ha actuado lealmente como si fuera un buchón" hablando de Yamandú en la pág. 126), que por último termina convirtiéndose en cenizas. Existe también una historia de amor entre dos malvivientes gays, los cuales demuestran tenerse mucho cariño yrespeto, llegando a ser capaces de entregar la vida, el uno por el otro. Eran muy unidos a tal punto que llegaron a llamarlos los mellizos, pero el destino hizo que una bala terminara con esa relación.

    A pesar de que los últimos son tomados como temas secundarios, cabe destacar que son un factor de gran relevancia para crear un clima propenso para que el lector se introduzca en la escena del escándalo y terror en las calles de los países limítrofes.

    Claves de referencia

    Esta obra está contenida en diferentes marcos que hacen posible una apreciación más completa de la misma.

    En el aspecto geográfico se desarrolla en dos lugares: San Fernando y Montevideo, o generalizando, Argentina y Uruguay.

    En Argentina:

    Departamento de la calle Arenales y Santa Fe:

    Es el " aguantadero" en el que se planeó el asalto al camión y también es el lugar en el cual se refugiaron los delincuentes luego del mencionado robo. Este escenario sería luego allanado por la Policía Federal, cuando los maleantes ya habían cruzado al Uruguay.
    El trayecto entre la sucursal del Banco Provincia de San Fernando hasta la nombrada vivienda:

    En este recorrido se sucedieron impresionantes tiroteos entre los "pistoleros" y varios agentes de la Policía Federal. También se sucedió un cambio de vehículos de los delincuentes ya que su primer transporte para escapar fue dañado en la persecución; luego de dar un trompo salieron del automóvil y robaron otro para seguir la fuga.

    En Uruguay:

    Departamento en el centro de Montevideo:

    Es el lugar en el cual los protagonistas se refugian luego de haber realizado el robo y de haber cruzado al Uruguay. Se mantienen encerrados allí por dos días.
    Esquina de la calle Enriqueta Comte y Riqué:

    Es el sitio en el que los delincuentes estaban cambiando las placas de un auto y fueron vistos por la Policía. Allí se produjo un tiroteo en el que murió un agente y también fue el lugar que delató a los integrantes de la banda en Uruguay.
    Departamento de la calle Herrera y Obes:

    En su intento por ocultarse, los personajes se instalan en esta vivienda, que es en realidad la emboscada final de la policía, y en la cual ellos caen. Allí se atrincheran durante más de quince horas, resistiendo los ataques de la autoridad y es dónde los "pistoleros" matan a varios uniformados antes de que puedan reducirlos, matando a dos de ellos y deteniendo malherido al tercero.
    Históricamente podemos notar la gran influencia de lo mediático por sobre las historias policiales. La crónica demuestra un acto delictivo propio de la sociedad actual, insegura y con mucho miedo por lo que puede llegar a pasar en cada instante. En la época en la que se desarrolla el caso, la República Argentina estaba sumergida en una crisis política que había comenzado con el derrocamiento del general Perón, era el gobiernodel Dr. Illia, el cual finalmente culminaría con el golpe de estado, que quebrando una vez más el orden institucional, llevaría a la presidencia al general Onganía. Esta sería una característica común en todos los pueblos latinoamericanos, de la mano de la política exterior de los Estados Unidos, en el marco de la guerra fría.

    En el marco social aparecen los grupos sociales fuertes, de poder, personificados por la policía, políticos y los medios, y la clase marginal que es representada por los delincuentes. El pueblo curioso toma un segundo plano, de mínima participación en la obra: se limita al continuo repudio para con los criminales. En esta crónica la policía, los políticos y los habitantes son co-actores de los protagonistas, que en este caso serían los delincuentes, el sector marginal con un profundo resentimiento social.

    Espiritualmente hablando, los malvivientes se manejan de una manera muy especial, muy particular. Ellos no tienen moral, sino que usan su propia escala de valores y código de honor para relacionarse con el medio en el que se desarrollan y en el cual siembran tanto pánico. Ese resentimiento social que tienen atrapado en el cuerpo, es una bomba de tiempo, que estalla en pedazos desatando la locura y descontrol de los mismos, creando un clima de malestar generalizado. Sus vivencias, su pasado, su historia, hace que cada uno de ellos tenga una manera de ser bastante complicada, difícil de entender, pero no por eso imposible de descifrar. Cada uno tiene sus propias reglas y su mente, que se mantiene en lo que se piensa que es mejor; un condimento excelente para esta clase de novelas: decisiones en fracciones de segundo y una completa ignorancia acerca de lo que puede ocurrir.

    Estos aspectos contribuyen de manera imprescindible para el entendimiento y la comprensión más profunda de este hecho, facilitando el análisis del texto y la relación con otros temas.

    Códigos propios

    Realizando un análisis acerca de la obra podemos notar que el narrador es testigo, relata una historia real producto de una larga investigación nacida de aquel encuentro casual y fantástico en un vagón de tren camino a la ciudad de La Paz, donde tropieza con la amante de uno de los protagonistas de la historia. Redacta su obra hablando siempre en tercera persona, fuera de la obra y es no omnisciente.

    Se vale de la jerga delictiva, policial y argentinismos para narrar los hechos, ubicando al lector en un ambiente propicio para entender la tendencia actual de los actos salvajes que se producen en la sociedad. Estos son algunos ejemplos de ese lenguaje especial:
    ravioles, porro, merca, yerba, bulín, tute, aguantadero, mango, guita, pibe, buchón, canas, fiambres, plata, pichi, maricón, puntero, farolear, tapadera, yuta, ñato, garchando, gorompo, mejicanear, batata, yorugua, chorro, boludeces, verdugueaban, saviolo, ganzada, covacha, chongos, bufarrones, guanaco, giranta, vendió, afanado, charrúa, tipos, al toque, mosca, pajarera, chiruzita, entre otros.

    Piglia enfoca su perspectiva desde los criminales, siguiéndolos tanto en las acciones, como en sus pensamientos; su línea histórica es ordenada, es decir, de principio a fin sin tropezar en el camino. Otra característica importante de la novela son las rupturas de tiempo: de a ratos utiliza la técnica de la televisión para contar lo que está sucediendo en el momento, o sino, utiliza lo novelesco, usa la noticia o crónica de diarios, empleando el tiempo verbal pasado.

    La delincuencia, la policía, el narcotráfico y el sexo crean el ámbito marginal en el que vive esta banda que representan a los antihéroes del momento. Su profesión es la de robar, viven escapándose de la ley, se drogan de la misma manera que respiran, y están en continua relación con desconocidos. Depositan su confianza en cualquier desconocido buscando una salida a la continua lucha que significa su vida.

    En toda la obra podemos destacar el tono realista que Piglia configura con los datos recopilados a través de largo tiempo, donde resaltan la crudeza y el detalle. La obra se divide en dos clases de escenas: de tiempo rápido y de tiempo muerto. Cuando la banda atraca el blindado y huye de la policía escondiéndose donde puede, estamos leyendo las escenas rápidas, mientras que la espera de los documentos, el aislamiento de la sociedad para pasar desapercibidos, nos muestra escenas lentas, muertas, donde podemos apreciar ese clima especial, y la situación del personaje.

    El libro cuenta con las particularidades necesarias para atraer a aquél interesado por las novelas de acción, policiales. Cuenta con el delito ( asalto al camión), los delincuentes ( la banda de Malito), la policía ( continua persecución a los malechores), la víctima ( desde los afectados por los sus sueldos, hasta los heridos y muertos), el cuerpo del delito ( el dinero, que luego desaparecería) , el móvil del delito ( vivir tranquilo, instalar un restaurant argentino en New York y trabajar con la clientela latina, cambiar el modo de vida) y un desenlace lleno de incertidumbre.

    En los momentos justos, Piglia utiliza el recurso del suspenso, paralizando la trama a su gusto y dejando al lector en espera de una resolución inmediata. Emplea también la intertextualidad para contar la historia a partir de los relatos de el cronista de el diario " El mundo". Algunos de ellos que podemos destacar son:
    " Es a partir de acá que empezaría a cocinarse el más formidable asedio que se conozca en los anales de la policía en el Río de la Plata."
    " Más que dos jóvenes que se hubieran marchado de esta vida pareciera que lanzados por una mezcladora de cemento, no hubiera más que trozos de huesos, pedazos de intestinos y de tejidos colgantes a los que era imposible suponer que habían estado atados de vida."
    " La escena táctica de la banda de Malito, su brillo trágico se alimenta con la certidumbre de que cada victoria lograda en estas condiciones imposibles aumenta la capacidad de resistencia, los vuelve más veloces y más fuertes. Por eso siguió lo que siguió, la ceremonia trágica que cualquiera que haya estado ahí no olvidará jamás."
    " La puerta del departamento se abre sobre un estrecho corredor donde se ubican también las puertas de los otros departamentos. Es en el primer piso del edificio que por ser solo de tres plantas no tiene ascensor."
    " De todos modos el destino había empezado a armar su trama, a tejer su intriga, a anudar en un punto los hilos sueltos de aquello que los antiguos griegos han llamado el muthos".

    También aparecen en la novela microhistorias, usando el recurso del recuerdo, como por ejemplo las historias de la niñez del Gaucho Dorda: " No decían nada, el Gaucho hablaba poco ya en ese tiempo, tenía catorce, trece", " Eso era en el `57 o en el `58. Ya había empezado a andar con armas en ese tiempo", " Eran iguales, él y la Rusa, no sabían decir bien lo que sentían. La iba a ver y se sentaba con ella y la miraba tocarse entre las piernas y por eso le pagaba lo que había ganado o lo que había robado por las quintas, en los galpones de la estación, en los fondos del almacén del turco Abad".

    Otro de los recursos utilizados es la técnica cinematográfica: a veces, con las palabras da la impresión de que está haciendo un plano íntimo de alguna persona en especial, y a veces parece que cuenta la historia a lo lejos. Por eso podemos relacionar al cine, la literatura, y al periodismo, que se complementan para hacer una obra más interesante y atrapante.

    Una novela cautivadora

    Según nuestro punto de vista, la novela " Plata Quemada", de Ricardo Piglia, se relaciona estrechamente con la corriente vanguardista debido a las características que presenta la obra. La experimentación con un nuevo lenguaje y la ruptura con formas estéticas tradicionales hace de esta obra una atrapante historia.

    Dentro de la novela podemos encontrar diferentes variantes utilizadas por el autor; una de ellas es la metáfora ( " mariposas de luz", billetes encendidos); la imagen es otra técnica utilizada ( fantasías sexuales de Dorda en prisión), el uso de la jerga delictiva y policial propia de la obra ( merca, porro, buchón, cana, etc), y la inclusión de argentinismos en el relato: el voseo y el "che".

    Piglia en su relato nos ofrece un lenguaje desintegrado que no se preocupa por los significados y que le brinda al lector una pluralidad de ideas, como en el caso de la misteriosa desaparición de Malito, donde nadie sabe realmente lo que sucedió con él, en las horas siguientes al encierro.

    En la obra el autor deja de ser un narrador absoluto para convertirse en testigo-narrador-protagonista y es por eso que los personajes de la historia son observados por éste, desde adentro.

    La descripción de los hechos se van contando cronológicamente, pero a su vez, el relato se va fragmentando en múltiples planos y se va desarticulando el orden temporal. El autor rompe con los límites entre pasado-presente y futuro.

    En síntesis, el escritor, no tiene como intención transmitir conceptos sino que desea mostrar la irracionalidad de los personajes. Esta historia corresponde a la vanguardia, es una renovación de la literatura, un nuevo estilo.

    FLIA RAVIOLO / MONOGRAFÍAS





    Ricardo Piglia 

    “Uno escribe porque está desajustado con la vida”

    Los críticos de Babelia eligen 'Los diarios de Emilio Renzi' el libro del año. El autor, aquejado de ELA, confiesa: “La enfermedad es la injusticia en estado puro”


    LEILA GUERRIERO
    18 DIC 2015 - 18:04 COT



    "Muchas veces, a lo largo del tiempo, me he puesto a pasarlo a máquina; es un trabajo brutal. Pero yo creo que lo voy a tratar de publicar. No dejarlo como libro póstumo, ¿no?”. En ese momento de la grabación se escucha la risa de Ricardo Piglia, una risa seca y gozosa, moldeada al hábito recurrente de mofarse de sí mismo, como quien dice “no me tomen demasiado en serio”. Era el 11 de agosto de 2010 y Piglia acababa de publicar la novelaBlanco nocturno (Anagrama). En su estudio, un piso alto de Barrio Norte, a pesar de ser invierno, hacía calor y él había comprado uvas. De su diario se conocía, por entonces, poco. Grageas, pequeños trazos reproducidos en su libro Prisión perpetua que se expandieron con la publicación, a partir de 2011, de fragmentos más largos en Babelia. Se suponía que había comenzado a escribirlo en 1957, pero la pregunta por el diario persistía: ¿esos más de cincuenta años de escritura tenían existencia real, iban a publicarse alguna vez? Aquella tarde, casi a modo de prueba socarrona, Piglia metió la mano en una de las cajas de cartón que llenaban la sala (quizá por ser un zurdo a quien en el colegio obligaron a escribir con la derecha, las manos de Piglia siempre han tenido una gestualidad magnética, una mezcla de potencia y torpeza, como si fueran las de un boxeador que controla sus movimientos para no destrozar nada). De allí sacó, al azar, una libreta negra marca Congreso. La abrió y leyó algunas frases en voz alta, repitiendo: “¿Qué dice acá?”. Esas libretas se conseguían, según él, en una sola librería de Buenos Aires: “Cuando se terminen no escribo más, pero no el diario, nada más. Sería buenísimo, ¿no? Se terminan los cuadernos y se termina todo”, dijo.
    Las libretas ya no se consiguen, pero, cinco años después de aquella tarde, Piglia sigue escribiendo y en septiembre de 2015 publicó el primer volumen —se esperan dos más— de ese diario de características legendarias. Se titula Los diarios de Emilio Renzi. Años de formación, abarca una década —desde 1957, cuando tenía 16 años, hasta 1967—, fue elegido por los colaboradores de Babeliacomo el mejor libro de 2015 y es un acercamiento salvaje al proceso por el cual alguien deviene escritor y cómo, para lograrlo, se transforma antes en un lector bestial, pasando por todas las instancias de perplejidad, duda, epifanía y desánimo que atraviesa cualquier artista joven.
    El nombre completo de Ricardo Piglia es Ricardo Emilio Piglia Renzi. Emilio Renzi, el personaje que aparece reiteradamente en sus libros, es su alter ego: un escritor y periodista al que le gustan las pelirrojas. El documental 327 cuadernos,dirigido por el argentino Andrés Di Tella, se estrenó este año, pero comenzó a rodarse en 2010. Ya allí Piglia expresaba su deseo de publicar el diario firmado por Emilio Renzi: “No sé si tendré el coraje”, decía. Finalmente, eso fue lo que hizo: atribuir el diario al personaje que también es él.


    Sigo leyendo y escribiendo. Estoy de buen ánimo porque sigo dándole poca importancia a la realidad”

    —Me pareció más verdadero y más sincero hacer ese desplazamiento, cambiar de lugar y evitar el peso de la escritura personal —responde Piglia por correo electrónico el 7 de diciembre de 2015—. Un nombre falso, siempre me gustó ese juego. No soy el que soy. ¿Quién enuncia? Ahí está el problema de la literatura. Todo el material es mío, se trata de mi vida, pero contada como si fuera la de otro. No me gustan las confesiones, hay que darles un giro irónico a las intimidades, creo.
    En el diario Piglia anota: “A veces pienso que tendría que publicar el libro con otro nombre, cortar así del todo los lazos con mi padre, contra el cual, de hecho, he escrito este libro y escribiré los que siguen. Dejar de lado su apellido sería la prueba más elocuente de mi distancia y mi rencor”; y “es mi abuelo Emilio quien va a pagarme la carrera porque rompí con mi padre, que me amenazó de un modo absurdo cuando supo que no pensaba estudiar medicina como él”. Cuando Piglia tenía 16 años, su padre, un médico peronista perseguido por el antiperonismo, decidió abandonar Adrogué, un suburbio de la ciudad de Buenos Aires, y mudarse con la familia a Mar del Plata. El primer efecto que esa mudanza tuvo en Piglia (un adolescente que prefería frecuentar billares a ir al colegio y que había leído muy poco: apenas La peste, de Camus, para conquistar a una chica) fue el impulso de comenzar un diario. De hecho, la primera entrada, de 1957, es esta: “Nos vamos pasado mañana. Decidí no despedirme de nadie. Despedirse de la gente me parece ridículo. Se saluda al que llega, al que uno encuentra, no al que se deja de ver (…). Todo lo que hago me parece que lo hago por última vez”. Los diarios de Emilio Renzi, sin embargo, no empieza con esa entrada, sino con una nota del autor en la que el autor del diario se refiere al autor del diario —que es, a su vez, el alter ego del autor del diario— en tercera persona, estableciendo un juego de espejos que recorrerá el libro en relatos o ensayos que se intercalan entre año y año. “Había empezado a escribir un diario a fines de 1957”, dice esa nota, “y todavía lo seguía escribiendo. Muchas cosas cambiaron desde entonces, pero se mantuvo fiel a esa manía (…)”. Muchas cosas cambiaron desde entonces, y una de las tantas es el hecho de que desde hace un tiempo Piglia está, usando sus palabras, “embromado de salud” (jamás dice “enfermo”), afectado por esclerosis lateral amiotrófica, y debe escribir con ayuda. Pero todo lo demás —la escritura, la lectura, él como frontón donde rebota el humor de una inteligencia escalofriante— se mantiene igual.
    —¿La salud no interfiere en su ánimo para producir?
    —He seguido trabajando, con ayuda. Hay muchas cosas que ya no puedo hacer, pero puedo seguir leyendo y escribiendo como siempre, sin que eso sea un juicio de valor. Estoy de buen ánimo porque sigo dándole poca importancia a la realidad.
    Cuando en septiembre pasado le entregaron el Premio Formentor de las Letras, su editor, Jorge Herralde, leyó un texto que recordaba: “En octubre del año 2000 tuve físicamente en mis manos el primer libro que publicamos de Ricardo Piglia: Formas breves (…). Cuando ese inesperado aerolito aterrizó aquí, Ricardo Piglia era un escritor casi desconocido en España”. A principios de siglo, Piglia no era conocido en España, pero al otro lado del océano ya era un autor central. Después de dos libros de relatos (La invasión, Nombre falso), había publicado la novela Respiración artificial, de 1982, que lo puso en un lugar clave, y a eso siguieron los ensayos de Crítica y ficción (1986), lanouvelle Prisión perpetua (1988), la novela Plata quemada (1997), entre otros. Si desde Plata quemada y hasta Blanco nocturno pasó 13 años sin publicar una novela, apenas tres después de aquella última publicó otra: El camino de Ida. Desde entonces, su capacidad de producción se multiplicó: dio clases magistrales por televisión —Borges por Piglia, en 2013—, publicó dos libros —Antología personal (2014) y La forma inicial(2015)— y adaptó Los siete locos, de Roberto Arlt, a una versión televisiva. Ahora, además de seguir revisando los diarios, escribe relatos protagonizados por el comisario Croce, su personaje de Blanco nocturno.
    —Ya he escrito varios y espero seguir con cinco o seis más hasta completar un volumen que incluya todos los casos de Croce.
    —¿Seguís llevando el diario?
    —Sí, pero con otra dinámica, ahora es un diario de trabajo, en el tercer tomo he llegado hasta el presente, pero con desvíos y elipsis. Un diario de madurez, digamos, con saltos y sobrentendidos.
    Los diarios de Emilio Renzi registran la minucia —“Recibí carta de José Antonio, desde Nueva York. No le gusta la comida, fascinado con la biblioteca”—, pero son, sobre todo, apuntes del incierto proceso de formación de un escritor: “Cuando releo lo que tengo escrito de la monografía me quiero morir. ¿De dónde saqué que yo soy un escritor?”. “Con cincuenta pesos en el bolsillo y sin comer, viajo en tren a La Plata (…) sin encontrar la calma que necesito para escribir. Una calma que se define para mí como ausencia de pensamientos. No pensar para poder escribir, o mejor, escribir para lograr pensamientos no del todo pensados que definen siempre el estilo de un escritor”.
    —Uno escribe y elige lo imaginario porque está desajustado en relación con la vida —dice Piglia—. Esto no supone ningún privilegio ni garantiza una profundidad, es una grieta entre la experiencia y el sentido, no entiendo cómo se produce y de dónde viene ese pensar de más y esas leves alucinaciones y por eso tal vez escribo un diario, para mantener a raya esa extrañeza, pero no he logrado más que confusión. Es cómico, uno busca entender lo que le pasa y sólo logra estar más perplejo.
    —El tono es muy homogéneo. ¿Estamos leyendo al Piglia que escribía a los 16 años o al que escribe ahora?



    Mi relación con la escritura es la misma. Son horas de gran plenitud que están en el centro de mi vida”

    —Lo esencial de un diario es que no se corrige, es lo más parecido a la noción surrealista de la escritura automática, uno escribe en el momento, se deja llevar por un impulso espontáneo casi demencial. Se registra lo que se vive sin distancia, lo que tiende al presente, pero al transcribir, uno ya es otro. Lo más difícil para mí fue entender mi letra, ¿qué dice acá?; entonces a veces tenía que inventar lo que me parecía, pero he sido fiel a lo que estaba escrito. Al principio uno escribe muy bien, luego se va arruinando.
    Claro que si el diario refleja su formación como escritor, también refleja, inevitablemente, su formación como lector. Un lector que a los 16, 18, 20 años opina sobre las diferencias de estilo entre Salinger y Arlt y anota sus impresiones sobre Dostoievski, Faulkner, Pavese, Borges, pero también sobre los escritores de su generación como Miguel Briante o Juan José Saer.
    –¿Su relación con la escritura ha cambiado? ¿Ocupa un lugar distinto?
    —Sigue siendo lo mismo, son horas de gran plenitud que están en el centro de mi vida. Lo difícil es, como siempre, pasar del otro lado, entrar en la escritura y dejar en suspenso lo real.
    —¿Hay algo de su reacción ante estos problemas de salud que le haya sorprendido?
    Bueno, la experiencia de la enfermedad es la de la injusticia en estado puro: “¿Por qué a mí?”, se pregunta uno, y cualquier explicación es ridícula y no tiene sentido. La sensación de injusticia llama a la rebelión y a la lucha, entonces uno no se queja y eso es un alivio.
    El libro se cierra con un texto, ‘Canto rodado’, donde el distanciamiento de sí mismo que Piglia se impuso alternando la primera y la tercera persona llega a su expresión máxima, con un despliegue emocionante de recursos y destreza narrativa. Escribe Piglia que dice Renzi: “(…) dijo Renzi, que parecía haber empezado a desvariar un poco, como le venía sucediendo cada vez con más frecuencia desde que estaba enfermo, no enfermo, él jamás usó esa palabra, estaba, para decirlo como él, ‘un poco embromado’, como decía loco de pánico, ‘no tengo dolores, sólo una pequeña perturbación en la mano izquierda, que es mi mano buena, o mejor dicho, fue mi mano buena porque soy zurdo (…)’. Por ese motivo tuvo que contratar a una asistente a la cual dictarle su diario (…). Por eso, continuó (…), trabajo ahora con mi musa mexicana (…), entiende a medias lo que yo le digo (…), así que cuando después de un rato le pido que me lea lo que hemos escrito, ella, con su español más nítido, me lee unas páginas en donde lo que yo he dicho es apenas una sombra turbia en medio de palabras puras y precisas con las que ella ha mejorado mi lectura de lo que está escrito a mano desde hace años en mis cuadernos”.
    Los diarios de Emilio Renzi están dedicados a Beba Eguía, la mujer de Piglia, y a Luisa Fernández, “la musa mexicana” que lo ayuda a transcribir.

    Ricardo Piglia

    Piglia denuncia la interrupción 

    de su tratamiento contra la ELA

    La justicia argentina ordena al seguro Medicus que suministre las dosis prescritas al escritor, enfermo desde 2013


    LEILA GUERRIERO
    6 ENE 2016 - 05:41 COT



    -Él está todo el tiempo trabajando, y está de lo más sonriente siempre. Es...mirá...es un héroe. Es un héroe. Porque esta es una enfermedad terrible.
    La voz de Beba Eguía, la mujer del escritor argentino Ricardo Piglia, suena segura y taxativa por teléfono, desde uno de los cuartos de la casa donde viven y que ahora define, con cierta ironía amarga, como una “casa abierta”.
    -Ricardo no para de trabajar, así que hay siete personas que vienen a trabajar con él, para ayudarlo. Y además están el enfermero, el kinesiólogo. Yo a veces salgo de mi cuarto a la mañana y está el enfermero ahí sentado, y no sé quién es. Pasa gente todo el tiempo. Esto es una casa abierta. Tipo comunidad –dice Beba y se ríe con la risa corta y seca.
    En el mes de septiembre del año 2013, Ricardo Piglia –autor de una novela clave como Respiración artificial (1982), y uno de los más prestigiosos escritores de la lengua- fue diagnosticado con ELA, Esclerosis Lateral Amiotrófica, una enfermedad que, para ponerlo simple, produce una parálisis muscular progresiva pero no afecta en absoluto las facultades mentales. Desde entonces, su estado de salud se deterioró pero su capacidad de producción hizo un movimiento inverso: después de publicar la novela El camino de Ida, en 2013, dio clases magistrales por televisión –Borges por Piglia-, publicó Antología personal (una selección propia de su obra de ficción y no ficción; 2014) y La forma inicial(conferencias y conversaciones; 2015), y trabajó en la adaptación de Los siete locos, de Roberto Arlt, para una versión televisiva. Ahora escribe una serie de relatos con el comisario Croce, el personaje de su novela Blanco nocturno, y hace apenas semanas su libro Los diarios de Emilio Renzi (Anagrama) fue elegido en Babelia como el mejor del año. Eso, que podría ser visto como la gigantesca voluntad de un escritor por seguir viviendo en estado de escritura, está en riesgo. Hace algunos meses, con el respaldo de sus médicos argentinos, Piglia entró en el protocolo de una medicación nueva, llamada GM604, que fabrica un laboratorio radicado en Estados Unidos, Genervon, y que parecía muy efectiva en el tratamiento de personas con ELA.



    Hace unos meses, Piglia entró en el protocolo de una medicación nueva de un laboratorio estadounidense

    -Empezó con el medicamento en septiembre –dice Beba Eguía-, ya recibió dos dosis y el resultado fue asombroso. Aumentó de peso, puede sostener el torso, moverse un poco. Con esta enfermedad la gente empieza a adelgazar y no hay retroceso, y acá la enfermedad no avanza y hubo mejoras. Pero para que continúe así, no hay que interrumpir el tratamiento, y por eso necesitamos obtener las dosis que faltan.
    Sin embargo, ahí es donde empiezan los problemas. Porque Medicus, la empresa de medicina prepaga a la que Piglia está afiliado desde hace una década, se ha negado, hasta ahora, a pagar el tratamiento cuyo monto supera los 95.000 dólares (88.500 euros) y que Beba Eguía y Piglia han costeado con dinero propio y la ayuda de amigos. Después de un gigantesco periplo burocrático, el 15 de octubre de 2015 Beba decidió presentar un recurso de amparo ante el Juzgado Nacional en lo civil y Comercial Federal Nº 8, a cargo del Juez Iván E. Garbarino, que menos de un mes más tarde, el 9 de noviembre, falló ordenando a Medicus que otorgara la cobertura del cien por ciento de la medicación, y dio un plazo de dos días para hacerlo. Pero, hasta hoy, la empresa no ha cumplido con el fallo, aduciendo que se trata de un medicamento en fase de experimentación que aún no cuenta con la aprobación del Anmat (Administración Nacional de Medicamentos, Alimentos y Tecnología Médica, el organismo que se ocupa de autorizar los medicamentos y alimentos para consumo humano en la Argentina). Más allá de que el fallo de la justicia está por encima de cualquier reglamentación, la vía legal existe y fue, de hecho, utilizada por Beba Eguía en las dos ocasiones en las que importó las dosis recibidas.
    -Yo lo compré directamente al laboratorio. Pedí el permiso a la Anmat y me lo dieron, gracias a algo que se llama “uso compasivo”. Mientras no se lo importe para comercialización, no hay problema. Lo pagué, ellos pusieron un paquete para mí en Fedex, y lo fue a recoger mi sobrino a la aduana. Eso fue todo. Medicus podría hacer lo mismo. Pero no lo hace porque no lo quiere hacer.



    "Recibió dos dosis y fue asombroso", dice su esposa. "Para que siga así, debe continuar el tratamiento"

    Según Gilda Martínez, la abogada de Ricardo Piglia, Medicus también exigió, para hacer efectivo el cumplimiento, “una liberación de responsabilidades por la provisión de un medicamento que consideran ilegal, como si el fallo mismo de la Justicia no los fuera a eximir de hecho de cualquier tipo de responsabilidad”. En uno de los escritos presentados después del fallo del juez, la prepaga (seguro) adujo que el hecho de tener que comprar en el exterior la medicación, y abonarla en moneda extranjera –el escrito es del momento en que aún estaba vigente el control de cambios en el país-, podía hacerla “incurrir en el delito de fuga de divisas”.
    Ayer, 4 de enero de 2016, el artista argentino Roberto Jacoby, amigo de Piglia, realizó una petición a través de la plataforma Change.org para solicitar que la prepaga cumpla con la sentencia y suministre los fármacos de manera gratuita. En pocas horas, la petición reunió más de 84 000 firmas, el asunto tomó estado público y la empresa difundió, a través de la consultora Alurralde-Jasper, un comunicado que decía que “Medicus quiere aclarar que ha brindado su apoyo y desde siempre provee y cumple con todas las particularidades que el tratamiento requiere. La medicación en cuestión se encuentra en fase experimental en Estado Unidos y no está disponible a la venta en Argentina. (...) tampoco existe en nuestro país un mecanismo de importación y compra verificado de acuerdo a estándares nacionales. Medicus ratifica su total disposición y voluntad para cumplir lo que el paciente ha solicitado, considerando las posibilidades técnicas, científicas y las normativas de salud vigentes de nuestro país.” El abogado de Medicus fue consultado sin éxito para este artículo en relación a la ambigüedad del texto –que hace hincapié en la inexistencia del marco legal para importar el medicamento, y no se compromete de manera explícita a pagar por él-. Beba Eguía tampoco ha recibido, hasta el momento, comunicación por parte de la empresa, aunque sí le habrían manifestado a Gilda Martínez, su abogada, la voluntad de pagar.



    El seguro se ha negado a costear la terapia, de más de 95.000 dólares. Lo ha costeado la familia con la ayuda de amigos

    -Yo, hasta que no lo vea, no lo creo –dice Beba-, y mi abogada tampoco. Con ellos todo lo lográs con un juicio. Están obligados a cubrir la internación domiciliaria, pero a Ricardo no le han dado una cama ortopédica: la tengo que alquilar y pagar yo, de mi bolsillo: 700 pesos por mes. No me dan una silla de ruedas que le sirva. La que tiene está atada con un palo de escoba. No querían pagar las vitaminas, aduciendo que eso no lo cubre la prepaga, cuando las vitaminas para una persona como Ricardo son fundamentales, porque necesita proteínas. No es una cosa cosmética. Nos han mandado enfermeros que no tenían idea de cómo tratar a una persona en su situación, que no tenían idea de cómo funciona un respirador. O sea que no es sólo que no pagan este medicamento, sino que me vienen negando hasta una cama. Entonces yo, hasta que no lo vea, no lo creo. De hecho, no hay nada firmado donde se comprometan a cubrir los medicamentos.
    -¿Y el Estado tuvo algún tipo de intervención en estos días, te llamó alguien de algún ministerio?
    -Nadie. Llamó alguien del ministerio de salud, ayer, pero no se volvieron a comunicar.
    Para pagar las dosis ya recibidas, Piglia y Beba se vieron obligados a vender hace unos días el estudio legendario en el que él trabajaba, en Barrio Norte, y donde escribió buena parte de su obra. Allí está también su biblioteca. Más de siete mil volúmenes –su vida entera como lector- que habrá que mudar en poco tiempo más.

    EL PAÍS






    PIGLIA Y EL CINE

    Ha escrito los guiones para las películas Corazón iluminado (1996), de Héctor Babenco; La sonámbula, recuerdos del futuro (1998), de Fernando Spiner; El astillero (2000), de David Lipszyc, basada en la novela homónima de Juan Carlos Onetti. Marcelo Piñeyro dirigió Plata Quemada (2000), con guion del mismo Piñeyro y de Marcelo Figueras basado en la novela de Piglia, film que obtuvo en España el Premio Goya 2000 al mejor largometraje extranjero de habla hispana. También escribió el guion para la miniserie televisiva Los siete locos y los lanzallamas, basada en la obra Roberto Arlt.



    PREMIOS
    Mención Especial Premio Casa de las Américas 1967 por Jaulario.
    Premio Planeta Argentina 1997 por Plata quemada (Gustavo Nielsen, finalista del premio con El amor enfermo, se querelló contra Planeta por considerar, sin poner en duda la calidad de la novela ganadora, que el galardón estaba apalabrado de antemano; los tribunales le dieron la razón y multaron a la editorial).
    Premio Iberoamericano de Letras José Donoso 2005 (Chile).
    Premio de la Crítica 2010 (España) por Blanco nocturno.
    Premio Rómulo Gallegos 2011 (Venezuela) por Blanco nocturno.
    Premio Internacional de Novela Dashiell Hammett 2011 (Semana Negra de Gijón) por Blanco nocturno.
    Premio Casa de las Américas de Narrativa José María Arguedas 2012 por Blanco nocturno.
    Gran Premio de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores 2012.
    Premio Iberoamericano de Narrativa Manuel Rojas 2013.10
    Premio Konex - Diploma al Mérito 1994 y 2004: Novela; Konex de Platino 2014: Ensayo Literario.
    Premio Konex de Brillante 2014: Letras.
    Premio Formentor de las Letras 2015.




    NOVELAS
    Respiración artificial, Editorial Pomaire, Buenos Aires, 1980
    La ciudad ausente, Editorial Sudamericana, Buenos Aires, 1992
    Plata quemada, Planeta, Buenos Aires, 1997
    Blanco nocturno, Anagrama, Barcelona, 2010
    El camino de Ida, Anagrama, Barcelona, 2013






    CUENTOS

    Jaulario, Casa de las Américas, La Habana, Cuba, 1967. Contiene 9 cuentos: Tierna es la noche; Tarde de amor; La pared; Una luz que se iba (primer premio en el concurso de la revista Bibliograma, 1963); Desde el terraplén; La honda; En el calabozo; Mata Hari 55; y Las actas del juicio

    La invasión, Editorial J. Álvarez, Buenos Aires, 1967. Este libro es Jaulario modificado y ampliado; así, contiene el cuento Mi amigo, no incluido en el libro cubano, e introduce modificaciones en algunos relatos, como los importantes en Una luz que se iba, cuento que sí se incluía en Jaulario.11 Anagrama sacó una reedición ampliada en 2007. La edición de 1967 contiene 10 cuentos: Tarde de amor; La pared; Una luz que se iba; En el terraplén; La honda; Mata Hari 55; Las actas del juicio; Mi amigo (primer premio, compartido, en el concurso de la revista El Escarabajo de Oro, 1962), La invasión y Tierna es la noche

    Nombre falso, Siglo XXI Editores, México, 1975. Contenía cinco relatos — Las actas del juicio; Mata Hari 55; El laucha Benítez cantaba boleros; La caja de vidrio y El precio del amor— y la nouvelle que da título al libro; la edición definitiva —Seix Barral, Buenos Aires, 1994—, quedó así: El fin de viaje; El laucha Benítez cantaba boleros; La caja de vidrio; La loca y el relato del crimen; El precio del amor y Nombre falso

    Prisión perpetua, Editorial Sudamericana, Buenos Aires, 1988; contiene las nouvelles Prisión perpetua y Encuentro en Saint-Nazaire; a la edición española le agregó dos relatos: El fin del viaje y La loca y el relato del crimen. En las cuatro figura Emilio Renzi, el personaje que adoptó el papel de narrador de Respiración artificial
    Cuentos morales, con introducción de Adriana Rodríguez Pérsico; Espasa Calpe, Buenos Aires, 1995

    El pianista, Eloísa Cartonera, Buenos Aires, 2003



    ENSAYO

    Crítica y ficción, Seix Barral, Buenos Aires, 1986. La edición de Anagrama, en 2001, incorpora entrevistas e intervenciones desde 1986 hasta 2000 y contiene: La lectura de la ficción; Sobre Roberto Arlt; Narrar en el cine; Una trama de relatos; Sobre Cortázar; El laboratorio de la escritura; Sobre el género policial; Parodia y propiedad; Sobre 'Sur'; Sobre Borges; Novela y utopía; Los relatos sociales; La literatura y la vida; Ficción y política en la literatura argentina; Sobre Faulkner; Primera persona; Borges como crítico y Conversación en Princeton

    Formas breves, Temas Grupo Editorial, Buenos Aires, 1999

    Diccionario de la novela de Macedonio Fernández, Fondo de Cultura Económica USA, 2000

    El último lector, Anagrama, Barcelona, 2005

    Teoría del complot, Mate, Buenos Aires, 2007

    La forma inicial, Eterna Cadencia, Buenos Aires, 2015

    Las tres vanguardias, Eterna Cadencia, Buenos Aires, 2016




    OTROS

    Antología personal, Fondo de Cultura Económica, 2014 / Anagrama, Barcelona, 2015
    Los diarios de Emilio Renzi, tres volúmenes de los diarios que Piglia escribe desde los 16 años:
    Los años de formación (1957 - 1967), Anagrama, Barcelona, 2015
    Los años felices, previsto para 2016
    Un día en la vida, previsto para 2017

    Roald Dahl

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    Roald Dahl
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    CUENTOS
    DRAGON


    BIOGRAPHIES






    Roald Dahl

    (1916 - 1990)

    Roald Dahl nació en Llandaff, Cardiff, Gales, el 13 de septiembre de 1916, y murió en Oxford, Inglaterra, el 23 de noviembre de 1990. Se le conoce en el mundo entero como como autor de narraciones infantiles y juveniles, pese a que su producción para adultos fue también de destacable calidad. Muchos de sus relatos se han convertido en películas de gran éxito internacional. De hecho, Roald Dahl es uno de los grandes y sin duda el escritor para niños más importante del siglo XX.


    Roald Dahl

    Su padre, de origen noruego, murió cuando el futuro escritor sólo tenía tres años. Esta desaparición dejó en apuros económicos a la familia, que hubo de trasladarse a una casa más pequeña. La madre prefirió seguir viviendo en Inglaterra antes que regresar a Noruega, cumpliendo con ello el deseo de su marido de educar a sus hijos en escuelas británicas.

    Roald Dahl
    Fue precisamente la estricta educación inglesa, que incluía fuertes castigos, lo que menos agradaba al pequeño Roald. Sus momentos más felices los vivía en verano, cuando viajaba con su madre y sus hermanos a Noruega. No brilló especialmente en sus estudios, aunque destacó en actividades deportivas como el boxeo.
    Más interesado por la acción y la aventura que por el esfuerzo intelectual, al cumplir los dieciocho años se hizo explorador, en lugar de matricularse en la Universidad, como quería su madre. Luego trabajó como vendedor hasta que, a los veintitrés años de edad, se alistó como aviador para luchar en la Segunda Guerra Mundial, y sirvió en las Fuerzas Aéreas Reales en Libia, Grecia y Siria. En las campañas del continente africano su avión fue alcanzado en varias ocasiones por los disparos del enemigo, y en una ocasión llegó a ser derribado. Dahl salvó la vida de milagro, aunque tenía heridas tan graves que fue enviado a casa.

    Ilustración de Quentin Blake

    Su primera recopilación de relatos (Over to You; 10 Stories of Flyers and Flying, 1946) evocaría los horrores vividos en la guerra. Recuperado de sus heridas, en 1942 fue destinado a Washington como experto en asuntos de aviación de guerra; hasta 1945 trabajó para la Seguridad británica en Estados Unidos. Fue allí donde empezó a hacerse famoso como escritor, al ponerse a narrar en periódicos y revistas su visión de la guerra.

    Roald Dahl
    Dahl alternó tempranamente estas ocupaciones con su dedicación a la literatura infantil y juvenil, que se intensificaría a partir de la década de los sesenta. Casado en 1953, fue padre de cuatro hijos a los que acostumbraba a contar cuentos que a menudo se convertían en novelas. Su primer libro para niños habia sido Los gremmlins (1943). Pronto obtuvo grandes éxitos con títulos como James y el melocotón gigante (1961) y Charlie y la fábrica de chocolate (1964).
    Por esa época sufrió también graves reveses: vio morir a su pequeña hija Olivia en 1962, y, tres años después, su esposa Patricia Neal sufrió una peligrosa enfermedad que estuvo a punto de dejarla ciega e inválida. Para colmo de males, su hijo Theo sufrió un grave accidente de carretera que le causó daños en el cerebro cuando sólo tenía tres años. Dahl pasó muchos meses trabajando en una válvula especial que servía para sacar líquidos de la cabeza de su hijo y permitía a éste vivir con normalidad, sin tener que permanecer conectado a una máquina.


    Patricia Neal

    A pesar de estas desgracias, Dahl logró salir adelante y continuó escribiendo obras que le hacían cada vez más famoso en todo el mundo. Con Matilda, uno de sus últimos libros (convertido también en película de gran éxito), batió todos los records de ventas. No hay que olvidar, sin embargo, la importancia de su narrativa para adultos, en la que cultivó variados géneros. También fueron frecuentes sus colaboraciones con el cine; escribió, entre otros muchos, varios guiones para la serie de películas de James Bond.



    La obra de Roald Dahl
    Aunque es recordado especialmente por sus narraciones para niños y jóvenes, Roald Dahl escribió numerosas obras para adultos de indudable interés y calidad, entre las que sobresale Relatos de lo inesperado, una brillantísima colección de cuentos de intriga y humor negro. Mi tío Oswald (1979) se halla muy cercano a la ficción futurista: trata sobre la venta de espermatozoides de los hombres más brillantes del planeta. Otras obras destacadas fueron La venganza es míaGénesis y catástrofe,Historias extraordinarias y El gran cambiazo. Sobresalió especialmente en el cuento corto, con historias mordaces e impactantes rayanas en la irrealidad y lo morboso o macabro en muchos casos; en ellas creó un clima amenazante, extraño, vinculado a la irracionalidad, combinando agudamente el humor negro con el suspense.
    Sin embargo, en sus historias para jóvenes late la fábula moral. Algunas de sus obras en el campo de la narrativa infantil y juvenil están consideradas entre las mejores de todos los tiempos. De hecho, sus relatos gustan tanto a los niños como a los mayores, ya que, en medio de sus historias protagonizadas por jóvenes, hay humor y crítica a la sociedad contemporánea. Junto a la magia y la fantasía, en sus libros aparece también la maldad y otros defectos del ser humano.


    Charlie y la fábrica de chocolate (1964) fue la novela que le hizo famoso entre los jóvenes de todo el mundo; llegó incluso a ser elegida número uno en una encuesta realizada por el prestigioso diario Sunday Times para seleccionar las diez mejores obras infantiles. En Charlie y el ascensor de cristal continuó con el mismo personaje. Otros libros célebres son James y el melocotón gigante (1961), que cuenta la historia de un niño huérfano que vive con sus malvadas tías; Las brujas, que narra el enfrentamiento de un niño y su abuela con la terrible Asociación de Brujas de Inglaterra; y Los cretinos, que recoge historias de una pareja de viejos refunfuñones que odian a los niños.
    Autor prolífico, la lista de obras memorables es extensísima: Danny, el campeón del mundoEl dedo mágico o la ya citada Matilda, la historia de una niña enamorada de los libros. Las novelas Boy y Volando solo se basaron en la vida del propio autor. Y todavía merecen destacarse Qué asco de bichosEl superzorroLa maravillosa medicina de JorgeEl gran gigante bonachónCuentos en verso para niños perversosEl vicario que hablaba al revésMi añoLos Mimpis y Agu Trot.


    Charlie y la fábrica de chocolate
    Celebrada como la mejor novela juvenil del autor, Charlie y la fábrica de chocolatese publicó en 1964 y tuvo un extraordinario éxito: se han vendido más de 13 millones de ejemplares en todo el mundo y ha sido traducida a 32 lenguas. Su perdurable popularidad indica lo bien que el autor comprendió, apreció y se comunicó con los más jóvenes. En fechas más recientes, la versión cinematográfica de Tim Burton (2005) ha contribuido a divulgar la obra entre las nuevas generaciones.
    El protagonista, el pequeño Charlie Bucket, vive con sus padres y sus abuelos. Desde el principio, la pobreza se observa en cada rincón de la casa: en la sopa aguada que comen, en la falta de trabajo de su padre... El sórdido panorama que se describe no deja de parecernos, con todo, entrañable: a pesar de las dificultades, es un hogar en el que fluyen el amor, el respeto y la honestidad.
    Desde la ventana que hay junto a su cama, Charlie ve la inmensa y misteriosa fábrica de sus chocolates favoritos; viéndola repite las fantásticas historias que su abuelo (que había trabajado en ella) le ha contado. Nadie entra en la fábrica desde hace décadas; sólo salen camiones con mercancías.


    “¡Hay suficiente chocolate para llenar cada bañera del país entero y todas las piscinas también!”

     Charlie y la fábrica de chocolate
    “Todo lo que hay en esta sala es comestible. Hasta yo lo soy. Pero eso sería canibalismo, queridos niños, y está mal visto en la mayoría de las sociedades”

    Charlie y la fábrica de chocolate









    Un día Willy Wonka, el propietario, anuncia que dentro del envoltorio de cinco tabletas de chocolate se esconde una lámina dorada que permitirá el acceso a la fábrica, y que cinco niños con cinco acompañantes adultos podrán visitar el lugar que produce los chocolates más ricos del mundo. Como nadie conoce la fábrica de Wonka, el concurso excita la curiosidad de la población, necesitada de sueños y fantasías que la salven de la mediocridad que la rodea.
    Uno de los ganadores es Charlie; visita la fábrica con su abuelo y con los otros cuatro agraciados. Si bien Charlie es un buen niño, a los restantes que consiguen entrar en los dominios de Willy Wonka los dominan los peores vicios de la humanidad. Augustus representa la glotonería que provoca obesidad; Veruca, la exigencia y el egoísmo insoportable de los mimados; Violet, la estupidez de los que se creen los mejores, se sienten merecedores de todos los premios y detestan a los demás; Mike, absorbido por la televisión, está impregnado de agresividad y violencia; es destructivo y sabelotodo. También Wonka, el propietario, es peculiar: es el hijo de un dentista intolerante; acusa la falta de afecto paternal sufrida en su infancia y se deprime recordándolo. Su evolución a través del contacto con el joven Charlie es conmovedora.
    Pese a su hiriente y mordaz sentido de la ironía, la novela se convierte, por su sentido moral, en una emocionante aventura humana de la que se sale mejor persona. En el desarrollo de la historia, cada uno recibe la lección de vida que le permitirá corregir sus vicios; los lumpalumpas, con sus cancioncillas, dan la moraleja correspondiente. La obra reconoce como valores positivos la buena educación, la cortesía o el respeto a las personas mayores, y contiene lecciones de cultura, ciencia o ética, subrayando el papel de la familia en la educación.

    Ilustración de Quentin Blake


    “Los vampiros siempre son hombres. Y lo mismo ocurre con los duendes. Y los dos son peligrosos. Pero ninguno de los dos es ni la mitad de peligroso que una bruja de verdad.”
    Roald Dahl


    “Los adultos son criaturas llenas 
    de caprichos y secretos”
    Roald Dahl

    “Si piensas llegar a alguna parte en la vida, tienes que leer muchos libros”
    Roald Dahl


    Ilustración de Quentin Blake


    “Aquellos que no creen en la magia nunca la encontrará”
    Roald Dahl, Las brujas



    "No importa quién eres o cómo luzcas, mientras alguien te ame"

    Roald Dahl, Las brujas

    Patricia Neal, Roald Dahl e hijos


    Patricia Neal y Roald Dahl

    El divorcio acaba con una de las historias de amor más apasionantes de los últimos tiempos


    SOLEDAD GALLEGO-DÍAZ
    Londres 10 JUL 1983



    Patricia Neal, la actriz británica que sufrió en los años 60 una grave enfermedad y que protagonizó una fabulosa lucha por la vida, y Roald Dahl, el intelectual y escritor de éxito que se mantuvo siempre a su lado, ayudándola sin desfallecer, se han divorciado. Una de las historias de amor más hermosas y reconfortantes de nuestra época ha finalizado ante un tribunal de Londres con una sentencia de pocas líneas. Lo que no consiguió la enfermedad o el infortunio lo ha conseguido la rutina. Neal y Dahl han estado casados treinta años. Él se acerca ahora a los setenta. Ella tiene algunos menos.


    Patricia Neal

    Los españoles conocen tal vez más a Patricia Neal que a su marido. Su hermoso rostro moreno y sus grandes ojos tristes aparecieron en las revistas de fines de los cincuenta y principios de los sesenta no solo para ilustrar sus éxitos en la pantalla, sino para relatar las repetidas desgracias que la golpeaban. Primero fue un taxi que arrolló el cochecito de su hijo Theo. El niño sufrió una terrible fractura de cráneo que exigió ocho operaciones. Después fue la muerte de su hija Olivia, víctima de una vacuna contra el sarampión. El matrimonio luchó con coraje. Roald publicó por aquellos años algunos de sus mejores cuentos para niños y Patricia consiguió un oscar por su caracterización de ama de casa en la película Hud.


    Patricia Neal

    Los infortunios no habían acabado. En 1965, Patricia Neal sufrió tres embolias consecutivas. Consiguió sobrevivir, pero quedó prácticamente paralizada y medio ciega. Su enorme fuerza de voluntad y el amor de su marido, que se convirtió en su enfermero y en su fisioterapeuta, fueron logrando lo que parecía increíble. Poco a poco, Patricia Neal volvió a andar. Nunca consiguió borrar de su boca un pequeño rictus ni recuperar la visión en un ojo, pero la actriz volvió al cabo de unos años al trabajo y cosechó nuevos éxitos. La historia de su recuperación y de la lucha de la pareja fue llevada a la pantalla en una película, La historia de Patricia Neal, que protagonizaron Glenda Jackson y Dick Bogarde.


    Roald Dalh en familia

    La atención se centró en España más en la actriz que en su marido. Sin embargo, Roald Dahl es un escritor muy conocido en todos los países de lengua inglesa. La aureola romántica que rodea su vida es anterior a su apasionada historia de amor con Patricia Neal, aunque tal vez se vio incrementada con el relato de su absoluta dedicación a una mujer enferma. Hijo de noruegos, pero nacido en el Reino Unido, Dhal ha sido un hombre de acción con una agitada vida: explorador en las frías tierras del norte de Canadá, ejecutivo de la Shell Company en Dar el Salaam, piloto de combate de la RAF durante la segunda guerra mundial (fue gravemente herido), agregado militar en la Embajada de Londres en Washington y miembro de los servicios de inteligencia de su majestad británica.


    Roald Dalh y Patricia Neal

    Su popularidad se debe, fundamentalmente, a sus relatos cortos, reunidos en varios libros (Over to you, Kiss kiss, Switch bitch, Tales of unexpected) que fueron acogidos por la crítica como obras maestras. Algunos han sido llevados a las pantallas de televisión, en una serie de la BBC que supervisó el propio Dahl. Escritos en un inglés de extrema sencillez y belleza (muchos profesores los aconsejan a los estudiantes de esta lengua), son relatos sorprendentes y a menudo humorísticos. Dahl es también uno de los más importantes escritores vivos de literatura infantil, y sus cuentos están traducidos a multitud de lenguas. Es autor también de una novela.

    La pareja que conmovió al mundo por su fuerza y compenetración decidió separarse hace algunos años, cuando sus hijos (un chico y tres chicas) eran ya adultos y cuando su vida parecía a salvo de más tragedias. Ahora, cuando ambos han dejado atrás los sesenta años, han preferido, en silencio y sin escándalo, romper todos los lazos legales.


    * Este articulo apareció en la edición impresa del Domingo, 10 de julio de 1983



    Quentin Blake
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    El escritor Roald Dhal muere en Oxford a los 74 años

    El autor de 'Mi tío Oswald' se hizo universal con sus historias para niños


    XAVIER MORET
    Barcelona 24 NOV 1990


    El escritor británico Roald Dahl falleció ayer a los 74 años en un hospital de Oxford, cerca de Londres, según anunció su agente literario, Murray Pollinger. Era uno de los autores de literatura infantil y juvenil más leídos, cuyas obras han llegado a tener una tirada de ocho millones de ejemplares y traducciones a 17 idiomas. El autor de Mi tío Oswald y Charlie y la fábrica de chocolate ha desarrollado una literatura que ha sido comparada a la de Poe, Maupassant y Hemingway, considerado "un autor de mortífero ingenio y macabro sentido del humor". 

    Autor de nueve libros de relatos, tres novelas y numerosos guiones para cine y televisión, su popularidad se centra en los 18 títulos para jóvenes, en especial Charlie y la fábrica de chocolate, del que se han vendido cinco millones de ejemplares en todo el mundo. Otros títulos suyos son Relatos de lo inesperado, Mi tío Oswald, Historias extraordinarias, El gran cambiazo, que recibió el gran premio de humor negro en Francia; y en el apartado juvenil, Matilda, Las brujas: Boy, relatos de infancia; La jirafa, el pelícano y el mono; James y el melocotón gigante, entre otros. Nacido en 1916 en Gales, de padres noruegos, tiene una agitada biografía, como buscador de petróleo en África, piloto de caza de la RAF en la II Guerra Mundial y agente del servicio secreto. Mantuvo una apasionada historia de amor con la actriz Patricia Neal, con la que tuvo cuatro hijos, que finalizó en 1983 en divorcio, tras 30 años de matrimonio. Posteriormente contrajo matrimonio con Felicity Ann Crosland.
     
    Ilustración de Quentin Blake
    Roald Dahl iba a cumplir 75 años el próximo año y en Gran Bretaña estaban ya en marcha los actos de un homenaje que prometía ser esplendoroso. Su muerte, sin embargo, ha cortado de raíz la celebración.

    Roald Dahl, un galés con raíces noruegas, era uno de esos autores capaz de desorientar a cualquiera. El hombre poseía la fórmula para enternecer a niños de todo el mundo con una novela deliciosa como Charlie y la fábrica de chocolate, donde jugaba con los sueños del niño extremadamente pobre al que la suerte favorecía con la visita a una fábrica fantástica, y al mismo tiempo podía escribir novelas de tipo erótico en las que ensalzaba las hazañas del tío Oswald o imaginaba sugestivos cambiazos con la mujer del vecino.

    Su pasado de aviador de la RAF y sus experiencias como agente secreto -sorprendente factor común de su generación de escritores británicos, como si lo de espiar fuera asunto de la imaginación- le dio alas para entrar en un nuevo terreno: el autobiográfico. También con éxito, evidentemente, como era habitual en él.

    Empezó a probar suerte Dahl en eso de la escritura publicando relatos sobre los pilotos británicos en la segunda guerra mundial. Para su sorpresa, el Saturday Evening Post le pagó por su primera historia nada menos que 1.000 dólares de 1942. Él fue el primer sorprendido al comprobar que eso de escribir se le diera bien.


    Roald Dahl en familia

    Los 'gremlins'

    En estos primeros relatos de aviones se inventó Dahl unos duendecillos que harían fortuna más tarde en el mundo del cine: los gremlins. Eran unos pequeños monstruos culpables de todas las averías de los aviones de la RAF que más tarde se metamorfosearían de la mano del genio Spielberg en sus versiones cinematográficas.Y de los aviones y los gremlins, Dahl pasó al mundo de los niños. Había descubierto dos cosas: que sabía escribir y que sus hijos escuchaban los cuentos que les contaba. Decidió, pues, escribir para niños y es en este aspecto de escritor para niños en el que más triunfó.

    De Charlie y la fábrica de chocolatelleva vendidos millones de ejemplares en todo el mundo y otras obras suyas, la más reciente Matilda, han sembrado el regocijo entre los niños y el terror entre los maestros, que advertían asombrados como Roald Dahl pregonaba las virtudes de la rebelión.

    Lo del tío Oswald es otra cosa. Ese coleccionista de espermas reales y de remedios afrodisíacos era algo muy alejado del mundo de los niños. Dahl no perseveró demasiado con este modelo. Prefirió volver al mundo de los niños y escandalizar a maestros anticuados con sus niños terribles.

    Dahl ha muerto, pero sus libros -seguro- seguirán siendo leídos por sucesivas generaciones de niños con capacidad para admirarse ante un mundo repleto de imaginación.

    * Este articulo apareció en la edición impresa del Sábado, 24 de noviembre de 1990

    EL PAÍS



    ROALD DAHL
    UN GRAN CONTADOR DE HISTORIAS

    Alguien sumó los más de 100 millones de libros vendidos con la firma de Roald Dahl y calculó que equivaldrían a la gran pirámide de Giza. Pero, más allá de los números —en los que arrasa su fan J.K. Rowling, que podría rodear la Gran Muralla China con sus 300 millones de ejemplares— el escritor galés tiene el honor de reunir a distintas generaciones en torno a los mismos títulos sin que el tiempo haya hecho mella.

    Pruebe a leer de nuevo alguno de los relatos de este gran contador de historias y se sorprenderá porque le gustarán tanto como entonces. ¿Quién no quiso los poderes mentales de Matilda? ¿O entrar en la colorida fábrica de Willy Wonka? ¿Que crío no querría ahora repartir sueños con el gigante bonachón durante al menos una noche?

    El padre de todos esos personajes nació hace un siglo y esos 100 años nos animan a seguir sus pasos y a repasar un legado que ocupa kilómetros de estanterías e infinitos terabytes de imaginación. Finales inesperados y personajes traviesos y excéntricos, que cuestionan la autoridad, y adultos que la mayor parte de las veces son meros cretinos.

    Matilda
    Ilustración de Quentin Blake

    Las lecturas nos permiten "viajar a lo largo del mundo" mientras estamos en "nuestra pequeña habitación", como se dice en 'Matilda'



    Matilda
    Ilustración de Quentin Blake

    Porque, igual que la niña que aprovechaba las visitas de su madre al bingo para escapar a la biblioteca del pueblo, los libros nos transportan "a nuevos mundos y nos presentan a gente fantástica que vive vidas excitantes", como "Conrad", "Kipling" o "Hemingway". Las lecturas nos permiten "viajar a lo largo del mundo" mientras estamos sentados en "nuestra pequeña habitación", como la inteligente Matilda, la protagonista del libro al que pertenece la cita.

    La pequeña habitación de Dahl, que falleció de leucemia en 1990 a los 74 años, era una cabaña de espacio muy reducido situada en el jardín de Gipsy House, su casa en Great Misseden (Buckhinghamshire), un pueblo a unos 40 kilómetros de Londres donde la familia vivió durante más de 40 años. The Hut, que así la llamaba, puede verse ahora tras un cristal en el Museo que hay en la localidad dedicado a su legado, donde además se ha construido una réplica para que los niños puedan tocar lo que les parezca y se sumerjan en un universo donde la creatividad es la norma.

    "Dahl es probablemente el escritor de libros infantiles más importante del siglo XX y a los niños les encanta", explica Natalie Wallace, la responsable del departamento pedagógico del Museo Roald Dahl de Great Misseden, que también posee todo su archivo, incluidas las cartas que escribió a su madre desde los nueve años. "El Museo es muy interactivo y, aunque ya saben mucho del autor antes de venir, aquí ven cómo están unidos unos libros con otros y a ser creativos de la misma manera que Dahl lo fue. Eso es muy importante para nosotros".


    Matilda
    Ilustración de Quentin Blake

    “Dahl es probablemente el escritor de libros infantiles 
    más importante del siglo XX y a los niños les encanta”


    Matilda
    Ilustración de Quentin Blake

    Aquí no hay silencio, la idea es potenciar la lectura infantil y que los pequeños se manchen y descubran por sí mismos: dos niños rubios sacan sombreros y trajes de un baúl, mientras otros, en la estancia contigua, dibujan a la manera de Quentin Blake, el ilustrador que marcó las facciones de los personajes de Dahl en nuestro imaginario. Hay una lista en la pared en la que cada semana van cambiando los títulos favoritos del autor que votan los visitantes.

    En The Hut nacieron las criaturas más populares de Dahl, muchas veces inspiradas en la campiña inglesa que le rodeaba. De esa choza salieron, además de los ya mencionadas, el Superzorro —el Fantastic Mr. Fox de la película de Wes Anderson—, cuya casa estaba en un árbol centenario en las proximidades, o Danny, el campeón del mundo, que compartía con su padre la caravana gitana que en la vida real servía como cuarto de juegos de los hijos de Roald Dahl.

    Es un espacio angosto y repleto de objetos —hay un pequeño avión que recuerda su paso por la RAF, decenas de papeles de chocolatinas que conforman una bola e infinidad de fotos— en el que trabajaba metódicamente de 10 a 12 por la mañana y de 4 a 6 por la tarde, porque estaba convencido de que la concentración se esfuma después de dos horas de tarea.


    El sillón orejero donde siempre escribía Roald Dahl en su casa de Great Misseden (Inglaterra).
    Fotografía de Javier Nadales

    Siempre se sentaba en el mismo orejero, que había preparado con un agujero posterior para sus dolores de espalda, con una tabla cubierta de tapete verde como escritorio, y con el mismo modelo de seis lápices recién afilados que compraba en EEUU (los Dixon Ticonderoga del número 2) e idénticas cuartillas a rayas de color amarillo en las que escribía a mano. Al lado puede leerse en un cartel el consejo que le dio Ernest Hemingway y que siguió a rajatabla: "Cuando todo vaya muy bien, deja de escribir". Sin tentar a la suerte de más.

    Una existencia pausada y bien medida que contrasta con la que el autor llevó en la otra mitad de su vida. Nacido en la elegante barriada de Llandaff, en Cardiff, de padres noruegos y llamado así por Roald Amundsen, el explorador que conquistó el Polo Sur, se marchó muy joven a África para trabajar para la petrolera Shell. Su mala experiencia en los internados ingleses, al otro lado del Canal de Bristol, le alejó de la universidad. Había sufrido la cruel disciplina y los abusos de compañeros mayores que tan bien quedan reflejados en sus libros.
    En Cardiff, pueden descubrirse algunos posos del autor, aunque sorprende que la capital galesa no se reivindique más como patria chica del escritor. Hay una plaza enorme con su nombre frente a la bahía, que en verano se llena de atracciones y arena de playa para los niños, y una placa azul en Llandaff, en un local chino de comida para llevar con aspecto de estar cerrado hace tiempo.
    Ilustración de Quentin Blake

    El cartel recuerda que ahí estaba la tienda de dulces de la señora Pratchett, donde una travesura de Dahl y cuatro amigos, cuando solo tenían siete años, les costó una paliza en la escuela primaria de la catedral, situada en las proximidades. Cuando la viuda se despistó con otros clientes, los niños le colaron un ratón en un tarro de caramelos para vengarse de sus malos modos. El escritor recordó aquella anécdota en su autobiografía Boy para denunciar los fuertes castigos físicos que eran habituales en los centros educativos británicos.
    En Dar es Salaam, en la actual Tanzania, le sorprendió La Segunda Guerra Mundial y se alistó en el Ejército. Tuvo un grave accidente en un avión Gladiator en el desierto de Libia cuando todavía no había entrado siquiera en la contienda directa, ycombatió con un Hurricane en la batalla de Atenas, en abril de 1941, contra los Messerschmitts alemanes
    Las secuelas, unos terribles dolores de cabeza en vuelo, le terminaron apartando del servicio y su nueva misión fue con el embajador de Reino Unido en Washington. En la capital estadounidense se codeó con gente muy importante, incluido el presidente Roosevelt y su esposa Eleonor, y acabó involucrado en el servicio de información británico, en el departamento encargado de convencer a los estadounidenses para apoyar a los Aliados.

    Roald Dahl

    Ya en Nueva York, su misión, a lo James Bond, era seducir a mujeres maduras e influyentes que se unieran a la causa. Como Millicent Rogers, la esposa de un magnate del petróleo que también tuvo un affaire con Ian Fleming, el creador de 007 y amigo personal de Dahl (fue el guionista de Solo se vive dos veces, de 1967), o la congresista Clare Booth Luce, la mujer del propietario de las influyentes revistas TimeLife. Tras conocer al apuesto Dahl, de ojos claros y casi dos metros de estatura, la congresista defendió presta su anglofilia ante la Cámara de Representantes. Fue, como dice Donald Sturrock en la biografía autorizada por la familia Storyteller. The life of Roald Dahl (2010), "un maestro del mundo de las joyas y los cócteles".


    Roald Dahl y Patricia Neal

    El donjuán contrajo matrimonio en 1953 con la actriz Patricia Neal, que acababa de salir de un romance con Gary Cooper y que ganó un Oscar por su papel en Hud junto a Paul Newman. La pareja, que tuvo cinco hijos, sufrió la desgracia del atropello del carro del bebé Theo y, sobre todo, la muerte en 1962 por encefalitis de la pequeña Olivia, de siete años, que cambió el carácter del escritor y supuso una gran ruptura en la familia: "Nunca quería hablar de Olivia, no quería que nada saliera", recordaba Patricia Neal. Los Dahl ya vivía entonces largas temporadas en Great Misseden y el escritor había publicado su primer libro infantil, James y el melocotón gigante (1961).


    Roald Dahl: infancia, juventud y vejez

    Poco después, Neal sufrió un ictus cuando rodaba con John Ford la última película del director, Siete mujeres, y estaba embarazada de su última hija, Lucy. Tras un largo proceso en el que Dahl se obsesionó con su cuidado, la actriz logró recuperarse, aunque tuvo algunas recaídas. En ese tiempo, el escritor comenzó una relación adúltera con una buena amiga de su esposa, Lizzy, con la que se casó en 1983 poco después del divorcio.
    Lizzy Dahl, que convivió con él hasta su fallecimiento, se encarga del legado del escritor. En Great Misseden está su tumba, en la que nunca faltan las cebollas que le encantaba plantar. Hay además unas huellas del gigante bonachón, el personaje que era su alter ego y cuyo libro dedicó a la fallecida Olivia, y que simulan, en cierto modo, que Roald Dahl sigue hoy muy presente.



    Relatos también para adultos


    La narrativa para adultos de Roald Dahl comenzó mucho antes de la publicación de James y el melocotón gigante (1961), su primer libro infantil. Célebres son susRelatos de lo inesperado, el libro que reúne sus textos cortos publicados en distintas revistas, siempre con giros extraños, misterio y algún tinte macabro. El autor también editó dos autobiografías, Boy, sobre su experiencia en el internado de Repton, y Volando solo, en el que habla de su periodo en África y su experiencia durante la Segunda Guerra Mundial. Su primer relato, publicado en el diario The Saturday Evening Post en 1942, fue la crónica de su accidente de avión en Libia. En EEUU, Dahl escribió el guión de la película de Bond Solo se vive dos veces (1967) y de Chitty Chitty Bang Bang (1968), ambas basadas en libros de su amigo Ian Fleming. Hitchcock se enamoró de sus relatos y colaboraron para convertirlos en episodios de Alfred Hitchcock presenta. El primero que adaptaron fue Cordero para la cena, en el que una mujer mata a su marido con una pierna de cordero congelada. Los policías que investigan el crimen terminan comiéndose el arma homicida.

    Roald Dahl

    Las aristas de Dahl


    La fama de Dahl no era la de una persona fácil y sus personajes han sido criticados por su rebeldía y su lenguaje. Cuando Robert Gottlieb, que fue su editor, rompió relaciones, el resto de la editorial Knopf recibió la noticia con una ovación. Sturrock, su biógrafo, recuerda cómo su jefe en la BBC le deseó suerte en 1986 cuando propuso incluirle en un programa navideño. "¿Conoces su reputación?", le dijo el productor Nigel Williams. "Increíblemente gruñón y difícil. No aceptará". Dahl dio luz verde y Sturrock tuvo la oportunidad de visitar Gipsy House varias ocasiones más. Fue en 1983 cuando Dahl hizo las declaraciones más polémicas a la revista política News Stateman, por las que fue acusado de antisemita: "Hay un rasgo en el carácter judío que provoca animosidad. Quizás essu falta de generosidad con los que no son judíos". En su autobiografía Volando solo, narra un encuentro con un anciano refugiado judío en Palestina durante la guerra, que le habla de la necesidad de una patria, y dice de él que se "aferraba obstinadamente a sus ideas". En 2007, Google le dedicó un Doodle por su cumpleaños, que retiró antes de tiempo. Había recibido protestas porque coincidía con el primer día de una festividad judía.

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    BIBLIOGRAFÍA
    PROSA PARA NIÑOS

    • Los gremlins (The Gremlins, 1943)
    • James y el melocotón gigante (James and the Giant Peach, 1961)
    • Charlie y la fábrica de chocolate (Charlie and the Chocolate Factory, 1964)
    • El dedo mágico (The Magic Finger, 1966)
    • El Súperzorro o Fantastic Mr Fox (Fantastic Mr Fox, 1970)
    • Charlie y el gran ascensor de cristal (Charlie and the Great Glass Elevator, 1973).
    • Danny el campeón del mundo (Danny, the Champion of the World, 1975)
    • El enorme cocodrilo (The Enormous Crocodile, 1978)
    • Los Cretinos (The Twits, 1980)
    • La maravillosa medicina de Jorge (George's Marvellous Medicine, 1981)
    • El gran gigante bonachón (The BFG, 1982)
    • Las Brujas (The Witches, 1983)
    • La jirafa, el pelícano y el mono (The Giraffe and the Pelly and Me, 1985)
    • Matilda (Matilda, 1988)
    • Agu Trot (Esio Trot, 1990)
    • El vicario que hablaba al revés (The Vicar of Nibbleswicke, 1991), obra póstuma
    • Los Minpins (The Minpins, 1991), obra póstuma

    POESÍA PARA NIÑOS
    • Cuentos en verso para niños perversos (1982)
    • ¡Qué asco de bichos! (1984)
    • Puchero de rimas (1989)




    FICCIÓN PARA ADULTOS
    NOVELAS
    • Sometime Never: A Fable for Supermen (Sometime Never: A Fable for Supermen, 1948)
    • Jamás digas nunca (Never Say never, 1956)
    • Mi tío Oswald (My Uncle Oswald, 1979)

    ANTOLOGÍAS DE CUENTOS EN ESPAÑOL
    • Dos fábulas
    • El gran cambiazo, (Switch bitch1974)
    • Génesis y catástrofe, (Genesis and Catastrophe: A True Story, 1980)
    • Historias extraordinarias, (The Wonderful Story of Henry Sugar and Six More1977)
    • La venganza es mía S.A., (Vengeance is Mine Inc., 1980)
    • Relatos de lo inesperado, (Tales of the Unexpected1979)
    • Los mejores relatos de Roald Dahl

    AUTOBIOGRÁFICOS
    • Boy (relatos de infancia) (Boy: Tales of Childhood1984). Cuenta su vida hasta la edad de veinte años, centrándose en la educación británica de comienzos del siglo XX.
    • Volando solo (Going Solo1986). Continuación del anterior, cuenta su vida como empleado de Shell y su participación en la Segunda Guerra Mundial.
    • Memories with food at Gipsy House (1991)
    • Roald Dahl's Guide to Railway Safety (1991)
    • Mi año (My Year1993)


    CINE
    • Sólo se vive dos veces (You only live twice1967)
    • Chitty Chitty Bang Bang (1968)
    • The night digger (1971)
    • Charlie y la fábrica de chocolate (1971)
    • Las brujas (1983)
    • Matilda (película) (1996)
    • Charlie y la fábrica de chocolate (2005)
    • James y el melocotón gigante
    • Fantastic Mr. Fox (2009)
    • BGF (2016)

    TELEVISIÓN
    • Suspense (Estados Unidos1949-1954).
    • Cameo Theatre (Estados Unidos1950-1955).
    • Alfred Hitchcock presenta (Estados Unidos1955-1962).
    • Way out (Estados Unidos1961).
    • That was the week that was (Reino Unido1962-1963).
    • Thirty-minute theatre (Reino Unido1965-1973).
    • Late night horror (Estados Unidos1968).
    Roald Dahl fue también presentador de los programas Way out y 
    Tales of the unexpected (en su primera temporada).


    ADAPTACIONES DE SUS OBRAS
    CINE
    • 36 hours (Estados Unidos1967, de su cuento Beware of the dog)
    • Willy Wonka y su fábrica de chocolate (1971, de su novela Charlie y la fábrica de chocolate)
    • The BFG (Reino Unido1989)
    • Breaking point (Estados Unidos1989, de su cuento Beware of the dog)
    • Las brujas (Reino Unido1990)
    • Four Rooms (Estados Unidos1995, de su cuento Hombre del Sur)
    • James y el melocotón gigante (Estados Unidos-Reino Unido1996)
    • Matilda (Estados Unidos1996)
    • Inaudito (Corto, México1999, de su cuento La máquina del sonido)
    • Genesis and catastrophe (Corto, Estados Unidos2000, de su cuento Génesis y catástrofe)
    • Charlie y la fábrica de chocolate (Estados Unidos-Reino Unido-Australia2005)
    • Fantastic Mr. Fox (Estados Unidos2009)
    • BGF (2016)

    TELEVISIÓN
    • Danger (Estados Unidos1950-1955, de su cuento Apuestas)
    • Star tonight (Estados Unidos19551956, de su cuento Gastrónomos)
    • Alfred Hitchcock presenta (Estados Unidos1955-1962, diversos cuentos)
    • Suspicion (Estados Unidos1957, de su cuento La subida al cielo)
    • Way out (Estados Unidos1961, de su cuento William y Mary)
    • Parson's pleasure (Corto, Reino Unido1965, de su cuento Placer de clérigo)
    • Taste (Corto, Reino Unido1967, de su cuento Gastrónomos)
    • Tales of the unexpected (Reino Unido1979-1988, diversos cuentos)
    • Danny the champion of the world (película para televisión, Reino Unido1989)





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